El naturalismo de Savides

Éste es un extracto de una entrevista realizada al director de fotografía Harris Savides, para mí uno de los grandes genios tras una cámara que puede haber en la actualidad junto a Roger Deakins. A Savides creo haberle nombrado por aquí en alguna que otra ocasión. Ha trabajado con directores de la talla de James Gray, Gus Van Sant, Noah Baumbach, David Fincher, Woody Allen y en la próxima película de Sofia Coppola, Somewhere. Se deselvuelve como nadie a la hora de conseguir looks setenteros (Milk, Zodiac, American Gangster), y utiliza unos colores que recuerdan ineludiblemente a otros grandes de este oficio como Gordon Willis, Néstor Almendros y Laszlo Kovacs.

Aparte de su trabajo en el cine, Harris tiene el honor de haber sido la única persona en ganar tres MTV Music Video Awards a la mejor fotografía, dos de ellos consecutivos por "Rain" de Madonna y "Everybody Hurts" de R.E.M. Su estilo es claro: imágenes puras y nada llamativas, un estilo simple, austero, naturalista y digno de ser contemplado.



Llevas ya un tiempo trabajando con Noah Baumbach; él parece un guionista y un director muy vital, pero en las películas Greenberg y Margot y la boda existe un tono muy orgánico y dinámico en cuanto a la calidad de imagen se refiere.

Cuando me invitaron a participar en Margot y la boda, Noah ya tenía en su cabeza una idea muy preconcebida de lo quería realizar. Me recomendó que viera algunas películas para que me metiera de lleno en su visión, y la primera que me mostró fue La Coleccionista, de Eric Rohmer.

Una película que por cierto tiene una dirección de fotografía estupenda de Néstor Almendros. ¿Había algo específico en ella en lo que tuvieras que fijarte?

Creo que era simplemente la calidad de imagen o su escasez de resolución. Noah tan sólo quería tener algo en su película que recordara a aquellas que Néstor filmó durante los años 70. En especial ésta de la que hablamos.

¿Y cómo consigues ese toque? ¿Es la mezcla de encontrar una determinada luz con grabar cámara en mano?

Nosotros intentamos usar toda la luz natural posible, y sí, también la cámara en mano, aunque ahora últimamente la gente tiende mucho a hacer este tipo de cosas, y en la mayoría de los casos parece un recurso demasiado estilizado.

Ahora mismo me viene una secuencia a la cabeza de Margot y la boda, cuando el personaje de John Turturro hace su aparición. En ella hay una enorme belleza en la luz del sol, sin embargo, no la vemos demasiado recalcada.


Recuerdo que grabamos con varias cámaras ese día simplemente para no perder detalle en ninguna de las interpretaciones. Puede que llegáramos a tres cámaras sólo para tratar de conseguir la mayor espontaneidad posible entre los actores en una sola toma. Cuando Noah está grabando se trata de focalizar la atención en el diálogo.

¿Cómo abordaste la iluminación de la película? Lo digo porque en cierto sentido parece algo desembellecida.
Precisamente lo que trato de hacer es mantener una iluminación natural y simple, no hacerla demasiado espectacular o demasiado bella. Para mí tiene que parecer real, y creo que eso también es importante para Noah. Creo que existe un cierto artificio en las fotografías demasiado finas o hechas con demasiado esmero. A veces funciona, bueno, de hecho funciona la mayoría de las veces, pero para mí un enfoque más natural me parece más interesante y no hace parecer la imagen tan postiza y premeditada.

¿Qué nos puedes contar de Greenberg? ¿Hubo alguna película de los años 70 en la que te fijaras? ¿Quizá alguna que estuviera rodada en Los Ángeles (lugar donde se desarrolla la película)?

Estuvimos ojeando El largo adiós, de Robert Altman y Five Easy Pieces (Mi vida es mi vida). Cuando Noah me mencionó esas dos peliculas yo ya sabía exactamente lo que quería, pero no se trata de imitar una película, sólo de tener referencias.



Entrevista realizada por David Schwartz para Museum of the Moving Image.