Crónicas de un guionista

Ben Gazzara (1930-2012)

2012-02-04T13:14:00.019+01:00

Es un día triste, nos ha dejado para siempre uno de los grandes, un actor de ésos que ya no quedan y una parte importantísima de la historia del cine independiente y del séptimo arte en general.

Ben Gazzara era reconocible por su rotunda y penetrante voz, y también por una sobriedad inigualable a la hora de interpretar sus papeles. Más que justo Premio Donostia 2005, a pesar de lo que muchos digan, Ben cambió el cine por el teatro en multitud de ocasiones, lo que le hizo perder una buena cantidad de papeles importantes, pero la huella que nos deja es intangible.

Habitual del legendario John Cassavetes, se ha dado la coincidencia de que ha fallecido el mismo día que lo hiciera el padre del cine indie. Su interpretación en Husbands junto a Peter Falk y el propio Cassavetes es una de mis favoritas. Pero también me gustaría recordarle por Todos rieron, una película que Peter Bogdanovich confesó haber escrito especialmente para Ben y Audrey Hepburn en uno de los últimos papeles de la actriz, con la que Gazzara llegó a mantener un affair. Para muchos este filme resultó un fracaso, y para otros es una joya perdida del director.

Son memorables también sus apariciones en Anatomía de un asesinato, de Otto Preminger, Buffalo '66 de Vincent Gallo, junto a Anjelica Huston y Christina Ricci, El gran Lebowski de los hermanos Coen (quién no recuerda su aparición como Jackie Treehorn), Dogville de Lars von Trier, o Happiness de Todd Solondz.

Como dice Peter Bogdanovich, I don't think they make actors like Ben anymore. I'm going to miss him a lot.

La foto de la semana

2012-01-31T12:27:00.003+01:00

Ryan Gosling se pregunta justo lo que todos nos preguntamos. Mis felicitaciones al artista que ha hecho este fake.

Grandes Escenas del Cine: 'Tiempos Modernos', de Charles Chaplin

2012-01-30T15:21:00.006+01:00

Se dice de Chaplin que era todo un perfeccionista con su trabajo, y no tengo la menor duda de ello habiendo visto sus películas. Para mí su gran valor era su humanismo, el poder hacernos reír de forma tan contundente mientras en el fondo hacía una incisiva crítica social, y por supuesto, sin necesidad alguna de decir ni pío. Una risa que perdura y perdurará siempre hasta el fin de los días.
Con todos ustedes, Charlie Chaplin en Tiempos Modernos. Una maravilla.

Oscars 2012 (nominaciones y opinión)

2012-01-25T00:59:00.013+01:00

Ha sido un día ajetreado, es la 1 de la madrugada y sigo intentando luchar contra mis noches de insomnio, pero como cada año, aquí os dejo mi opinión acerca de los nominados a los Oscars 2012 en las categorías principales.

Para empezar diré que ahora mismo tengo unas sensaciones bastante agridulces. 'Drive', la mejor película del año para mí, ha sido la gran olvidada, y queda relegada a un segundísimo plano con una sola nominación al mejor montaje de sonido. También se nos han olvidado del propio Ryan Gosling, que optaba tanto por Drive como por Crazy, Stupid, Love y Los idus de Marzo. Tal vez, la división de votos con tantas películas le han traicionado, pero lo más grave es que también se olvidaron de él el año pasado por su magistral interpretación en Blue Valentine. Algo imperdonable, aunque no necesita demostrarle nada a nadie, creo honestamente que desde que nos sorprendió a todos en Half Nelson, Gosling ha emergido de forma contundente en el cine con películas comprometidas y es sin duda uno de los valores más en alza en la interpretación.

También le han privado de una merecida nominación a mejor actor de reparto a Albert Brooks, que escribía esto en su twitter con tono irónico: "I got ROBBED. I dón't mean the Oscars, I mean literally. My pants and shoes have been stolen".

Y sigo con los olvidos, que han sido de lo más destacados este año. Michael Fassbender. Todos han alabado su actuación en 'Shame', y desde luego estaba entre los grandes favoritos, pero finalmente su merecida nominación ha volado. De todos modos, la sociedad debería apuntarse su nombre porque estoy seguro de que en el futuro resonará con fuerza.
Y hablamos también de 'Young Adult', la última creación del dúo formado por la guionista Diablo Cody y el director Jason Reitman, que se ha quedado sin ninguna opción a premio. Y eso que Charlize Theron también era de las grandes favoritas a meterse en la pugna por la Mejor Interpretación Femenina. Con esto queda demostrado una vez más cómo la Academia ningunea a las comedias. Toda una injusticia. Se han quedado fuera también Leo DiCaprio por J. Edgar y Las aventuras de Tintín, de Spielberg.

Sin embargo, he dicho que tenía sensaciones agridulces porque hay otras cosas que no están mal, como las 10 nominaciones a 'The Artist', la gran impresión del año, producción francesa de cine mudo en blanco y negro, arriesgada apuesta para estos tiempos modernos que nos devuelve a los orígenes del cine, o las nominaciones tan importantes recibidas para 'Los Descendientes', y es que la película de Alexander Payne (Election, Entre Copas), uno de esos directores que tanto me gustan, está logrando unas cifras espectaculares en taquilla, algo que me alegra sobremanera por tratarse en el fondo de un cine tan de autor, y por tratarse de alguien con tanto talento como Payne, minucioso elaborador de guiones, que para quien no lo sepa, fue estudiante de la Universidad de Salamanca.

Por supuesto hay más notas positivas, como las nominaciones (mejor película, mejor guión y mejor director) de 'Midnight in Paris' de Woody Allen, que técnicamente es la primera película española de la historia en conseguir una nominación a Mejor Película en los Oscars. Recordemos que produce Mediapro. Y por supuesto, hay que hablar de la vuelta de Fernando Trueba a la ceremonia tras hacerse con la estatuilla con 'Belle Epoque'. Esta vez viene con 'Chico y Rita' en Mejor Película de Animación y acompañado por Javier Mariscal. Si yo fuera él y me lo dieran, lo único que diría es: "Sigo sin creer en Dios, pero sigo creyendo en Billy Wilder". Pero como yo no soy él, estas palabras se las llevará el viento. Y más presencia española, la tercera nominación para el gran Alberto Iglesias por la música de 'El topo', que se verá las caras con John Williams.

Por supuesto también me he llevado sorpresas (Rooney Mara, Max von Sydow...). La mayor creo que son las 11 nominaciones que ha conseguido 'Hugo', la película de Martin Scorsese que tan buenas críticas parece estar recibiendo, aunque no lo esperaba para nada. Creo que los académicos le están rindiendo tributo a Martin en una época donde no ha sido especialmente brillante. Y se olvidaron de él por obras maestras como Taxi Driver, Toro Salvaje o Uno de los nuestros. Supongo que en el fondo es algo que le deben por todo lo que nos ha dado y que por supuesto nos sigue ofreciendo de cuando en cuando. Apuesto por él para el Oscar al Mejor Director de nuevo, y eso que aquí todavía ni hemos visto la película.

Sorprende también la nominación de Demián Bichir en Mejor Interpretación Masculina, y la de Gary Oldman, muy merecida por 'El topo' pero con la que poca gente contaba, aunque no lo tiene fácil porque se las tendrá que ver con Brad Pitt (Moneyball), Jean Dujardin (The Artist) y sobre todo con George Clooney.

En cuanto a interpretación femenina, este año parece que todo está claro con Meryl Streep a pesar de tener a contrincantes de la talla de Glenn Close y una de mis favoritas, Michelle Williams, con su interpretación de Marilyn. Michelle fue nominada el pasado año por Blue Valentine y hace algo más por la fabulosa Wendy and Lucy. Tampoco se lo llevará este año, pero su talento se acabará imponiendo tarde o temprano y seguro que así le será reconocido algún día.

En cuanto a guiones, sí, parece que desde que Aaron Sorkin se ha pasado de la televisión al cine no deja de recibir nominaciones en los Oscar. El año pasado se llevaba el gato al agua con 'La red social' y éste está nominado por 'Moneyball' junto a Steve Zaillian en guión adaptado, donde competirá contra los guionistas de 'El topo', porque aunque la película sea tan confusa y difícil de seguir por momentos, en el fondo tiene mérito adaptar esa en teoría inadaptable novela de John le Carré. Sin embargo aquí mi favorito debe ser Alexander Payne.

En guión original se cuela 'A Separation', película iraní que probablemente resulte la ganadora del Oscar en la categoría de película de habla no inglesa, y competirá contra Woody Allen, Michel Hazanavicious por The Artist, y J.C. Chandor por la recomendable Margin Call. Vuelvo a decir que sigo echando en falta a Diablo Cody.

Y sí amigos, Greg P. Russell, que al parecer sigue vivo después de no colgarse de un puente el año pasado (ver final del post 'Oscars 2011'), vuelve a estar nominado en mezclas de sonido. Será su decimoquinta nominación. ¿Se lo darán alguna vez a este hombre o volverá de nuevo solo y triste a su casa, donde le esperará su mujer: -"¿Te lo han dado, cariño?" (Silencio) -"Bueno, no te preocupes, seguro que el año que viene te vuelven a nominar. Anda, acuéstate que es muy tarde."

Por cierto, a principios de febrero os traeré mi habitual porra de los Oscars con mis listas de posibles ganadores. Ya sabéis que mi porcentaje de acierto es pura dinamita en Las Vegas...Un adelanto: estoy casi seguro de que el pobre Terrence Malick volverá a irse de vacío salvo por el Oscar a Mejor fotografía. Encima este año presenta Billy Crystal, buen aliciente para no pegar ojo en toda la noche.

Consultar lista completa de nominados Oscars 2012

Tráiler de 'Moonrise Kingdom', de Wes Anderson

2012-01-13T12:09:00.007+01:00

Los fanáticos de Wes Anderson estamos hoy de enhorabuena con el estreno del tráiler de su último trabajo, 'Moonrise Kingdom'. La película, una de aventuras, nos cuenta el enamoramiento de dos muchachos que huyen de su pueblo natal. Entre el grandísimo reparto de actores cabe destacar a Edward Norton, Bruce Willis, Frances McDormand, Tilda Swinton, Bill Murray (cómo no) y Jason Schwarztman (faltaría más). Lo que todos nos preguntamos es dónde demonios está Owen Wilson. Esperemos que el bueno de Wes nos tenga preparada una sorpresa y éste aparezca al menos a modo de cameo.
Pero lo importante a día de hoy es que este genio siga haciendo cine de forma tan habitual, porque seguramente es una de las mejores noticias que el séptimo arte puede recibir.

Grandes Escenas del Cine: 'Casi Famosos', de Cameron Crowe

2012-01-11T11:13:00.011+01:00

La verdad es que no sé por qué Cameron Crowe no ha vuelto a hacer una película sobre el mundo de la música, posiblemente el tema que mejor domina y controla. Escribía para la Rolling Stone cuando era prácticamente un niño, el colaborador más joven en la toda la historia de la revista, estuvo de gira con los Eagles, con los Allman Brothers, y por supuesto, con los grandiosos Led Zeppelin. Se podría decir que la música ha sido y sigue siendo su vida por todo lo que escuchamos en sus cuidadas bandas sonoras y en su forma de dirigir cine. Pero Cameron, por favor, recupera cuanto antes ese baúl de las ideas y el recuerdo para volver a ponernos los pelos como escarpias en secuencias como ésta (que le hicieron merecedor del Oscar al Mejor Guión) y con momentos como el de Kate Hudson y Patrick Fugit. "You're home". Suena Tiny Dancer, de Elton John.

Grandes Escenas del Cine: 'The Last Days of Disco', de Whit Stillman

2012-01-03T12:43:00.003+01:00

'The Last Days of Disco' es la tercera película escrita y dirigida por Whit Stillman, y una de mis favoritas de la década de los 90. Sin embargo, y muy a nuestro pesar, resulta ser un largometraje de lo más infravalorado, aunque eso sí, muy apreciado entre algunas minorías de gente con distinguido gusto y un punto de nostalgia.

Hoy me voy a permitir seleccionar no una, sino dos secuencias, aunque admito que me ha costado bastante decidirme. Cada conversación y cada línea de diálogo del guión son de un nivel superior a lo normal. Ahí están la charla de los yuppies, la de La dama y el vagabundo, y un largo etcétera. Finalmente he elegido ésta en la que la guapa y maravillosa Chloë Sevigny, una de mis predilecciones, consiguió enamorarnos a todos, y eso que defendía que el tío Gilito era sexy.

La segunda secuencia, al igual que la anterior, bien la podía haber incluido en la sección de bailes de cine, en ella, Chloë Sevigny, Kate Beckinsale y Robert Sean Leonard bailan al ritmo del Everybody Dance de Chic. ¿El escenario? El anónimo club de Manhattan (Studio 54) en el que todas las noches se reúne este grupo de amigos.

Como en toda gran película, resulta difícil quedarse con un solo momento, y os aseguro que aquí hay muchos para elegir, por lo tanto, lo mejor es verla entera y disfrutar de este extraordinario trabajo por el que bajo mi humilde opinión, Stillman no recibió su debido reconocimiento.

PD: Una recomendación literaria para acabar, 'Cócteles y caviar', la novela basada en la película que el propio Whit Stillman se encargó de escribir tras el rodaje.

Más viejos, más sabios. Feliz 2012!

2011-12-31T11:55:00.000+01:00

Pues aquí seguimos otro año más. Cada vez de forma más esporádica, pero en principio, si eso es así debería ser porque mi tiempo está más ocupado, y eso siempre es positivo.

Sin más dilación, os deseo a todos un feliz año nuevo, y ojalá de corazón que vuestros sueños e ilusiones se hagan realidad. Seguiremos batallando para conseguirlo, por mucho que se nos acabe el mundo.

Grandes Escenas del Cine: 'Boogie Nights' de P. T. Anderson

2011-12-20T12:19:00.007+01:00

Podría poner como unas 15 ó 20 secuencias de 'Boogie Nights' como alguna de mis favoritas y ninguna de ellas desentonaría. Como en todas las películas de Paul Thomas Anderson, el ritmo es altísimo y el nivel enorme, por no mencionar el uso de la música, y es que muy pocos directores en la actualidad pueden rivalizar en eso con PTA.

La siguiente escena está rodada en un plano secuencia de unos dos minutos y medio, sin ningún corte, del tirón. No es el plano secuencia más largo que ha hecho, pero creo que no es necesario explicar la dificultad que esto conlleva, sin embargo, P. T. Anderson aprendió este truco del mejor, de su gran maestro y mentor, el ya desaparecido Robert Altman, inspirándose también en la famosa secuencia de la película 'Soy Cuba', de Kalatozov. Atentos a la inmersión final en la piscina y cómo nuestro amigo Paul (con la ayuda de su montador) lo cuadra todo a las mil maravillas con el sonido de la música. Sencillamente magistral.

Orff contra Zimmer

2011-12-09T15:03:00.039+01:00

Hace ahora casi cuarenta años, Terrence Malick, un señor hacia el que como sabrán los lectores de este blog, tengo una infinita admiración, escribía y dirigía 'Badlands' (Malas tierras), una película maravillosa de la que guardo un más que grato recuerdo desde la primera vez que la vi, al igual que de las sensacionales interpretaciones de Martin Sheen y Sissy Spacek. Y ésas son a mi juicio las grandes películas, las que después de tanto tiempo, aún te siguen marcando y dejando una huella imborrable en tu memoria. Terry Malick es uno de los pocos cineastas que a menudo consiguen esta proeza, aunque de sobra es sabido que es ese tipo de director al que la gente ama y odia a partes iguales. Nada nuevo, a todos los grandes genios les pasa lo mismo.

Pues bien, hace unos meses se me ocurrió que quería volver a ver otra película que siempre me ha gustado bastante, 'True Romance' (Amor a quemarropa), escrita por el inconfundible Quentin Tarantino y dirigida por Tony Scott. Mi sorpresa llegó al caer en la cuenta de lo mucho que se parecían las bandas sonoras de las películas que estoy comentando. La de Malick fue compuesta hace muchísimos años por un alemán llamado Carl Orff, y la de Tony Scott por otro alemán de renombre que quizá os suene, un tal Hans Zimmer, que para más inri, más tarde trabajaría con el propio Malick en 'La delgada línea roja'.

Entonces me puse a investigar y resultó que mi oído no estaba nada mal, ya que ambas versiones son prácticamente la misma, de hecho, el tema principal de Amor a quemarropa, llamado 'You're so cool!', no sé si es un querido homenaje de Zimmer para recordar a su compatriota o un plagio en toda regla. Supongo que estaréis deseando escucharlo.

¿Qué os parece? No suenan mal, ¿verdad? Aparte del "homenaje", personalmente es una melodía que me encanta y que acompaña a la imagen de estas dos grandes películas a la perfección. Creo que las engrandece más aún si cabe, que las hace más épicas en su conjunto, más recordadas en definitiva, como sólo consiguen las grandes bandas sonoras de la historia.

Agenda: Young Adult y Drive

2011-11-10T18:16:00.012+01:00

Vamos a ver si intento seguir manteniendo esto con un poco de vida, y para ello voy con un par de tráilers de dos películas que llegarán próximamente a los cines. Una de ellas ya he tenido la gran suerte de verla, la otra no, pero en cualquier caso, por la gente que la firma y por lo que se empieza a comentar en la red, creo que hará nuestras delicias. Al lío.

Young Adult

Ésta es la que no he visto, pero si nos fijamos en quién escribe el guión y en quién dirige, creo que a muchos os van a entrar ganas de verla ya mismo. El guión lo firma Diablo Cody, y al frente de la dirección tenemos a Jason Reitman, ¿cómo lo veis? Y es que la última vez que estos dos se reunieron salió nada más y nada menos que un peliculón nominado a 4 Oscars y ganador de uno al mejor guión. Aquella película se llamaba Juno, y estaba protagonizada por Ellen Page y Michael Cera.

En esta ocasión, la prota no es otra que Charlize Theron, creo que sobran las presentaciones. Ella es una escritora que vuelve a su pueblo natal para recuperar a un ex novio que ahora está casado y con hijos. A mi parecer, la carrera de Jason Reitman no tiene ni un solo pero hasta la fecha. Si no me creéis podéis ver Gracias por fumar, Juno o Up in the Air. Y estoy casi completamente seguro que 'Young Adult' no será ningún borrón en su filmografía, no teniendo a Cody como guionista. Se estrena en USA el 16 de diciembre.

Drive

Ganadora este año del premio al Mejor Director en el Festival de Cannes para el danés Nicolas Winding Refn. Ahí es nada. Para mí Drive no es solamente la mejor película de este año hasta la fecha, también es una de las más brillantes realizadas últimamente, una de ésas que permanecen largo tiempo en tu retina. Protagonizada por Ryan Gosling en el papel del héroe absoluto por antonomasia, un conductor que se dedica a hacer de especialista en el cine y también algún que otro trabajito sucio para delincuentes. El personaje de Gosling en esta película, escrito por el iraní Hossein Ameni partiendo de la novela homónima de James Sallis es un personaje construido a las mil maravillas, me atrevería a decir que casi perfecto. Si os pica la curiosidad por conocerlo, 'Drive' se estrena estas navidades en España, el día 28 de diciembre. No lamentareis acercaros al cine. Palabra.

El honor de los Coppola

2011-10-12T19:42:00.005+02:00

Parece que la creatividad en esta familia viene de serie. Hace tiempo que vengo siguiendo la trayectoria de la más joven de los Coppola, y en este caso no me estoy refiriendo a Sofia, me estoy refiriendo a Gia Coppola, sobrina de ésta, nieta de Francis e hija de Gian-Carlo Coppola, fallecido justo antes de que ella naciera. De momento Gia "solamente" se ha movido por el terreno del corto, la publicidad (no os perdáis su trabajo para Orla Kiely) y los videoclips, pero a su corta edad ya demuestra lo bien que se desenvuelve con una cámara, y al igual que su tía, evidencia estilo, buen gusto para la moda, amor por la fotografía y desparpajo a borbotones.

A continuación os dejo con su último corto 'What's Up?', que dirigió especialmente para la línea de ropa Wren. Y qué queréis que os diga, pero creo que yo me estoy enamorando de esta chica, o de su trabajo, aún no lo tengo claro.

"What's Up?" from gia coppola on Vimeo.

¿Homenaje o copia?

2011-10-07T12:25:00.004+02:00

Robert Palmer y Shania Twain. Ya sé lo poco o nada que tienen que ver estos dos artistas. Palmer siempre fue la elegancia y la distinción hecha música, y no es por restarle méritos a la guapísima Shania Twain, pero está claro que tiene otro estilo, quizá más común, aunque también lleno de éxitos y canciones pegadizas. Para mí la elección es clara y no existe ningún tipo de divagación al respecto, el señor Robert Palmer, que en paz descanse, siempre ha sido uno de mis favoritos, también de mis padres, lo cual no deja de asustarme un poco.

Lo que hoy os traigo es una pregunta, ¿homenaje o copia? Si lo haces tú, está claro que homenaje, pero si lo hace otro, seguramente se trate de una copia, o tal vez sea una venganza, ¿qué os parece?

Somewhere (crítica)

2011-09-30T18:07:00.003+02:00

Creo que muchos conocéis ya mi debilidad por el cine y el estilo que imprime Sofia Coppola a sus creaciones. Hoy os voy a invitar a que visitéis la web Sigue al conejo blanco, donde podréis leer la crítica que he escrito sobre 'Somewhere', el nuevo trabajo de la directora que por fin se estrena en España. Creo que no es difícil suponer lo mucho que me ha gustado.

Leer crítica

Adivina la película

2011-09-15T16:59:00.007+02:00

Os propongo un pequeño juego que me enseñaron hace unas semanas para amenizar esto un poco. Yo pongo una captura del final de una película y a ver si sois capaces de adivinar de qué título se trata. Creo que no hay ningún spoiler llamativo.Venga, que es fácil, bueno, o a lo mejor no tanto.

Una de cortos

2011-09-06T13:01:00.014+02:00

Septiembre suele ser uno de mis meses favoritos por la tremenda actividad que siempre conlleva. Cuando te mueves y haces cosas, la vida siempre es más interesante, y septiembre es un mes de sobresaltos continuos. Todo parece apuntar a que finalmente volveré a los madriles, una ciudad a la que siempre le he tenido un cariño especial. También es probable que siga grabando capítulos para 'Hispania' en figuración, y quién sabe, quizás en alguna que otra serie más de TV, pero no adelantemos acontecimientos. Todo depende de que lo pueda compaginar bien con mi nueva rutina diaria.

Dicho y actualizado esto, ahora me dispongo a poneros dos cortometrajes que me encantan. Empecemos.

Spider
Escrito, dirigido e interpretado por Nash Edgerton. Jill (Mirrah Foulkes) está enfadada con su novio Jack (Edgerton), que intentará arreglar las cosas intentando hacer reír a la chica para recuperar así su confianza. Pero como decía mamá, "todo son juegos y diversión hasta que alguien pierde un ojo". Spider es uno de mis cortometrajes favoritos de los últimos tiempos, un gran ejemplo de cómo se puede hacer algo notable con una idea muy sencilla y un presupuesto nada ostentoso. Produce Blue Tongue Films, productora australiana responsable de una de las mejores películas del año pasado, 'Animal Kingdom'. Existe también una segunda parte de este corto llamada 'Bear', con el mismo personaje protagonista, pero aún no puede verse en la red.

The Beachcombers
Escrito y dirigido por Mark Beynon y Chris Croucher. Le agradezco enormemente a Izaskun que me enseñara este corto del que me enamoré inmediatamente. Es la historia de dos jóvenes que buscan "tesoros" con un detector de metales a orillas del Támesis. Historia sencilla también y original que consigue transmitirte esperanza y ternura a la vez en una localización de ensueño. A veces sobran los diálogos, y cuando uno es capaz de contar una historia únicamente con el poder de la imagen, creo que merece un reconocimiento, porque en la mayoria de ocasiones, una imagen vale más que mil palabras. Y si no que se lo digan a Keaton o a Chaplin.

Election. En busca del guión perfecto

2011-08-04T18:18:00.012+02:00

No creo en la perfección como algo real, opino que la perfección es tan sólo una ilusión creada dentro de nuestras cabezas, de forma que lo que a una persona le puede parecer perfecto, para otra únicamente es algo notable o ni tan siquiera eso. No obstante, intentar conseguir el mejor resultado posible es una intención que todos deberían tener, o al menos eso es lo que siempre he pensado.

Tras esta breve introducción, hoy quería hablaros de 'Election', una de las primeras películas de Alexander Payne (A propósito de Schmidt, Entre Copas, The Descendants), una de ésas que llevaban un largo tiempo esperando en mi lista particular, y que ha resultado ser de largo la mejor película que llevo vista en todo el verano.

Election es una comedia adolescente de finales de los 90 que protagonizaron Matthew Broderick y Reese Witherspoon. Broderick volvía así a uno de los géneros con los que alcanzó la fama en los 80 de la mano del gran maestro John Hughes, cuando interpretara al ya mítico Ferris Bueller en la genial y recordada Todo en un día, sin embargo, el tiempo no pasa en balde, esta vez se invierten las tornas y le vemos como profesor de instituto un tanto fraudulento aunque inocentón, no como alumno, en una más que destacada interpretación.

Sobre Reese Witherspoon, digamos que tras sus recientes apariciones por aquel entonces en películas como Pleasantville y Crueles Intenciones, fue Election la que acabó catapultando su carrera hacia el éxito como actriz, reconocida ya tanto por la crítica como por el público. De hecho este papel le valió una merecidísima nominación a los Globos de Oro como mejor actriz en comedia o musical, su primera nominación a un reconocimiento importante. Y tal vez hubiera merecido mucho más... Su interpretación de alumna modélica sabelotodo y repelente se debería enseñar una y otra vez en los talleres de comedia.

¿Pero de qué va exactamente Election? La película cuenta el proceso de elección a la presidencia del consejo escolar de un típico instituto americano. Sin embargo, dicho proceso se ve alterado sobremanera por la vida íntima y privada de sus protagonistas, por sus preocupaciones personales e inquietudes, que terminan convirtiendo esta obra en una tremenda y aguda sátira política, en la que por qué no decirlo, se replantea de fondo el sistema político actual, con la visible honradez de unos pocos y las mentiras de otros muchos en busca de sus intereses individuales. Una clara muestra hecha cine de lo que puede resultar y resulta ser un modelo de democracia adulterada. Nuestro pan de cada día, si se me permite la expresión.

Pero lo que realmente me sorprende es el enorme ritmo con el que dota Alexander Payne a la película, un director que por lo general suele imprimir un ritmo más pausado a su ya clásica dirección, precisamente todo lo contrario que aquí, al no dejar que decaiga ni un sólo minuto de metraje. Sin duda alguna se podría decir que Election fue su verdadera tarjeta de presentación para darse a conocer al público.

Claro está que no sólo se puede hablar de la impecable dirección, porque a mi juicio lo mejor es lo bien construído que está su guión, donde nada falta y nada sobra, y todo, absolutamente todo tiene su razón de ser, donde el final de una secuencia lleva irreprochablemente al prometedor inicio de otra sin dejar nada de lado. Un guión donde los problemas de los personajes, el intenso hostigamiento mutuo entre ellos y sus calculados objetivos les llevan a actuar la mayoría de las veces sin ninguna sensatez pero sí con toda la intención del mundo. Y de eso es de lo que se trata, así es como funciona esto. Probablemente no sea un guión perfecto, ¿pero qué es la perfección y cómo se valora eso? Si nos ceñimos a la realidad podemos afirmar que lo que es es un guión espléndido y no hay más que hablar. Estuvo nominado en los Oscars del 99, no se lo dieron, ¿y qué? ¿quién necesita un Oscar cuando sobra el talento y se tiene la certeza de haber hecho algo tan bueno? Y honestamente, Election es algo muy bueno.

Just One More Dance

2011-07-26T15:55:00.002+02:00

Ahora sí que sí, finiquito definitivamente hasta nuevo aviso la sección de bailes de cine, y os traigo el que probablemente sea el más firme candidato a ocupar el primer puesto de honor. Quizá algunos recordéis una película bastante antigua de 1935, protagonizada por los inigualables y maravillosos Fred Astaire y Ginger Rogers. Esa admirable película se llamaba 'Top Hat' (Sombrero de copa), una de las primeras grandes screwball comedies, posiblemente uno de los géneros que más me gustan. 'La octava mujer de barba azul' De Lubitsch con guión de Billy Wilder, y 'Las tres noches de Eva' de Preston Sturges, también son algunos ejemplos que recomiendo encarecidamente. Un género en alza en los 30 y en los 40 que más adelante recogería a la pefección Peter Bogdanovich en los 70. En fin, que simplemente quería presentar un baile y casi hago una introducción a las mejores screwball comedies de la historia (quizá otro día). Pues eso, el baile y el tema Cheek to Cheek con Ginger y Fred. Extraordinario.

Vacaciones

2011-07-19T13:55:00.003+02:00

No he desaparecido, que no cunda el pánico, simplemente estoy de vacaciones.

Baumbach y los Coen

2011-07-05T13:59:00.001+02:00

Hace apenas unas semanas, tres de mis mayores ídolos del cine actual (y de los 80 y de los 90) se reunieron en un coloquio para hablar un rato de cine. En concreto sobre los comienzos y las secuencias de apertura de algunas de sus películas, incluyendo No es país para viejos, Sangre Fácil, El gran Lebowski, Burn After Reading, A Serious Man, Greenberg, Margot y la boda y Una historia de Brooklyn. ¿Adivináis quiénes son? Exacto, Noah Baumbach y los hermanos Coen, que han estrechado amistades durante los últimos años. Si estos tíos se reunieran para hacer una película juntos, aparte de hacerme alcanzar el nirvana, probablemente conseguirían un resultado antológico.

De momento, Ethan Coen ya le echa el cable a Baumbach diciendo que su próxima película, por estilo, podría dirigirla él perfectamente. Evidentemente esto se antoja imposible, ya que Baumbach anda metido de lleno en la producción de 'While We're Young', filme en el que volverá a contar con la inestimable ayuda de su reciente amiguete Ben Stiller. Sin embargo, es una opción que no me atrevería a descartar en un futuro. Noah, experto guionista, ya ha demostrado que no tiene ningún problema a la hora de escribir para otros. Ahí están Wes Anderson, Eric Darnell o Brett Ratner para dar fé de ello. Además, tanto los Coen como él creo que tienen una forma parecida de ver el cine, y de retratar el humor con tanto dramatismo, más común y duro tal vez en el cine de Baumbach, pero más constante en el de los Coen por trayectoria.

A continuación os dejo con el vídeo de la charla. Por si a alguien le interesa empaparse al menos un ratito de estos grandes personajes, y por si a vosotros también os resultó prácticamente idéntico el comienzo de 'Blood Simple' y 'No Country For Old Men'.

Aventuras hispanas

2011-06-30T14:19:00.009+02:00

El pasado martes finalizó la segunda temporada de Hispania, y sinceramente, a mí me ha gustado bastante más que la primera, ya lo sabéis. Tampoco me puedo morder la lengua para ensalzar el gran trabajo realizado por todo el equipo, y por el director del grueso de esta segunda etapa, Félix Viscarret, que para mí lo bordó en ese último y emocionante capítulo. La verdad es que Hispania me ha permitido entre otras muchas cosas estar a las órdenes de dos de mis directores favoritos de cine español desde la primera temporada, hablo del propio Félix y también de Jorge Sánchez-Cabezudo. ¿Por qué me gustan tanto? Bueno, si veis Bajo las estrellas o La noche de los girasoles por ejemplo, quizá obtengáis respuestas.

Arco en mano entre Fabio y Darío.

Sin embargo hoy vengo a hablaros de una escena en la que lo pasé realmente mal, posiblemente lo más difícil que he hecho hasta la fecha en la serie. Tras el piño casi roto, los diversos moratones en el cuerpo, ampollas en las manos, heridas y rozaduras en brazos y piernas, ahora llega la subida de tensión. Mi última escena de la temporada, grabada hace apenas unas semanas:

Ambiente casi vacacional ya por el set. Enríquez, Bassave, Iván Sánchez, Ángela Cremonte, Nathalie Poza e Irene Arcos se encuentran aún por allí junto al equipo, y de figuración... yo solo con la coordinadora, descansando tranquilamente en mi silla y preparándome (una vez más) para subir a un árbol bien alto, pero alto de verdad. Ya me había subido antes a alguno, pero nunca a ninguno de este tamaño.
Tras un largo descanso, al fin llega mi momento, alguien dice mi nombre, me levanto, suspiro y me dispongo a seguir las órdenes. Al llegar al pie del árbol me doy cuenta de que la cosa está bastante peliaguda. Me ponen una escalera (tambaleante) para poder subir. No soy una persona con vértigo, pero al mirar abajo me sentí casi como James Stewart en aquella gran película de Hitchcock.

Avistando el campamento romano. Es una pena que no se aprecie en su totalidad la altura a la que me encontraba. ¿No había nadie de making of por allí?

Me preguntan si puedo subir un poco más arriba. Con mi habilidad trepadora y la ayuda de la escalera y el equipo consigo hacerlo a regañadientes. Si llevarais las botas que llevamos, con la suela completamente lisa y sin agarre, y el vestuario que tengo, con esas dichosas capas mortales, os daríais cuenta de que la hazaña no es nada fácil y aterroriza, pero lo consigo, consigo llegar hasta esa rama en la que finalmente me "asiento" como puedo. Allí empiezo a recibir órdenes del director y su ayudante al mismo tiempo que vestuario y maquillaje me dan indicaciones desde abajo, puesto que no pueden subir hasta mí para arreglarme con retoques de última hora y hacer su trabajo como es debido. Se hace difícil escuchar a tanta gente a la vez mientras estás en un lugar tan inestable, pero por si acaso, hay dos chicos justo debajo que en caso de caída estaban dispuestos a recogerme. Aquello fue clave para mi confianza.

En un momento dado casi puedo sentir cómo cruje la rama por dentro. Miro hacia abajo y vuelvo a suspirar. Está realmente alto y la caída puede ser fatídica. Entonces no sé por qué empiezo a recordar a Keith Richards, y también que unas semanas antes, en el poblado hispano, un árbol similar bajo el que minutos antes había estado sentado cedió como si nada, de raíz. Por suerte no pasó nada aquel día, una simple anécdota más entre la muerte y un servidor. Después vuelvo a centrarme en lo mío. Trago saliva. Está alto, pero qué coño, yo soy yo, y no me pienso acobardar, así que intento bromear con mis compañeros, les digo que esto no está bien pagado, eso consigue romper un poco la tensión. Segundos después todo parece estar listo.

Dando el aviso para el intercambio. Muchas risas a pesar de todo.

Primera toma, me concentro, oigo acción y actúo. Hago tres veces seguidas mi acción en una toma sin cortar, pero a la segunda empiezo a ver a medio equipo descojonarse tras las cámaras (no es para menos si veis la secuencia), así que a la tercera se me escapa una pequeña sonrisa casi inapreciable, la típica que te sale cuando intentas contenerte, pero Viscarret se da cuenta desde los monitores y yo además le digo que quiero repetir. Así que hacemos otra toma. La claqueta lista, respiro hondo, no pienso pasar ni un segundo más subido en ese árbol, tiene que salir perfecto. De nuevo hago tres veces seguidas la acción en la misma toma para tener más versiones de la misma. Cortamos, creo que ha salido... pongamos un aceptable, y el director debe opinar lo mismo, porque ordena seguir adelante y no es plan de perder más tiempo con esto. Rápidamente me vuelven a poner la escalera, y con extrema precaución empiezo a descender. Al llegar abajo, a tierra firme, suspiro de nuevo, me doy cuenta de lo mal que lo he pasado ahí arriba, de hecho, mi cuerpo y mis manos están temblando aún. "Hombre pájaro" me parece oír a alguien. Después el equipo me da las gracias y me felicita, para eso estamos, para ayudar en lo que se pueda.

Pero ahora decidme, ¿cuántos de vosotros queréis ser figurantes de una serie de acción?
http://www.antena3.com/series/hispania/

How I met your father

2011-06-17T19:37:00.006+02:00

'How I met your father' (Cómo conocí a vuestro padre). Cortometraje realizado en el 2008 por Álex Montoya e interpretado por Iñaki Ardanaz e Irene Anula. Entre sus premios, una meritoria mención de honor en el Festival de Sundance 2010. Disfrutadlo.

Diario de un figurante

2011-06-03T22:46:00.032+02:00

Viernes noche y me temo que una de las pocas libres para publicar aquí que voy a tener hasta finales de mes. Estamos ya en las últimas semanas de rodaje de la segunda temporada de la serie, y de por medio, alguna que otra fiesta a la que no faltaré. Lo dicho, por una cosa o por otra, poco tiempo. Como muchos sabéis, las jornadas laborales de un rodaje de cine o televisión son largas, muy largas, y la verdad es que lo único que te apetece al llegar a casa es ducharte, cenar algo ligero e irte a la cama.

¿Qué más os puedo decir? Que me gusta mucho el rumbo que está tomando la serie esta temporada, aunque los datos de audiencia sean algo más bajos, pero en fin, las fechas de emisión son otras, y además, seguimos siendo líderes, los más vistos, y eso es lo importante. Me gusta también que la complejidad de las tramas, tan coral, llegue incluso a las manos de la figuración entre la que me incluyo. Sin olvidar que principalmente estamos para dar vida al conjunto. Y me gusta por supuesto toda la gente que trabaja incansablemente a nuestro lado. Desde antes de las 7 de la mañana hasta más de las 8 de la tarde. Currantes en toda regla, y artistas.

Escoltando a Darío (Alfonso Bassave) en el poblado

Y por supuesto, sigo aprendiendo. Ahora incluso sé defenderme con una espada gracias a los entrenamientos (nunca se sabe cuando puede venir bien), y aunque sé que soy negado para la interpretación, también aprendo detalles de todos estos grandes actores que completan el reparto de 'Hispania'. El caso es que aún me cuesta llevar todo el día la cara de mala hostia que a menudo me exigen, sobre todo cuando la mayor parte del día no dejas de reír con las indecencias que puedes llegar a escuchar por allí. A los actores no les cuesta mucho cambiar de expresión repentinamente. Pueden estar llorando de verdad durante la secuencia, pero en el momento de decir "corten" parece que traspasan de nuevo la puerta de la realidad y vuelven al mundo, tan felices, a los comentarios normales y a las risas. Otros prefieren preservar ese momento y exprimirlo, pero se ve a la legua que han nacido para interpretar. La expresión que tú quieras en un abrir y cerrar de ojos. de verdad que ver en vivo a gente tan buena es francamente sorprendente.

Yo soy y seré incapaz de conseguir algo así, por mucho que ayude la estupenda caracterización que me acompaña. Mi oficio es otro y nunca me ha gustado ser el centro de atención, pero hago lo que puedo, y al menos, aparte de la espada y otras cosas, también he aprendido a controlar mejor mis sentimientos, aunque entre toma y toma me tenga que dar la vuelta, agachar la cabeza, no escuchar, resoplar, masajearme la mandíbula con la yema de los dedos, taparme la cara y acordarme de algunas injusticias para ponerme serio antes de la acción si hay un plano cercano. Todo para que luego llegue tu compañero y pellizque al protagonista en el brazo en lugar de empujarlo. ¿Qué haces entonces cuando cortan? ¿te ríes o te pones serio?

Dándolo todo, como siempre, y pensando en mi pobre tortuga muerta

El discurso de Charlie

2011-05-19T12:27:00.002+02:00

Palabras también para estos tiempos.

Terrence Malick, poética en la pantalla

2011-05-17T11:35:00.006+02:00

por Carlos Boyero (El País)

La película El árbol de la vida hacía su bautizo público en el Festival de Cannes a las ocho y media de la mañana. Las puertas se abren media hora antes en una sala con capacidad para infinitos espectadores. Como la cinefilia es maniática hay algunos que intentan colocarse los primeros en la cola ante el terror de que otros puedan sentarse en su butaca favorita. Llevan practicando ese ritual desde hace décadas. Esas butacas no tienen por qué estar centradas en una fila agradable para la vista y el oído. Pueden situarse en los extremos, en lugares inhóspitos para cualquier espectador sensato. Pero como todas las manías, su cumplimiento es sagrado. A las 8,12 los porteros y la infranqueable seguridad privada del festival han cerrado las puertas alegando que el cine estaba lleno y remitiendo a un millar de personas a las que no dejan entrar a una proyección suplementaria en otra sala que comenzaría 30 minutos más tarde.

Y te preguntas qué regalan en ese cine para que se haya creado tal expectación, qué tipo de director es capaz de aglutinar tanta fascinación. Se llama Terrence Malick. Era profesor de Literatura antes de decidir que su visión del universo encontraría adecuada expresión a través de una cámara. También que el cine podía estar al servicio de la poesía. Solo ha rodado cinco películas en 40 años. Se toma el laborioso montaje de sus criaturas con tanto perfeccionismo que nunca se sabe la fecha en la que podrán ser estrenadas. Se suponía que El árbol de la vida iba a estar disponible para su exhibición en Cannes en la anterior edición, pero ha tardado un año más en pulirla. Cosas de Malick. A cambio este director tan insólito ha conseguido con Malas tierras, Días del cielo, La delgada línea roja y El nuevo mundo que un montón de paladares selectivos se enamoraran perdurablemente de su inimitable estilo, de imágenes, ambientes, voces y personajes que quedan incrustrados en la memoria del receptor. Igualmente ha logrado que las estrellas de Hollywood y los mejores técnicos consideren un privilegio trabajar con él. Malick tiene muy claro que lo que hace aspira a ser arte. Resulta imposible negar su certidumbre en ello, independientemente del grado de conexión de cada uno con ese arte.

En El árbol de la vida ya ha renunciado a su muy liviano interés por la narrativa en posesión de un orden, por una sucesión de cosas con principio, desarrollo y final. Si existe algo enemistado con el análisis, un género que capta exclusivamente sensaciones y que ofrece múltiples interpretaciones al gusto de cada lector, es la poesía. Y Terrence Malick la crea en cada plano y en cada sonido, en la atmósfera, en lo que muestra y en lo que sugiere, en el detallismo y en la evocación, en lo palpable y en lo etéreo.

Admitiendo su innegociable vocación de juglar, hay tanta densidad en El árbol de la vida que a veces me pierdo y en otras ocasiones me conmueve. La media hora inicial la veo en estado de hipnosis aunque me resulte difícil saber de qué está hablando. Creo que del nacimiento del mundo. Esa catarata de imágenes retratando la naturaleza, olas, cascadas, volcanes en erupción, meteoritos que se dirigen a planetas y dinosaurios que acampan plácidamente en los ríos, tienen el aroma de los grandes documentales sobre las maravillas de la tierra, pero estoy deseando que aparezcan seres humanos, que me entere de cuál es la relación de lo que veo con la futura historia. Y cuando llega esa historia está retratada de forma deslumbrante.

La protagonizan un matrimonio y sus tres críos. El padre es tan honrado como autoritario, la madre es pura vida y generosidad. Pero lo más hermoso es cómo está captado el mundo de la infancia, todas esas cosas que marcarán la personalidad adulta. Malick se inventa un lenguaje de artista superior para hablar de la iniciación, del descubrimiento permanente. Su prodigiosa cámara recrea juegos, estados de ánimo, miedos, visiones, enigmas, amores, paisajes, libertad, asombro, dudas, olores, revelaciones que te acompañarán toda tu vida y la lacerante nostalgia de haber vivido alguna vez en un paraíso que se ha perdido. Las relaciones de estos niños entre ellos, con su padres, con las personas y las cosas, con la naturaleza, con los milagros cotidianos, poseen la cadencia, la complejidad, el poder de evocación y la magia de los mejores poemas.

Entre estos críos también aparece la odiosa muerte. Toda la parte final se recrea en el metafísico anhelo de uno de los hermanos, que ya ronda la cincuentena, por recobrar en medio de paisajes que remiten a los sueños al hermano muerto, a ese padre con el que hubo tanto amor como desencuentros y violencia, a esa familia sepultada. Y al igual que en el arranque vuelvo a perderme entre tanta transmutación de las almas, en medio de una espiritualidad que me acaba abrumando. Las cosas que me gustan en esta película son muchas e inolvidables, pero las que no comprendo, a pesar de su intensidad, me distancian y me cansan. Entiendes las razones de que el aquí admirable Brad Pitt, o Sean Penn en un papel breve, o el exquisito director de fotografía Emmanuel Lubezki, o el músico Alexandre Desplat sepan que es un honor ayudar a la transmisión del mundo de Terrence Malick. Es un autor que no se parece a ningún otro. En sus virtudes y en sus defectos.

Day Off

2011-05-11T17:43:00.000+02:00

Qué poco tiempo tengo para actualizar el blog últimamente, aunque hago todo lo que puedo. Se me van los días y las horas en un santiamén, y dentro de poco pasaremos a junio, y yo sin darme cuenta. En fin, simplemente aprovecho el día libre para deciros que ayer se estrenó la nueva temporada de 'Hispania' en Antena 3, y que aunque con datos algo más bajos, la serie sigue liderando la parrilla televisiva en el prime time, y eso es algo que está muy bien. Es algo fantástico. Además, estoy seguro de que conseguiremos alcanzar la barrera de los 4 millones de espectadores este año y el 20% de cuota de pantalla con el paso de los capítulos.

Sinceramente creo que el trabajo ha mejorado, ya lo dije anteriormente, los guiones van a mejor con tramas más divididas e interesantes (mis felicitaciones a los que los escriben), el cuidado y la factura técnico-artística también, y por supuesto, la caracterización de los actores en todos los aspectos: vestuario, maquillaje, peluquería, atrezzo... desde los protagonistas hasta el último de los figurantes. Jamás tendré suficientes elogios para la gente que curra aquí, y al final lo más bonito de todo es precisamente eso, conocer a nuevos compañeros, a tanto artista, y llevarte nuevas amistades y el cariño de muchos/as. Para mí es sin duda lo mejor de la serie, el trato interno, las bromas, las risas, el sufrimiento, el vivir el día a día vaya. Supongo que ésa es la principal razón por la que voy a grabar, para mí no existe otra, me gusta estar allí, y supongo que hay días que hasta lo haría sin cobrar, pero eso no lo voy a decir muy alto por si acaso...

No me quiero extender mucho más. Ahora mismo hasta me cuesta teclear, tengo las manos destrozadas y llenas de ampollas por los entrenamientos con espadas, de los roces con los escudos, y de golpes en general. Estos días están siendo especialmente duros, ayer mismo creí que me había roto un diente durante una pelea, poco faltó. Y Hovik acabó en la enfermería con una buena hostia en su rodilla. Espero sobrevivir hasta el próximo post y que no me dé una lipotimia por el camino. Mientras, por aquí os dejo una captura del próximo capítulo que he escogido al azar. El caso es que me suena bastante el moreno que sale en segundo plano acompañando a Bassave. Parece buen actor.

http://www.antena3.com/series/hispania/

'Moonrise Kingdom' se pone en marcha

2011-05-04T11:44:00.007+02:00

Hace pocos días decía que tenía ganas de ver algo nuevo por parte de Wes Anderson, pues bien, parece ser que ayer mismo comenzó a rodar el que será su séptimo largometraje, que tiene por título 'Moonrise Kingdom'. La historia se desarrolla durante los años 60, y trata sobre un niño y una niña que enamorados, deciden escaparse juntos de la ciudad donde viven. La trama me recuerda ligeramente a una película irlandesa muy independiente del año pasado llamada 'Kisses', pero estoy seguro de que esto será otra cosa muy diferente.

En el reparto tenemos a Bruce Willis, Edward Norton, Frances McDormand (fantástica noticia), Tilda Swinton, y cómo no, a Jason Schwartzman y a Bill Murray, que no podían faltar a la tradición de aparecer en una peli de Anderson, al igual que Owen Wilson, aunque de este último parece que aún no se ha confirmado su presencia. De todas formas no me imagino algo de su gran amigo Wes Anderson sin él involucrado de alguna manera. Los chicos serán interpretados por los hasta ahora desconocidos Jared Gilman y Kara Hayward.

Qué ganas de ver ya el resultado final, y eso que esto no ha hecho más que comenzar. Para amenizarlo un poco, aquí os dejo con este nuevo montaje sobre las películas de Wes Anderson, para mí, un genio en toda regla. El zoom y la cámara lenta le pertenecen.

Una postal para Kasdan

2011-04-28T19:32:00.005+02:00

Estaba echándole un vistazo al recomendable libro 'Indiana Jones: historia de una saga', un documento único que todos los fanáticos del peculiar arqueólogo deberían tener al menos una vez en sus manos, y me encontré con esta simpática fotografía tomada en pleno rodaje que Steven Spielberg le mandó a modo de postal al guionista Lawrence Kasdan, responsable de los libretos de 'El imperio contraataca', 'En busca del arca perdida', 'El retorno del jedi', y 'Fuego en el cuerpo' entre otros. Simplemente me gustó y me pareció que debía ponerla en el blog a modo de reconocimiento hacia su trabajo y por qué no, al de todos los guionistas, profesionales o amateur, que son el pilar central de todo proyecto audiovisual.
De izquierda a derecha, en ella aparecen Karen Allen, Spielberg, Harrison Ford y John Rhys-Davies.

Bailes de cine (IV)

2011-04-20T17:20:00.011+02:00

El cuatro me parece un buen número para cerrar la primera temporada de bailes de cine. No es mi número favorito, ni tampoco es un gran número para jugar a las cartas, pero no sé, lo cierto es que me gusta su forma: 4. Después de esta lamentable excusa, procedo a citar tres últimos bailes más que dignos de aparecer por aquí. Ahí van.

The Breakfast Club (El club de los cinco)
Escrita y dirigida por el maestro John Hughes, El club de los cinco es una de mis películas de cabecera y una de las obras culmen del género teen. Por desgracia, ya casi no se hacen cosas así. Suena We're not alone de Karla DeVito.

Napoleon Dynamite
Dirigida por Jared Hess, el baile que vais a ver a continuación con Jon Heder es un desfase en toda regla. Como curiosidad, os diré que fue también imitado y homenajeado por una página web de contenido semierótico en Vimeo. Suena Canned Heat de Jamiroquai. Vote for Pedro!

Casi Famosos
Escrita y dirigida por Cameron Crowe y basada en su propia vida y experiencia como reportero de la revista Rolling Stone cuando acompañó al grupo Led Zeppelin en una de sus giras. Siempre me ha encantado esta película y su tremenda banda sonora. No sé si lo que voy a poner se puede considerar una secuencia de baile, pero el tema (The Wind del genio Cat Stevens) y la chica (Kate Hudson) en este momento del filme son un momento mágico.

Bailes de cine (I)
Bailes de cine (II)
Bailes de cine (III)

Rodando voy

2011-04-10T12:43:00.013+02:00

Me encuentro absolutamente desconectado del mundo. No sé lo que ha ocurrido a mi alrededor durante las últimas semanas. Las únicas palabras que se oyen dentro de mi cabeza son éstas: "Motor, dadme cuadro, fondo y... acción!" Camino tranquilamente por la calle y de repente lo oigo: ¡acción! Me sobresalto, miro a todas partes, pero entonces me doy cuenta de que tan sólo es una alucinación que se repite en mi cabeza, y que mi jornada laboral ya terminó.

Yo durante uno de los descansos en el rodaje de la 2ª temporada

Los últimos cinco días han sido agotadores con jornadas de casi 13 horas, desde el amanecer hasta el anochecer. Llegaba a casa y tras cenar sólo tenía tiempo de acostarme para poder estar a tope al día siguiente. Todo para que vosotros, el respetado público, pueda disfrutar a tiempo de la nueva temporada de 'Hispania' en Antena 3. Mi impresión es que la dedicación es mucho mayor que el año pasado en todos y cada uno de los aspectos técnicos y artísticos, y espero que eso se vea y se valore en el futuro. Lo estamos dando todo, todas nuestras energías están ahí puestas. Ahora tengo por delante alguna semana de descanso bien merecida, pero esto no está ni mucho menos acabado. Seguiremos informando.

Los primeros capítulos que veréis están dirigidos por un genial director español y gran persona: Félix Viscarret. Ésta es una de las promos para su inmimente estreno.

Más cine por favor

2011-04-01T13:26:00.010+02:00

Otro día tal vez os cuente cómo fue compartir camerino esta semana con Ana de Armas, pero hoy que voy un poco justo de tiempo (again), os voy a dejar algunos tráilers de cine que ya os tenía preparados sobre próximos estrenos a los que no debéis quitar ojo. Ahí van.

El árbol de la vida

Escrita y dirigida por un Dios, o algo parecido a un Dios, o una de las personas que más cerca de Él puede estar: Terrence Malick. Terry, director de Malas Tierras, Días del Cielo y La Delgada Línea Roja, aunque se prodiga muy poco, es posiblemente la principal razón por la que estoy metido en esto. Es poesía, es belleza, es naturalismo puro, y aunque a mucha gente le aburre hasta la extenuación, a mí me ganó con su forma de contar historias hace muchos años.

Win Win
Una de las últimas joyas en salir de Sundance, aunque ésa no es la razón por la que hay que verla, más bien se trata también de su director Thomas McCarthy, que ya nos dejó claro con sus anteriores y extraordinarias películas (The Station Agent y The Visitor) que su nombre va asociado a un cine comprometido, de autor y de calidad. Ah, y encima la protagoniza Paul Giamatti. No sé, pero yo auguro grandes reconocimientos para este trabajo.

Ceremony
Aún no sé lo que puede ser capaz de deparar esta película, pero si lo que dicen de ella es cierto, creo que me va a gustar. Al parecer se trata de uno de los primeros relevos en el cine de mi idolatrado Wes Anderson. El uso de la cámara, las interpretaciones, el guión, y la introducción de la música recuerdan bastante a este cineasta, y el artífice de eso es un joven angelino llamado Max Winkler, todavía pendiente de aprobar su primer gran examen. Desde luego la cosa no pinta nada mal.

The Hangover 2
Si no habéis visto la primera hacedlo ya. Yo era uno de los escépticos al principio, de los que pensaba que iba a ser la típica comedia loca chapucera, pero no, me llevé una grata sorpresa y espero volver a llevármela de nuevo. Aquí os traigo el nuevo tráiler, bien calentito, recién salido del horno.

Además, yo tampoco dejaría de apuntarme otras como 'Cinema Verite' (con la guapísima Diane Lane, Tim Robbins y James Gandolfini), 'Take this Waltz' (con Michelle Williams y dirigida por Sarah Polley. El guión es excelente, os lo aseguro), 'My week with Marilyn' (biopic de la actriz también interpretado por la gran Michelle Williams), 'We Bought a Zoo' (con Matt Damon y Scarlett Johansson. Cameron Crowe vuelve fuerte), y 'The Descendants' (la vuelta de otro de mis favoritos: Alexander Payne, con George Clooney). Bueno, creo que ya os he dejado la agenda bastante ocupada por hoy...

Sin Compromiso

2011-03-25T12:55:00.003+01:00

Hoy se estrena en España 'Sin Compromiso'. La película que os anunciaba hace unas semanas aquí. La verdad es que lo que pretendo con ella es pasar un buen rato en el cine y sentir que no me han estafado en la taquilla, sin más. Y mis tres motivos principales para verla son tres nombres propios: el primero es Ivan Reitman, creador de 'Cazafantasmas', una de mis películas favoritas de la infancia. El segundo nombre propio es Elizabeth Meriwether, la guionista, amiga de Diablo Cody (Juno) y de Lorene Scafaria (Nick and Norah's Infinite Playlist), una de las escritoras de cine y TV con más proyección de futuro por tierras americanas. Y el tercer nombre propio es la única e irrepetible Natalie Portman, porque sinceramente, me muero de ganas por verla hacer comedia.
A continuación os dejo esta simpática guía de supervivencia que han hecho para promocionar la película.

Taquilla y recaudación

2011-03-24T12:28:00.005+01:00

Perdonad esta desidia de casi dos semanas, pero últimamente estoy bastante ocupadillo con diferentes papeleos y grabando ya la 2ª temporada de 'Hispania' para Antena 3. Creo que os va a sorprender el nuevo look, pero no adelantemos acontecimientos. Lo que hoy os traigo no lo he escrito yo, lo escribió el productor Pancho Casal hace unos días en su recomendable blog, y es un documento que creo que os va a interesar.

¿A dónde va el dinero que pagas por tu entrada de cine?

Cuando alguien compra un yogurt en un supermercado, sabe perfectamente que una parte de lo que paga es para el propio supermercado, otra parte para el distribuidor, otra para el transportista y finalmente otra para Danone.

En cambio en lo que respecta a las recaudaciones de cine, está muy extendido el pensar que lo que se ingresa en la taquilla va para la productora. Cualquiera que lo piense un poco se da cuenta que esta suposición es absurda, pero he leído estos días varias informaciones de prensa de este tono: "Segura recupera el coste de Torrente 4 en el primer fin de semana".

Sabemos que Torrente 4 ha recaudado 8,5 M€ (quién los pillara y cómo se lo merece) en el primer fin de semana. Pero ¿a dónde va a ir ese dinero?.Lo que pagas por tu entrada se desglosa de esta manera. Lo voy a hacer en base 100 para hacerlo más fácil. Es decir, supongamos que la entrada vale 100:

1.- El Estado vía IVA se lleva el 7%. Con lo que restan 100:1,07 = 93,46. Esto es lo que se llama el Bruto de Taquilla (BT) después de deducir impuestos.

2.- Los derechos de comunicación pública de autores e intérpretes y ejecutantes (SGAE + AISGE) se llevan el 2% del BT, es decir 1,87. La verdad no se cuánto se lleva AISGE, por lo que si estos 1,87 se los adjudicamos a SGAE, y sabiendo que los reparte al 25% entre: Argumentista o autor de la obra preexistente (novelista); Guionista; Director y Músico. Cada uno se llevarían 0,47.

3.- El cine se queda entre un 45 y un 55% de media del BT. Vamos a suponer que en este caso sea el 50%. Entonces el cine se queda con 46,73.

4.- El resto configuraría el Neto de Taquilla (NT) para el distribuidor. Este resto suponen 44,86.

5.- De este NT el distribuidor se queda por su trabajo entre el 15% y el 30% dependiendo de si arriesga o no en los gastos de copias y publicidad (P & A, Prints & Advertising). Supongamos que en este caso se queda con el 20%. Esto supondría 8,97.

6.- Y ya llegamos a la productora que recibirá descontando todo lo comentado 35,89. ¡Ja!, qué ilusión. Ahora viene la receta de lo invertido en P&A, gastos de transporte de las copias, control de taquilla, etc. Todo lo paga el productor. ¿Cuánto le quedará finalmente?. Depende de lo que haya invertido en P&A.

Para los cálculos del caso de estudio de Torrente 4, podemos estimar que en P&A han invertido entre 1,3 y 1,8M€. Pongamos para los cálculos 1,5 M€.

Y ahora para los de letras que no se manejen bien en este mundo de los porcentajes, voy a trasladar estos cálculos a € constantes y sonantes:

Partimos de una Taquilla Total de Torrente 4 en su primer fin de semana de 8,5 M€.

1.- El estado por IVA se ha llevado: 556.000 €.

2.- Los derechos de Comunicación Pública se llevan: 159.000 €. Que se dividen en 39.700 por cabeza para argumentista, guionista, director y músico.

3.- Los propietarios de los cines, se llevan: 3.972.000 €.

4.- La distribuidora se lleva: 762.000 €.

5.- El productor se lleva: 3.051.000 - 1.500.000 de P&A = 1.551.000 €. Aun queda mucho camino por recorrer para recuperar los en torno a 8 M€ que se dice que ha costado la película. Estoy seguro que en este caso la productora no solo recuperará lo invertido, si no que ganará mucho dinero, pero se ve que no es oro todo lo que reluce.

Puede que tenga algún pequeño error en estos cálculos anteriores, pero puedo garantizar que las cifras reales no se alejarán mucho de estas. Si alguien detecta algún error lo puede señalar en los comentarios.

En otro post analizaré el plan financiero de una película media que tienen otros muchos inputs y algunos se sorprenderán de ver, si me creen, que no es verdad que la mayoría de películas se financian totalmente con subvenciones y que generan en el peor de los casos más ingresos para el estado que las subvenciones recibidas.

Ah! por cierto, muchas gracias y abrazos a los blogs de guionistas que recomiendan mi blog, me ha supuesto una gran satisfacción personal.

Actualizaciones: varios amables lectores de este blog, me han apuntado algunas precisiones que adjunto:

* El IVA actual ya no es del 7%, si no del 8%. El Estado se lleva un poco mas.

* En la liquidación de Autores, la SGAE deduce a los autores una comisión de gestión que me dicen es del 20%.

* Todas las cantidades adjudicadas a cada eslabón de la cadena, son brutas, es decir que los beneficios que generen a exhibidores, distribuidores, autores y productoras, tributarán ya sea por impuesto de sociedades o por IRPF, por lo que Hacienda vuelve a cobrar.

Por aquí voy dando pistas de por dónde irá el próximo post que demostrará que las ayudas al cine son recuperadas con creces por el fisco en la mayoría de los casos.

Entrada musical de marzo

2011-03-12T13:14:00.016+01:00

Como hace ya bastante tiempo (eso creo) que no publico una entrada sobre música, ésta irá dedicada a los grupos que más estoy escuchando estas últimas semanas.

Yellow Ostrich
Han resultado ser toda una revelación y les empecé a escuchar casi por accidente. Este grupo neoyorquino está formado por Alex Schaaf, Michael Tapper y Jon Natchez. No sé a quién de ellos se le ocurrió ponerse de nombre Avestruz Amarilla, pero sus canciones, aparte de ser todo lo minimalistas posibles, son muy pegadizas, tanto, que no tardé ni un segundo en conseguir su disco de forma legal. Aquí os dejo uno de sus temas, WHALE, el cual recomiendo escuchar desde el principio hasta el final sin interrupciones. Yo mismo confieso que la primera vez que lo escuché no quedé del todo satisfecho, incluso diría que no me gustó nada, pero por raro que parezca, éste es uno de esos temas que cuanto más lo oyes más te engancha.

Yellow Ostrich - WHALE

Arcade Fire
Grupo nacido en Canadá y formado por una retahíla de chicos y chicas que no voy a nombrar ahora. Aunque llevan tocando desde el año 2003, han recibido una notable repercusión hace pocas semanas por hacerse con el premio Grammy al mejor álbum del año con The Suburbs. Todo un hito tratándose de una banda tan alternativa. Y la verdad es que ese reconocimiento se entiende tras escuchar alguna de sus grandes canciones. Yo hoy os dejo ésta:

The Strokes
No hacen falta presentaciones de ningún tipo, si a estas alturas todavía no sabes quiénes son los Strokes y tienes menos de 40 tacos... algo está fallando en tu vida, independientemente de que te gusten o no. Porque los Strokes, tras 5 años de silencio, han decidido volver a reunirse para publicar un nuevo disco que se llama Angles. A la venta el próximo 22 de Marzo. Por fin Julian Casablancas, de ascendencia catalana, Albert Hammond Jr., de ascendencia gibraltareña (su padre es el gran Albert Hammond), Nick Valensi, Fraiture y Moretti han vuelto para prepararnos cosas tan interesantes como este primer single llamado Under Cover of Darkness. Ya se les empezaba a echar de menos.

Zahara
Decir que estoy escuchando mucho a Zahara sólo estas últimas semanas me parecería muy burdo, porque ella es una de mis necesarias medicinas en muchos momentos. Sus registros pueden ir desde el mejor de los melodramas hasta su vis más cómica y divertida. No tengo mucho más que decir, simplemente hay que disfrutar de su música y sus letras, hay que disfrutar de Zahara. Por cierto, no os perdáis sus colaboraciones con Santi Balmes de Love of Lesbian, la última, una perfecta versión de Lucha de Gigantes de Nacha Pop.

Soko
Me dejo a más de una decena de artistas en el tintero, pero por hoy voy a terminar con Soko, una joven francesita originaria de Burdeos que no tiene vergüenzas para escribir sus letras y después cantarlas en público, aunque curiosamente, mi favorita es probablemente la única en la que no dice nada estrafalario: People always look better in the sun, un temazo en toda regla. Soko es con toda seguridad uno de los mejores remedios si estás de mal humor, y si no lo estás, pues mucho mejor todavía, en cualquier caso, pulsa ya el play.

Bueno, venga, ya que estamos voy a añadir una bonustrack. Un último tema de un enorme grupo: Wilco. Por cierto, la canción que me dispongo a poner a continuación será versionada próximamente por nuestra dulce granadina Anni B. Sweet (valga la redundancia), que ya versionó con éxito el Take On Me de A-Ha.

Wilco - Jesus, Etc.

Esto es Bollywood

2011-03-05T16:44:00.003+01:00

Ayer por la noche, a las tantas ya de la madrugada y con algún que otro mojito en el cuerpo, unos amigos me enseñaron el vídeo que os voy a poner a continuación. Está bien, llevábamos alguna copa de más, pero las risas que nos echamos fueron brutales. Aquí os lo dejo, "la mejor escena de acción de la historia", no tiene desperdicio.

Resumen de la ceremonia

2011-02-28T12:28:00.019+01:00

Primero, la alfombra roja, muy sosa para mí. Voy a salvar a Scarlett, a Hillary Swank, a Gwyneth Paltrow, a Sandra Bullock, Jennifer Lawrence y... ¿a Penélope? De verdad que no he visto nada especial este año. Aunque siempre hay excepciones y figuras que arriesgan con suerte, y otras que hasta incluso salen victoriosas.

Segundo, James Franco (más preocupado por twittear todo en directo con su móvil en el backstage) y Anne Hathaway, muy pobre su presentación de la gala, aunque el guión tampoco era para tirar cohetes. De las peores ceremonias que recuerdo. Menos mal que hubo alguna figura que salvó los muebles un pelín, como Kirk Douglas entregando el Oscar a Mejor Actriz Secundaria para Melissa Leo, qué grande es este hombre, o la breve irrupción de Billy Crystal, y las entregas de los premios a Mejores Actores con las menciones hacia los nominados por parte de Jeff Bridges y Sandra Bullock. Pero es que hasta el gran Randy Newman tocó mal el piano.

Tercero, aunque estaba cantado, me parece muy mal que 'El discurso del rey' sea la gran triunfadora. Es una buena película, pero también es olvidable. Spielberg, que entregó el último premio, recordó antes algunas grandes películas que perdieron este Oscar, quizás había algún tipo de mensaje subliminal en ello.

Cuarto, me parece todavía peor que le hayan vuelto a birlar el Oscar al Mejor Director a David Fincher para dárselo a Tom Hooper (El discurso del rey). Eran las 5 de la mañana aquí en España y me entraron ganas de mandarlos a todos a freír espárragos, pero puedo decir que aguanté hasta el final (casi las 6 de la mañana). Por cierto, recomiendo ver 'The Damned United' (Maldito United), la anterior película de Hooper, bastante mejor que ésta.

Quinto, con el resto de los premios estoy bastante de acuerdo: los actores (Colin Firth, Natalie Portman, Christian Bale y Melissa Leo), película de animación (Toy Story 3), película extranjera (In a Better World, Dinamarca), guión adaptado (Aaron Sorkin), y premios técnicos para Origen, pero no termino de ver el de mejor guión original para David Seidler (El discurso del rey), aunque entraba en mis pronósticos. Hubiera preferido que se lo dieran al pobre Christopher Nolan por Origen, o a Lisa Cholodenko por The Kids Are All Right, con guiones más originales y trabajados.

Sexto, chapucero montaje In Memoriam para recordar a los artistas fallecidos este año. Se olvidaron de Rohmer, de Berlanga y de Maria Schneider. Y encima cantaba Celine Dion.

Y séptimo, Greg P. Russell ha vuelto a perder en Mejor Mezcla de Sonido!!! 14 nominaciones ya y nada. Creo que le vieron salir del Kodak Theatre llorando y con una soga en sus manos. Por el momento me cuentan que sigue en paradero desconocido.

Mi porra para los Oscar

2011-02-27T11:56:00.006+01:00

A pesar de haberlo dejado claro ya en anteriores entradas, aquí está mi quiniela definitiva y resumida para la entrega de premios de esta madrugada. Bueno, con algún apunte y disenso. Dispuesto al fracaso y al error.

Mejor Película True Grit (pero ganará El discurso del rey)
Mejor Director David Fincher (La red social)
Mejor Actor Protagonista Colin Firth (El discurso del rey; a la Academia le encantan las interpretaciones sobre gente con discapacidad o trastornos)
Mejor Actriz Protagonista Anette Bening (Los chicos están bien); pero ganará la también fabulosa Natalie Portman.
Mejor Actor Secundario Christian Bale (The Fighter). Aunque John Hawkes está soberbio en Winter's Bone.
Mejor Actriz Secundaria Melissa Leo (The Fighter)
Mejor Guión Original Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg por Los chicos están bien (pero se lo llevará Nolan por Origen, bueno, o tal vez David Seidler por El discurso del rey).
Mejor Guión Adaptado Aaron Sorkin por La red social
Mejor Película de Animación Toy Story 3
Mejor Película de Habla Extranjera In a Better World (Dinamarca)

PD. Si Greg P. Russell (14 veces nominado a Mejor Mezcla de Sonido y sin premio) no gana esta noche yo pienso seguir la iniciativa propuesta por Pepe Colubi (copresentador en Canal + de la gala). Dicho premio se entrega a las 3:38h de la madrugada, y en caso de que no se lo den, habrá que levantarse del sofá, abrir la ventana y gritar: "¡Estoy más que harto, y no pienso seguir soportándolo!" (después es opcional saltar o no).

Lista de ganadores de los Independent Spirit Awards (los Oscars del cine indie entregados ayer).

La "trilogía" de Gutiérrez

2011-02-20T12:18:00.011+01:00

Hoy vengo a hablaros sobre tres películas escritas y dirigidas por el venezolano Sebastián Gutiérrez, muy conocido por ser el novio de Carla Gugino además de por el guión de aquella escandalosa película llamada 'Serpientes en el avión'. Estas tres películas de las que hablaré se pueden considerar prácticamente como una trilogía, aunque en realidad cada una es un spin-off de la anterior. Empecemos por el principio.

Women in Trouble
Filmada y editada con gran estilo, también cargada de cierto erotismo, Women in Trouble nos cuenta un día de varias mujeres en un punto crítico de sus vidas, aunque eso sí, sin llegar a ser historias aisladas, es decir, que todas ellas se van conectando entre sí ágilmente. Todas son historias cargadas de un dramatismo abismal, pero tratadas con un humor negro bastante personal y efectivo. Puede que tenga determinados altibajos en su metraje, pero al menos cumple la máxima del cine: crear personajes interesantes y hacer que les ocurran cosas, pues bien, todo eso pasa, aunque puede que ésta no sea la mejor película para poner de ejemplo. Incluso así, a mí me sigue gustando bastante, y eso es lo que cuenta y lo que me tiene a la espera de los próximos estrenos de este director. En ella aparecen Carla Gugino, Emmanuelle Chriqui, Simon Baker, Josh Brolin, Sarah Clarke, Adrianne Palicki, Marley Shelton, Isabella Gutiérrez y Joseph Gordon-Levitt en un pequeño cameo tras los créditos.

Elektra Luxx
Spin-off del personaje homónimo que aparecía en Women in Trouble. Elektra Luxx cuenta la historia de una actriz porno que se queda embarazada, con todos los dilemas que ello conlleva. Además, el padre de la criatura muere en un "accidente de avión" sin saber nada al respecto. Tras pasar por todo esto, Elektra decide dejar el cine para adultos y meterse a profesora en un colegio. Curiosamente, Sebastián Gutiérrez se basó en la historia real de la actriz Heather Hunter para crear al personaje. Con Carla Gugino de nuevo en el papel de Elektra, y con las apariciones otra vez de Emmanuelle Chriqui, Joseph Gordon-Levitt, Marley Shelton, Adrianne Palicki e Isabella Gutiérrez. También podemos ver a Julianne Moore y a Alicia Silverstone. Elektra Luxx se estrenó en el South by Southwest Festival y fue clasificada por muchos como una de las películas más notables de este director hasta la fecha. En el resto del mundo se estrenará el próximo 11 de Marzo, pero la cosa continúa...

Girl Walks Into a Bar
Confieso que con la elaboración de esta película me han empezado a entrar los nervios y la emoción. Girl Walks Into a Bar no sé si se puede considerar un spin-off de Elektra Luxx, concretamente, se inspira en una escena de la anterior película para formar una nueva historia que se desarrolla en diez bares de la ciudad de Los Ángeles. A continuación veréis el fantástico tráiler, lleno de estrellas como Rosario Dawson, Danny DeVito, Josh Harnett, Robert Forster, Alexis Bledel, Emmanuelle Chriqui (otra vez), Amber Valletta, y cómo no, Carla Gugino. La película se estrena al igual que 'Elektra Luxx' el próximo 11 de Marzo de forma gratuíta (sí, habéis leído bien) en el portal de Youtube. Como curiosidad os diré que su presupuesto vuelve a ser ridículo, que se rodó en 11 días, y que se hizo con una cámara de fotos Canon 7D, no, no os estoy tomando el pelo, de hecho yo todavía estoy alucinando.

Para seguir rematando la faena, se rumorea que Sebastián Gutiérrez prepara otra secuela más llamada 'Women in Ecstasy' para este mismo año. Qué gran ejemplo de lo que se puede llegar a hacer con unos pocos amigos, una cámara, y supongo, un buen guión.

Álex de la Iglesia, Premios Goya 2011

2011-02-14T13:03:00.001+01:00

'Valor de Ley' es mi apuesta

2011-02-12T01:28:00.006+01:00

Vale, pues lo prometido es deuda, ya tengo a mi favorita para hacerse con el Oscar a Mejor Película. Es la 1:20 de la noche y acabo de llegar del cine tras ver a la última candidata de las diez que optan este año, y como se suele hacer, he dejado lo mejor del plato para el final. Acabo de ver 'True Grit' (Valor de Ley) de los hermanos Coen y no hay dudas. Anteriormente he comentado que me gustaría que se lo llevaran 'The Kids Are All Right' o 'Winter's Bone' (que se acaba de estrenar también en España), pero como eso no va a suceder, mi pronóstico final es para los Coen y su nueva obra maestra: la magnánima y magistral 'True Grit'. Os prometo que he intentado ser lo más imparcial posible, pero es ver una película de estos dioses y entrar instantáneamente en éxtasis, no lo puedo remediar. De hecho estoy considerando seriamente venderles mi alma a estos dos a ver si me ceden algún poder o algo así.

Tal vez mi corazón y mi pronóstico fallen (no sería la primera vez). Este año hay más nominadas que nunca, y tal vez juegue en contra que sea un remake de aquella también fabulosa cinta de Hathaway que en el 69 le dio su único premio Oscar al gran John Wayne, pero es que resulta que ésta es mejor, y resulta que también estoy empezando a pensar que en un pequeño arrebato de la Academia (con toda justicia por cierto), el Oscar al mejor actor pueda ir por segundo año consecutivo a mi adorado Jeff Bridges. Colin Firth se sale en 'El discurso del rey', pero Bridges... Bridges es natural, es empático como el que más y con él se te saltan las lágrimas de pura emoción. Sería histórico que un actor como Wayne y otro como Bridges tuvieran ambos este premio por interpretar al mismo personaje, aunque una cosa está clara, el reconocimiento ya lo tienen.

Antes de cerrar el post, me gustaría copiar aquí unas palabras que dejó caer Carlos Boyero en El País esta misma mañana:

Es muy raro que el cine actual se ocupe del western, un género agotado y sin tirón para el público, según los criterios ejecutivos de ese Hollywood enamorado de los efectos especiales, las tres dimensiones y la banalidad ruidosa. Es una suerte que la personalidad y el talento de los Coen hayan decidido ocuparse de este género en aparente defunción, que logren tanto arte en algo que ya no está de moda pero que mantiene intactas sus posibilidades expresivas para hacer gran cine.

Amén, y larga vida al western y a los Coen. Buenas noches.

Deseando ver 'No Strings Attached' (aka Fuckbuddies)

2011-02-01T11:32:00.004+01:00

En España tendremos que esperar hasta la fecha prevista por el momento: 25 de Marzo. Un nuevo día para anotar en vuestras agendas. A simple vista puede parecer la típica comedia romántica, pero lo cierto es que yo espero que sea algo más, si no os aseguro que ni tan siquiera estaría haciendo mención de ella. El guión de esta película, escrito por la maravillosa Elizabeth Meriwether (a la que le dediqué una entrada aquí), estuvo en el puesto número seis de mejores guiones sin producir en la lista negra del 2008, aunque eso sí, tenía un título mucho más provocativo: 'Fuckbuddies', algo así como Follamigos, que más tarde pasó a llamarse 'Friends with Benefits' para finalmente acabar como 'No Strings Attached', porque curiosamente una película con un argumento bastante similar les había copiado el título. Si yo hubiera sido el guionista eso me hubiera puesto muy pero que muy furioso. Por suerte, Meriwether tiene un estilo y una voz propia difíciles de copiar. He aquí un breve ejemplo de su trabajo: http://www.funnyordie.com/videos/f57c441be1/twilight-cycles

Lo cierto es que No Strings Attached está siendo todo un éxito en la taquilla norteamericana, y desde su estreno hace poco más de una semana lidera con unos ingresos que ascienden ya a los 40 millones de dólares. Toda una sorpresa, o no. Supongo que mucho tienen que ver en eso también Ashton Kutcher y Natalie Portman, los dos protagonistas, y su director, Ivan Reitman, a quien recordaremos de la mítica Los Cazafantasmas, que contaba que tras ver a su hijo dirigir películas como Juno y Up in the Air le volvió a entrar el gusanillo de hacer cine.
Como podreís ir imaginando, la peli va sobre dos amigos que quieren mantener una relación puramente sexual, nada de amor y nada de romanticismo, pero la pregunta es ¿qué pasa si te enamoras?
Completan el reparto Kevin Kline y el nuevo descubrimiento de la interpretación femenina Greta Gerwig, a la que hemos visto en Greenberg de Noah Baumbach y veremos en Damsels in Distress, la vuelta del gran Whit Stillman.

Liz Meriwether se encuentra ahora inmersa en dos guiones de películas para Paramount y Universal, y en un proyecto de serie que ha conseguido vender a la Fox sobre una chica que después de romper con su chico decide irse a vivir con un grupo de tíos a los que ha conocido. El título original era 'Chicks and Dicks', pero por razones obvias la cadena ya le ha obligado a cambiarlo. Anteriormente, Meriwether también intentó vender otra serie llamada 'Sluts', pero no hubo suerte. Una cosa se puede sacar en claro, y es que desde luego a esta chica le van los títulos atrevidos. Me pregunto si algún día tendrá la libertad para exponerlos. Yo pienso que sí.

A continuación os dejo con el fantástico tráiler restringido a menores. El otro, el abierto a todos los públicos está en youtube, pero me gusta menos. El caso es que las relaciones sexuales hace tiempo que dejaron de ser tabú en la ficción televisiva y cinematográfica, cada día se trata de forma más abierta y natural, y yo brindo por ello.

Mis quinielas. Oscars 2011

2011-01-26T12:37:00.014+01:00

Pues parece ser que mis plegarias han sido escuchadas (ver entrada anterior) y tanto 'The Kids Are All Right' como 'Winter's Bone', mis dos películas favoritas del año, han recibido cuatro nominaciones a los Oscars cada una, incluyendo mejor película. Por supuesto, como aún no he visto 'True Grit', la última de mis queridos hermanos Coen, no puedo opinar al respecto, pero muy mala no debe ser cuando ha recibido nada más y nada menos que diez pedazo de nominaciones. ¡Y es un western!

En el apartado de mejor actor está nuestro querido Javier Bardem, que sigue haciendo historia, pero este año está cantado que el dueño de ese premio es Colin Firth, puesto que Jesse Eisenberg tampoco hace nada del otro mundo en 'La red social', a Jeff 'el nota' Bridges se lo dieron el año pasado y James Franco es demasiado joven aún y además estará ocupado presentando la gala.

En cuanto al mejor actor de reparto, mi favorito es el inmenso John Hawkes por su tremendo papel en Winter's Bone, pero siendo realista, seguro que le cae a Christian Bale porque está fantástico en The Fighter y porque este hombre no puede seguir sin un premio de esta categoría que desde luego ya le toca.

Respecto a las actrices, aquí la cosa se complica considerablemente, tanto en el apartado de principales como en el de secundarias. No me atrevería a hacer un pronóstico, pero qué narices, ya que estamos puestos lo haré. Empiezo por mi actriz de reparto favorita: Melissa Leo por 'The Fighter', una pedazo de intérprete que también se merece y mucho este premio. Hace un par de años fue nominada como principal por 'Frozen River', un peliculón que desde aquí vuelvo a recomendar, no obstante, también por The Fighter encontramos a la joven Amy Adams, actriz nominada ya tres veces en este apartado que todavía no se ha llevado el gato al agua. Sin embargo, tanto Jacki Weaver en Animal Kingdom como la pequeña Hailee Steinfeld en True Grit también tienen un posible boleto ganador, pero resumiendo, yo se lo daría a Melissa Leo.

Actriz Principal, además de ser una de mis categorías favoritas, este año es sin lugar a dudas la más disputada. Siento especial debilidad por todas estas nominadas, pero creo que se lo deberían dar a Annette Bening por The Kids Are All Right, aunque tanto mi queridísima Michelle Williams por Blue Valentine (película ninguneada por la Academia), como Jennifer Lawrence (una de las actrices americanas con más futuro por delante) por Winter's Bone y Natalie Portman por Cisne Negro lo merecen con todas las de la ley.

Para los que todavía tengan esperanzas de que Biutiful se lleve el Oscar a la mejor película extranjera, les digo que tanto Dogtooth por parte de Grecia como In a Better World por parte de Dinamarca me parecen mucho mejores que la mexicana. Sólo diré eso en este apartado.
Mejor director está claro que es para David Fincher, ¿por qué? Porque se lo deben, sin más, y porque no se lo van a dar a los Coen de nuevo, y porque Aronofsky, aunque tiene maneras, aún no ha llegado al nivel de Fincher, y porque David O. Russell, aunque es un maldito genio, está muy muy mal de la cabeza.

Y llegamos a los guiones. En la categoría de originales me encuentro a uno que me chirría un poco, Another Year, de Mike Leigh, y es que únicamente ha conseguido esta candidatura, curiosamente por un guión que tiene un gran porcentaje de escenas y diálogos improvisados, pero en fin, ahí está, y la verdad es que la película no estaba mal, pero de nuevo me tengo que decantar por el guión de The Kids Are All Right, que posiblemente sea el que más oportunidades tenga junto con The Fighter o The King's Speech.

En los adaptados la cosa está pero que muy disputada, hay muy buenos guiones, aunque eso sí, la cosa parece estar también clara. Ahí está un año más Simon Beaufoy con Danny Boyle por 127 Horas, está el gran Aaron Sorkin por La Red Social, Michael Arnd (autor de Pequeña Miss Sunshine) por Toy Story 3, los Coen, cómo no, por True Grit, y mis favoritas este año, Debra Granik y Anne Rosselini por Winter's Bone. Como tres de los nominados ya tienen estatuilla, es casi seguro que le va a caer a Aaron Sorkin, porque sería un delito muy grave que este talentoso hombre siguiera paseándose por ahí sin un Oscar. A ver si se lo dejan los Coen...

Y acabo con el apartado a Mejor Película. Yo tengo un pronóstico claro, y creo que llevo ya cinco años sin equivocarme a pesar de que este próximo 27 de febrero la cosa está más complicada con eso de que hay diez nominadas, pero éste os lo dejo a vosotros, ¿quién creéis que ganará el Oscar a la mejor película? Ojalá fuera para The Kids Are All Right o Winter's Bone, pero... El caso es que podéis votar en la encuesta que hay a la derecha de vuestras pantallas.

Ver lista completa de nominados

The Kids Are All Right (y Winter's Bone)

2011-01-17T18:11:00.015+01:00

Anoche se llevó dos Globos de Oro (mejor película de comedia y actriz secundaria), el segundo mejor registro de premios tras 'La red social', sin embargo, nadie en las noticias de los principales telediarios del país se hace eco de ello, y es una lástima, porque 'The Kids Are All Right', dirigida por Lisa Cholodenko e interpretada por Anette Bening, Julianne Moore, Mark Ruffalo, y la joven Mia Wasikowska, no merece pasar tan desapercibida como lo está haciendo, pero bueno, aquí estoy yo para lanzar mi grito de guerra y reivindicar una de las mejores películas del año, con permiso de 'Winter's Bone' de Debra Granik, que me parece todavía mejor y ni siquiera ha estado nominada en estos absurdos premios. Por suerte existe otro certamen al que llaman Spirit Awards, ése que se hace una noche antes de los Oscar, donde las nominaciones parecen ir infinitamente más acorde con la realidad.

Tras este pequeño inciso para reivindicar también Winter's Bone, pasamos a lo que toca, The Kids Are All Right, que toma su título prestado de una de las primeras canciones de The Who, y que cuenta la historia de dos madres lesbianas y de sus respectivos hijos, que en plena adolescencia pretenden encontrar al donante de semen que hizo posible que ellos existieran. Contada con tintes cómicos, no deja tampoco de lado el más cruel de los dramas cuando una de las madres se empieza a replantear su sexualidad y comienza a experimentar con su lado hetero, provocando un grave daño a su alrededor que a mi juicio es tratado en el guión de forma casi magistral.

Todavía no se han anunciado las próximas nominaciones a los Oscar, pero algo me dice que tanto el guión de esta película como la propia película podrían tener premio, eso sin contar con la merecida estatuilla que Anette Bening debería recoger este año en el apartado de actrices de reparto. Es una pena que no se acabe de cerrar del todo bien al personaje de Ruffalo, pero quizás eso se deba a problemas de tiempo. La directora contaba con sólo 23 días para filmar su película, y tuvo que suprimir unas diez páginas del borrador final del guión para no salirse del plan.

Supongo que ésos son los pros y los contras de llevar a cabo una producción independiente con poco dinero. El pro es que puedes contar lo que tú quieras y como tú quieras. Es tu historia y no la de unos grandes estudios, y el principal problema es que tienes que rodar a contrarreloj, pero si el resultado es como éste, yo sigo prefiriéndolo mucho antes que 'Avatar'. Se nota que dos de las películas favoritas de Cholodenko son 'El graduado' y 'Five Easy Pieces', y es que una buena dosis de humanismo y humor negro para mí no pueden tener rival posible. Así es que, por favor, hay que reivindicar que mujeres como Lisa Cholodenko o como Debra Granik continúen tomando mucho más el control.

Final de temporada

2011-01-11T12:10:00.013+01:00

Antes de nada, feliz año a todos. Os recuerdo que esta noche se emite en Antena 3 el último capítulo de esta primera temporada de 'Hispania' a eso de las 22:15. Estoy de acuerdo en que ha habido momentos mejores y peores dentro de la trama, pero en líneas generales creo que todos sus responsables han sabido llevar a la serie por el camino del buen entretenimiento, algo que la gente necesita como agua de mayo. Está claro que cada cual elige lo quiere para divertirse o pasar un buen rato de ocio, pero desde luego yo, esta noche elegiría Hispania.

Viriato y Helena en primer plano. La cabeza difuminada que aparece entre ellos soy yo.

Capítulo 9, 'La batalla final'
Los rebeldes han sido derrotados por las tropas del pretor. Viriato está encadenado junto a Marco, y Galba lo llevará a Roma para exhibirlo y condenarlo a una vida de sufrimiento en las mazmorras.

Personalmente, el capítulo nueve es mi favorito. ¿Que cómo lo sé si todavía no se ha emitido? Bueno, eso se sabe cuando uno está en el rodaje, y la principal razón es que es el capítulo en el que mejor me lo he pasado, y quizá también sea el capítulo en el que más aparezco, así es que razón de más. Eso sí, los que quieran jugar conmigo a dónde está Wally les daré una pista: no me busquéis entre las grandes masas de los ejércitos en la batalla, porque ahí no salgo, al menos no en la gran batalla final. Y como en todo final de temporada que se precie, os aseguro que van a pasar muchas cosas esta noche. Me gustaría contaros al menos un ápice de todo ello, y me siento tentado a desvelaros alguna cosa, pero no, me temo que tendréis que esperar a verlo y a disfrutarlo. De verdad que el capítulo de hoy merece la pena.

Sandro y Marco se baten en duelo. No os podéis ni imaginar el frío que hacía ese día y los huevos que le echó Jesús Olmedo al quedarse en calzones. Eso es profesionalidad.

Aquí estoy yo de guerrero de Celtius en el episodio de esta noche. Campamento romano al fondo y la sierra bien nevada. ¿Frío? ¡Qué va!

Fin de año (Dillon/Lane)

2010-12-31T10:10:00.001+01:00

Y seguimos avanzando con pasos más o menos firmes por la vida, con felicidad y también con dolor, con esfuerzo y con sufrimiento, con amor o con desamor, pero seguimos avanzando y seguimos aprendiendo en todos los aspectos. Feliz año nuevo a todos de corazón y que vuestros mayores deseos aún por realizar se hagan realidad. Os dejo con uno de mis montajes musicales, con una de mis parejas favoritas en el cine, Matt Dillon y Diane Lane, aquí jovencísimos en la fabulosa 'Rumble Fish' (La ley de la calle).

PD. Ya está disponible una nueva lista de reproducción musical en el blog.

Bailes de cine (III)

2010-12-19T13:21:00.004+01:00

Hoy os acerco otros dos bailes que no podían faltar en esta sección. Se siguen aceptando vuestras sugerencias.

Fiebre del sábado noche (1977)
Es el amo, es el mejor, es el rey de la pista, no hay duda. Nadie ha bailado tanto y tan majestuosamente como lo ha hecho John Travolta, un auténtico ídolo de masas. Él ha sido el Tony Manero de 'Fiebre del sábado noche', ha sido el Danny Zuko de 'Grease', y ha sido el Vincent Vega de 'Pulp Fiction'. Para Saturday Night Fever en concreto, Travolta ensayó con el bailarín profesional Denny Terrio tres horas diarias durante nueve meses, y salía a correr cuatro kilómetros por día. Su duro y sacrificado trabajo finalmente le valió una nominación al Oscar. Es obvio que bailar así requiere una forma física excepcional y unas cualidades sobresalientes, fijaros en ese movimiento de caderas, por eso, chicos, chicas, os recomiendo que no intentéis hacer esto en Nochevieja. Suena You Should Be Dancing, de los Bee Gees, en la discoteca Odisea 2001, un santuario para muchos que cerró en 1987 y fue demolida en 2005.

Scent of a Woman (Esencia de mujer) 1992
No le dieron el Oscar ni por El padrino, ni por Serpico, ni por El padrino II, ni por Tarde de perros, ni por Justicia para todos, ni por Dick Tracy, ni por Glengarry Glenn Ross, se lo dieron por interpretar a un veterano de guerra ciego en 'Esencia de mujer', una recreación de una antigua película del maestro Dino Risi dirigida por Martin Brest e interpretada por Chris O'Donnell, Gabriel Anwar, Philip Seymour Hoffman, Frances Conroy y James Rebhorn entre otros. Al Pacino borda una de sus actuaciones más memorables, una de ésas que se le empiezan a echar de menos. Necesitamos de vuelta al Tony Montana de Scarface, necesitamos al Carlito Brigante de Carlito's Way, necesitamos a Michael Corleone. Estés donde estés, vuelve por favor, vuelve. Suena Por una cabeza, del gran Carlos Gardel.

Cartel y tráiler de 'Blue Valentine'

2010-12-10T18:54:00.002+01:00

Una de mis películas más esperadas desde que se estrenara en Sundance el año pasado. Ya hablé de ella hace un tiempo. También pasó por Cannes y el Festival de Toronto, aunque ahora se está viendo gravemente perjudicada por la MPAA, la compañía que se encarga de hacer la clasificación de edades aptas para ver una película en los cines. 'Blue Valentine' ha recibido la calificación NC-17, es decir, no apta para menores de edad, una decisión que no ha causado my buena impresión, especialmente para sus productores, los hermanos Weinstein, que ya denunciaron la situación en los juzgados hace más o menos un mes, y es que a pesar de las magníficas interpretaciones de sus dos protas (Ryan Gosling y Michelle Williams), de las que se están hablando maravillas, parece que pueden verse perjudicadas de cara a los prestigiosos premios de la Academia (los Oscar). De hecho, en todo un arrebato de pundonor, el cartel de la película ya reza lo siguiente: "If there's any justice, Ryan Gosling and Michelle Williams will both earn Oscar nominations for their raw, arresting performances."

Para combatir la que consideran una injusta clasificación por edades de la MPAA, los ejecutivos de la película han creado una página web que recoge firmas en favor de que el recurso de apelación pueda salir adelante. Ésta es su dirección: http://www.thepetitionsite.com/1/blue-valentine-mpaa-rating-appeal/ Ojalá que puedan lograr su objetivo. Nosotros mientras tanto disfrutamos y nos mordemos las uñas con este fantástico tráiler.

La capa, las lanzas y el caballo

2010-12-01T12:13:00.016+01:00

No, no es el nombre del capítulo de hoy en 'Hispania', sino tres elementos que pueden condicionar mucho una secuencia: capas, lanzas y un caballo. Bueno, y también la luz, y un improvisado rebaño de cabras...

El grupo rebelde de Viriato.

En el episodio de esta noche, 'Sacrificios', un nuevo peligro se cierne sobre los rebeldes: un cargamento de armas se dirige hacia el campamento romano. Los rebeldes quieren detenerlo, pero hay un problema: es un hispano el que comercia... Alejo. Viriato, incapaz de atacar a su propia gente, da la orden de no hacer nada pero no todos sus hombres están dispuestos a obedecer. Pues bien, ésta es una de las secuencias en las que yo aparezco esta noche. Una de las más difíciles de grabar sin duda, no sólo para mí, Roberto Enríquez también me lo comentaba al terminar.

En pleno monte, muy cerca de una pequeña localidad llamada Garganta la Olla, donde incluso teníamos espectadores que veían los avances del rodaje, nos disponíamos a grabar una secuencia que nos llevaría una tarde entera. La primera vez que me puse una de esas capas hispanas ya advertí que parecían peligrosas, sobre todo para escenas de acción o en las que tienes que correr. A veces te quedan demasiado largas, y si no te la pisas con tus propios pies te la pisa el que viene detrás. De todas formas éste no fue el problema de ese día, fue... otra cosa. Para empezar, justo antes de comenzar a grabar, un rebaño entero de cabras se disponía a pastar justo en nuestra zona de rodaje con el cansino e irritante tintineo de sus cascabeles. Hasta que no desaparecieron no pudimos empezar. Digamos que éste fue el problema número uno. ¿El dos? Nuestras armas. Ya nos habían equipado con falcatas en la primera o segunda toma cuando Roberto Enríquez (Viriato) se da cuenta de que en su diálogo la palabra que aparecía eran "lanzas" y no "falcatas". Total, que de nuevo a quitarnos las falcatas, que no es fácil, ya que las fundas van atadas tras la capa y hay que desatar primero ésta. Por suerte, el equipo que trabaja aquí es maravilloso (¿lo había dicho ya?) y solucionaron el problema número dos en un coser y cantar. Aunque para colmo, los técnicos de iluminación nos indican que estamos en el mínimo de luz. Muchas veces la gente confunde esos grandes focos con el sol, pero no, no es el sol.

Alejo apunta a Darío con una espada. El de la capa azul soy yo sacando todas mis dotes interpretativas a la luz.

Ya con nuestras lanzas en ristre, a mí me preguntan si sería capaz de subirme a un árbol para después saltar de él (con la lanza incluida). Miro al árbol desafiante y pienso que no estoy en tan mala forma como para no subir, y además, si no lo hacía yo, ¿quién iba a hacerlo? Así es que consigo trepar hasta lo alto del árbol, que para vuestra información estaba lleno de zarzas y pinchos, y una vez allí el cámara me indica que tengo que ocultarme un poco más porque se me ve. La ayudante de dirección me lo pide con amabilidad y me da las gracias por tan osado movimiento. Después el director grita acción y yo salto del árbol con la increíble suerte de no perder el equilibro al tocar el suelo, pero de repente me doy cuenta de que algo no va tan bien, mi capa, algo pasa con mi capa, y lo que pasa es que se ha quedado enganchada con una rama.

Como el director no corta la escena, yo intento continuar y tiro de la capa con la ayuda de un compañero que está a mi lado. Al final consigo bajar mi capa y de paso también me llevo un golpe de la lanza de mi compañero en los morros. Nadie dice "corten", y yo intento continuar, al parecer las cosas no van tan mal, pero entonces, para rematar la faena, el caballo de Javier Rey (Alejo), me empieza a soltar colazos en la cara. A pesar de ello, la escena no se corta y yo pienso "joder, pues a lo mejor resulta que estoy pasando desapercibido", pero no, al acabar todos vienen descojonados y me comentan la jugada. Yo la verdad es que estoy deseando ver esta noche cómo demonios han montado esta grandiosa secuencia. Por cierto, quiero pedir perdón al que se haya encargado de editar esto por si le he causado alguna molestia (espero que no).

Un día de rodaje en 'Hispania'

2010-11-24T00:00:00.006+01:00

Como algunos sabéis, estoy teniendo la suerte de participar en el último gran éxito de la ficción televisiva en España, 'Hispania', que vuelve a emitirse hoy miércoles en Antena 3 a su hora habitual tras el parón técnico de la semana pasada. El equipo entero aún continúa rodando el final de la temporada, batallando en exteriores contra las adversidades del tiempo, pasando frío, mucho frío, y repitiendo tomas para que vosotros, los espectadores, disfrutéis con la serie como os merecéis.

La verdad es que hay tantísimas cosas que contar que no sabría por dónde empezar, así es que antes de pasar a la cuantiosa cantidad de anécdotas que vendrán en sucesivos posts, os describiré cómo suele ser un día de rodaje en la serie. Extrañamente, aunque mi pasión es escribir y permanecer tras las cámaras relevado en un segundo plano, ésta no es la primera vez que aparezco como actor de figuración en un trabajo profesional (en segundo plano también), y parece que ya voy cogiendo la dinámica, a pesar de que nunca he pasado tanto frío como trabajando de esta guisa, pero bueno, ya contaré cada cosa a su debido tiempo...

Los hispanos del poblado de Caura con Merche, la maravillosa mujer que nos controla a todos.

5:50. Suena el despertador y empieza el día. Lo primero es darse una buena ducha para activarse rápido, después me preparo, me bebo un vaso de leche y salgo de casa para coger el coche y conducir durante aproximadamente media hora larga por carretera. Seguramente, sólo con ver la hora que es y la oscuridad y el frío que hace en la calle a muchos ya se os habrían quitado las ganas de ir a rodar, ¿verdad?

7:15. Ésta suele ser la hora habitual a la que se queda por las mañanas para aprovechar todas las horas de luz posibles, pero puede variar en función del plan de rodaje que tenga asignado tu personaje en la serie. Nos reunimos todos en un hotel de la bella zona de La Vera y desde allí nos trasladan en vehículos de producción hasta el lugar de rodaje de ese día (poblado hispano, campamento romano, monte...)

7:45. Aquí ya empiezas a perder un poco la noción del tiempo. Te deshaces de todos tus efectos personales y entras en la carpa de vestuario para que te cambien y te vistan a la moda hispana o romana, en mi caso hispana (una especie de camisón con un fajín en la cintura, botas o sandalias y una capa a la espalda). La gente de vestuario se lo curra mucho, no se les escapa ni un detalle y no te dan el visto bueno hasta que te vean perfecto. A veces eso puede llevar un rato. Después sales de la carpa y entonces te das cuenta de verdad de que hace un frío que pela, pero seguidamente entras en otra carpa, la de maquillaje, donde suele haber un calefactor de los buenos que se agradece. La gente de maquillaje es bastante simpática, y a pesar de las horas que son, se nota que sienten auténtica devoción por lo que hacen. De hecho creo que se lo pasan pipa poniéndonos sangre por el cuerpo y ensuciándonos la cara, el pelo y las piernas a conciencia. Y en tiempo récord Su trabajo prácticamente hace que a veces casi no tengas que actuar. Una maravilla.

Un compañero y yo tomándonos el café de por la mañana. No lo parece pero hace un frío de coj...

8 y algo. Mientras esperas a que acaben de vestir y maquillar al resto de tus compañeros, aprovechas para ir a tomar un café y unos bollos para desayunar. Como no vayas con energia a rodar acabarás destrozado antes de mediodía. Habla la experiencia, aunque esto es duro para todos por igual. Muchas veces es divertido y te lo pasas bien con tus colegas, pero otras resulta bastante jodido, sobre todo mentalmente más que físicamente, y repito, esto es para todo el equipo por igual. De todas formas siempre es reconfortante ver que el trabajo se hace bien y que además a la gente le gusta. No hay mejor recompensa que ésa (además de la parte económica, claro está).

De 8 y pico a 11:30. Otro vehículo de producción te lleva los metros necesarios hasta el lugar exacto donde la gente de arte y atrezzo tienen preparados los decorados. Allí obedeces las órdenes de nuestra querida coordinadora, que nos maneja y nos cuida como nadie. También tenemos carpa propia con calefactor para descansar entre toma y toma, nevera (aunque ahora casi no hace falta) con agua y refrescos por si necesitas recomponerte o por si simplemente te apetece. En nuestra carpa suele ser donde pasamos los mejores momentos y nos echamos las mayores risas con las singularidades de cada uno. Pasar un rato al lado de Hovik Keuchkerian (Sandro) no tiene precio. De vez en cuando también nos echan alguna bronca porque hacemos demasiado ruido mientras descansamos, y es que cuando el director marca silencio allí no puede hablar ni cristo. Después de unas horas bastante ajetreadas filmando un mayor o menor número de secuencias, viene uno de mis momentos favoritos del día, ése en el que dicen: "Descanso para bocadillo".

De 12:00 a 15:00 (o más). En esta franja de tiempo hacemos lo mismo que en la anterior. Rodamos, descansamos, rodamos, descansamos. Por supuesto, también hay problemas. De vez en cuando las escenas no salen todo lo bien que deberían y tenemos que repetir varias veces. Normalmente el descontento general viene cuando el director y sus ayudantes dicen eso de: "Volvemos a primera", que significa que hay que volver a repetirlo todo, y vale, si se hace dos, tres e incluso hasta cuatro veces, pues no está tan mal. El problema viene cuando esa fatídica frase se repite ya más de cinco veces y tú te mueres de frío aunque te traigan mantas mientras retomas la acción. Y si se pone a llover ya ni te cuento. Después viene mi segundo momento favorito del día, cuando dicen: "Cortamos para comida".

Juanjo Ballesta y yo después de recibir una buena paliza.

15:00 (o la hora que sea). Adoro a la gente de catering, ellos no lo saben pero les quiero con locura. El viernes pasado me acerqué a la mesa donde te sirven la comida sin una idea muy clara de lo que quería y la chica me preguntó qué iba a comer. Yo le respondí que me diera lo que quisiera, cualquier cosa, y ella me sirvió un generoso plato de una deliciosa sopa de arroz bien caliente que me dejó como nuevo y me quitó durante un buen rato el frío del cuerpo. Pequeños detalles así son los que un servidor valora. Aparte de eso, en la carpa de catering suele ser donde la mayor parte de los trabajadores coinciden unos con otros. No es extraño que por ejemplo la amable y educada Nathalie Poza coma a tu lado, o que vayas a echarte una ensalada y le cedas el último tomate fresco a la dulce Manuela Vellés, o en última instancia, que un productor estresado charle por teléfono sobre temas de presupuesto.

De 16:00 hasta el anochecer. Hay jornadas en las que acabas antes y otras en las que terminas más tarde, según para lo que te necesiten. Por lo demás, en esta franja continuamos rodando igual que por la mañana, sólo que un poco más cansados. Antes de comenzar una nueva toma, los encargados de vestuario y maquillaje revisan que todo siga perfecto e incluso si lo ven necesario te dan algún retoque de última hora. Así hasta que te digan que has acabado. A continuación, si te necesitan para realizar algún racord, la script te hace una foto y listo.

Sobre las 19:00. Te vuelves a cambiar, te quitas el maquillaje (o no si quieres darle un susto a alguien), te despides de todos, y un autobús te lleva hasta tu coche para que puedas volver a casa después de un duro pero productivo día de trabajo. Después lo único que te apetece es relajarte en el sofá, leer un libro o ver la tele, y si da la casualidad de que ponen 'Hispania' pues mucho mejor.

Bailes de cine (II)

2010-11-18T10:25:00.010+01:00

Segunda entrega de los bailes de cine que más me gustan, que son muchos y muy variados. Hoy tocan dos de dos películas realizadas en blanco y negro. Allá vamos:

Bande à part (Banda aparte) 1964
Nos situamos en pleno apogeo de lo que sería conocido como la Nueva Ola (Nouvelle Vague) francesa. 'Banda aparte' es una de mis películas favoritas de Jean-Luc Godard, alguien que no me cae demasiado bien aunque admiro algunas de sus obras (Al final de la escapada, Vivir su vida). Curiosamente, en todas las que me gustan está la dulce y atrayente Anna Karina, por algo será. Creo que no es la primera vez que hablo de este baile en el blog, un baile y una película que han influido en la carrera de otros muchos directores, por ejemplo, puede que os suene algo al baile de 'Simple Men' de Hal Hartley que publicaba la semana pasada, pero sobre todo, puede que os recuerde también al estilo de Quentin Tarantino, un auténtico devorador de cine que después da su propia visión de todo aquello que le ha influenciado, que no es poco. Banda aparte fue una de esas influencias, de hecho, hasta su propia productora se llama así. Sin más dilación, Anna Karina, Sami Frey, Claude Brasseur y el propio Godard narrando la acción y los sentimientos de los personajes:

Down by Law (Bajo el peso de la ley) 1986
La verdad es que siento cierta predilección por el cine de Jim Jarmusch (Noche en la tierra, Ghost Dog, Mistery Train, Flores Rotas), por su naturalismo, por la comedia y el drama de sus personajes, y por sus interminables fundidos a negro. He estado a punto de decidirme a poner a Eszter Balint bailando sola en 'Extranos en el paraíso', pero al final he elegido otro que tampoco tiene grandes pasos ni demasiada elegancia, he elegido uno que para mí representa de forma perfecta lo que es el amor y la felicidad. El magnífico Tom Waits y el no menos grande John Lurie observan aquí a los memorables Roberto Benigni y Nicoletta Braschi, pareja también en la vida real. Disfrutadlo.

Bailes de cine (I)

2010-11-09T11:59:00.010+01:00

Bailes de cine. En esta sección iré publicando algunos de mis bailes favoritos de cine. Algunos serán más reconocidos que otros, aunque eso depende también del gusto propio de la persona a la que se dirija. Hoy publicaré los dos primeros, dos bailes de dos películas relativamente modernas.

Simple Men, de Hal Hartley (1992)
Sin duda en esta grandísima película nos encontramos con uno de los bailes que más gustan, por eso lo pongo en primer lugar. Ya he perdido incluso la cuenta de veces que debo haberlo visualizado. Protagonizada por Robert Burke, Bill Sages, Karen Sillas y Elina Löwensohn, y dirigida por uno de los padres del cine independiente norteamericano, el neoyorquino Hal Hartley (Amateur, Trust, Flirt, Henry Fool, Fay Grim). Suena Kool Thing, de Sonic Youth. Simplemente legendario, para qué decir más.

Little Miss Sunshine, de Jonathan Dayton y Valerie Faris (2006)
Cuánto me divertí y cuántas cosas sentí viendo 'Pequeña Miss Sunshine'. La historia de una familia hecha añicos que emprende un viaje básicamente de reconstrucción de todas esas piezas rotas, aunque ellos no lo sepan aún, porque una buena comedia siempre debe tener un buen trasfondo dramático. Eso es 'Little Miss Sunshine', justa vencedora del Oscar al mejor guión escrito por Michael Arndt. Y encima va Abigail Breslin y nos sorprende con este sensacional baile acompañada por Greg Kinnear, Paul Dano, Steve Carell, Toni Collette y Alan Arkin, el abuelo que espera en el maletero del coche. Suena Super Freak, de Rick James.

Una victoria más

2010-11-04T11:33:00.002+01:00

Fuente: FormulaTV.com

Los rebeldes de 'Hispania' ganan a Belén Esteban con nuevo récord. La ficción de Antena 3 registra un 25,8% frente al 15,2% de 'España pregunta, Belén responde'.

'Hispania' se consolida como la ficción más exitosa en este inicio de temporada. Anoche el tercer capítulo de la serie barrió a la competencia tras hacerse con el 25,8% del público. Un total de 4.793.000 espectadores no quisieron perderse las aventuras de Viriato y sus rebeldes. En una semana la producción de Bambú Producciones baja 323.000 fieles pero gana +1,1 puntos, y supera en datos generales al especial 'Sálvame deluxe' de Telecinco.

En su estricta franja de coincidencia (22:34-23:57), 'Hispania' reunió a 4.810.000 espectadores (25,4%) y el programa de Belén Esteban 3.239.000 espectadores (17,1%). La diferencia entre ambos espacios fue concretamente de 8,3 puntos y más de un millón y medio de personas (1.571.000).

Audiencias 'Hispania'
Capítulo 1 (25/10/2010): 4.768.000 espectadores y un 22,7%
Capítulo 2 (27/10/2010): 5.116.000 espectadores y un 24,7%
Capítulo 3 (03/11/2010): 4.793.000 espectadores y un 25,8%

Minuto de Oro
'Hispania, la leyenda' (Antena 3) 23:42 horas / 5.583.000 espectadores y 33,3%

Segundo Asalto

2010-10-27T11:24:00.005+02:00

Esta noche a las 22:00 se emite en Antena 3 el segundo capítulo de Hispania. Tras ganar el lunes en audiencia a la serie competidora de Telecirco (esa especie de comedia monárquica), hoy se busca repetir la hazaña y dejar claro que el combate es nuestro. Es la batalla de la humildad contra la prepotencia, de la honradez contra la telebasura y la hipocresía. Aunque la mayor diferencia entre estas dos cadenas es que a Antena 3 le importa su producto y a la otra no. Unos cuidan lo suyo y los otros lo usan como arma de destrucción. El tiempo pondrá a cada uno en su sitio si es que no lo ha hecho ya.

En fin, nosotros a lo nuestro, esta noche segundo capítulo, 'La liberación de los esclavos'. Héctor, hermano de Sandro, un personaje interesado y nada de fiar, regresa a Caura. Tras enterarse de que su hermano se ha unido a Viriato en una cruzada contra Roma, decide sumarse al grupo rebelde; pero sus planes no son nada heroicos...
Galba descubre a Nerea entre los esclavos hispanos y queda prendado de ella. Pide que se la preparen para ser su amante esa noche. Alejo, un noble hispano, llega a casa de Teodoro. Éste se lo presenta inmediatamente a su hija, Helena: se trata de su futuro marido...

Hispania, esta noche estreno

2010-10-25T00:00:00.003+02:00

Pues eso, que esta noche a las 22:15 y tras un largo tira y afloja contra Telecirco en la guerra de audiencias, por fin se estrena en Antena 3 'Hispania', la nueva serie en la que estoy teniendo el gusto de trabajar, aunque no precisamente como guionista, para esos detalles está Natxo López y su recomendable blog 'El guionista hastiado'.

En esta ocasión yo me he pasado al otro lado, en lugar de estar tras las cámaras, esta vez estoy delante, haciendo de un simple y llano aldeano hispano de Lusitania, ese pueblo liderado por Viriato (Roberto Enríquez) para oponer resistencia ante las fuerzas romanas de Servio Sulpicio Galba (Lluís Homar) que intentan conquistar nuestro territorio allá por el año 150 a. C.

Completan el reparto los maravillosos y maravillosas Ana de Armas, Juan José Ballesta, Manuela Vellés (la adoro), Nathalie Poza, Jesús Olmedo, Ángela Cremonte, Alfonso Bassave, Hovik Keuchkerian, Antonio Gil, y alguien más del que seguro me estoy olvidando y espero que me perdone. En la dirección tenemos a cuatro genios capaces de convertir el agua en vino, ya os explicaré porqué: Carlos Sedes (Gran Reserva), Alberto Rodríguez (After, 7 Vírgenes), Santi Amodeo (Cabeza de perro), y Jorge Sánchez-Cabezudo (La noche de los girasoles).

También quisiera mencionar el inmenso y gran trabajo de todo el resto de la gente que hace posible esta serie, guionistas, directores de fotografía, ayudantes de dirección, producción, montaje, sonido, iluminación, maquillaje y peluquería, vestuario, atrezzo, directores de casting, figuración, entrenadores, transporte, catering, a todos, absolutamente a todos, porque sin ellos las piezas de ese engranaje tan vital no podrían rodar. Y por supuesto, no hay que olvidar a la gente que nos paga, Bambú Producciones, que está haciendo una labor digna de alabanza. Para mí es un enorme placer poder trabajar al lado de todos estos figuras, y además resulta muy didáctico compartir todas estas horas con cada profesional, porque al final de la jornada siempre acabas aprendiendo algo nuevo y valioso de ellos. Posiblemente el compañerismo sea la palabra más acertada para definir lo que se vive aquí. Y qué bien suena esa palabra cuando se aplica bien: compañerismo.

Yo hoy me encuentro en pleno set de rodaje con todos ellos en la comarca de La Vera, filmando los últimos capítulos de la temporada, y ni siquiera sé si llegaré a tiempo a casa para ver el primero, pero os animo a todos a que esta noche sintonicéis Antena 3 porque os prometo que vais a ver algo espectacular, hecho con mucho esfuerzo, trabajo y dedicación, un producto realizado con esmero en el que se intenta cuidar hasta el último detalle, algo que sé que la gente sabrá valorar. Recordadlo, Hispania, a las 22:15.
Con el paso de los días también iré contando alguna que otra anécdota, y si os portáis bien, puede que incluso os traiga algunas fotos y vídeos.

Os invito también a visitar la página web oficial de la serie (http://www.antena3.com/series/hispania/), donde encontraréis vídeos exclusivos, fotos y toda la información necesaria sobre el rodaje. Además, si os perdéis algún capítulo, en la propia web de Antena 3 podréis verlos repetidos tantas veces como queráis. La leyenda empieza hoy...

Eileen Wade - Nina van Pallandt

2010-10-20T13:35:00.001+02:00

En una de mis películas favoritas de la historia del cine, 'El largo adiós', de Robert Altman, con guión adaptado por Leigh Brackett (El sueño eterno) de la novela homónima de Raymond Chandler, Nina van Pallandt, esa preciosidad de mujer, actriz, cantante y baronesa, interpretaba al personaje Eileen Wade, la esposa de un famoso escritor alcohólico. Aparte de la estelar interpretación que Elliott Gould nos ofrece del detective Philip Marlowe, de la que hablaré otro día, me parece interesante la descripción que Chandler realiza sobre Eileen. No sé quién fue el director de casting de la película o si fue decisión del propio Altman hacerse con los servicios de Nina Pallandt, pero... ¿se puede dar más en el clavo?

El mozo pasó a mi lado y dirigió una mirada suave al débil whisky con agua de mi vaso. Sacudí la cabeza y el mozo siguió de largo. Fue entonces cuando entró en el bar un verdadero sueño en forma de mujer. Por un instante me pareció que todo sonido se había apagado en el bar, que los dos graciosos habían cesado de negociar y que el borracho sentado en el taburete había dejado de mascullar; fue como cuando el director de orquesta golpea con la batuta en el atril, levanta los brazos, y mantiene a todos en suspense. Era delgada y bastante alta; llevaba un traje sastre de hilo blanco con un pañuelo de pintitas blancas y negras alrededor del cuello. El cabello era de color oro pálido, como el de las princesas de los cuentos de hadas. El pequeño sombrero y el cabello dorado alrededor recordaban a un pájaro en su nido. Los ojos eran de un color extraño, azul violáceo, y las pestañas largas y quizá demasiado claras. Se dirigió hacia la mesa de enfrente y empezó a quitarse los guantes blancos. El mozo se acercó enseguida y le apartó la mesa de tal forma y con tanta deferencia como ningún mozo del mundo me la hubiera apartado a mí. La joven se sentó, aseguró los guantes con una cadenita de la cartera y agradeció al mozo con una sonrisa tan suave, tan exquisitamente pura, que el hombre casi quedó paralizado por la emoción. Ella le dijo algo en voz baja y el mozo, después de inclinarse hacia adelante, salió casi corriendo. He ahí un tipo que realmente tenía una misión en la vida.

Le clavé la vista y ella captó mi mirada. Levantó los ojos un centímetro y me pareció que había dejado de existir: casi perdí el aliento.

Hay rubias y rubias, y hoy es casi una palabra que se toma en broma. Todas las rubias tienen su no sé qué, excepto tal vez las metálicas, que son tan rubias como un zulú. Existe la rubia pequeña y agradable, que gorjea como los pájaros, y la rubia alta y estatuaria, que lo envuelve a uno en una mirada azul de hielo. Existe la rubia que lo mira a uno de arriba a abajo y tiene un perfume encantador y resplandece tenuemente y se cuelga del brazo y está siempre muy, muy cansada cuando la acompañas a su casa. Ella hace ese maldito gesto de impotencia y tiene ese maldito dolor de cabeza y te gustaría aporrearla, aunque estés contento de haber descubierto lo del dolor de cabeza antes de haber invertido en ella demasiado tiempo, dinero y esperanzas. Porque el dolor de cabeza siempre estará así, es un arma que nunca deja de usarse, y tan mortífera como la espada del asesino o el frasco de veneno de Lucrecia.

Existe la rubia dulce, dispuesta y aficionada a la bebida, y que no le importa lo que lleva puesto —siempre que sea visón —o adónde va— siempre que sea el “Starlight Roof” y haya mucho champán seco—. Existe la rubia pequeña y altiva que es una verdadera compañera y quiere pagar ella su cuenta y está llena de luz de sol y de sentido común, que sabe judo y puede lanzar al aire, por encima del hombro, al conductor de un camión, sin perderse más de una frase del editorial del Saturday Review. Existe la rubia pálida, pálida, con anemia de tipo incurable, pero no fatal. Es muy lánguida y muy sombría y habla suavemente como salida de no sé dónde, y no la puedes poner un dedo encima, en primer lugar porque no tienes ganas, y en segundo lugar porque está leyendo La tierra perdida o Dante en el original o Kafka o Kierkegaard, o porque estudia dialecto provenzal. Adora la música, y cuando la filarmónica de Nueva York está tocando Hindemith, puede decirte cuál de los seis contrabajos entró un cuarto de tiempo más tarde. He oído decir que Toscanini también es capaz de ello. Eso quiere decir que ya son dos.

Y por último existe la muñeca maravillosa y encantadora que sobrevive a tres reyes del hampa y después se casa con un par de millonarios a un millón por cabeza y termina con una villa de color rosa pálido en Cap d'Antibes, un coche Alfa Romeo completo, con chófer y acompañante, y una caballeriza de aristócratas enmohecidos a los que tratará con la atención distraída y afectuosa conque un anciano duque dice buenas noches a su criado.

Aquel sueño atravesado en mi camino no pertenecía a ninguna de esas categorías; ni siquiera era de este mundo. Era inclasificable: tan remota y clara como el agua de la montaña, tan evasiva como su color.

Los comienzos de Edward Burns (III)

2010-10-12T12:31:00.005+02:00

Última parte.
Continúa de la entrada anterior...

Unas semanas más tarde, mi suerte cambió. Inscribí Los Hermanos McMullen en el Mercado de Cine Independiente como trabajo en curso. Bob Hawk, uno de mis primeros fans, vio la película y se la recomendó a la periodista Amy Taubin, del Village Voice. Después ella escribió un artículo haciendo una bonita mención hacia la película (la primera y última vez que espero algo así del Village Voice). Su única crítica fue "nulo atractivo comercial". Supongo que puedo aguantar ese tipo de críticas. Tras la publicación del artículo, volví a enviar la cinta a todas las compañías de distribución. Recibí más cartas de rechazo, pero podía sentir que la bola comenzaba a rodar.

A través de un amigo conseguimos hacerle llegar una copia de la película a David Evans, un ejecutivo de la Twentieth Century-Fox. A David le encantó y mostró un especial interés personal hacia ella. Después él mismo se la envió a Tom Rothman, que estaba al cargo de Fox Searchlight. A Tom también le gustó y me llamó para decírmelo, pero Searchlight no podía comprometerse a hacer nada por el momento. Le envié otra copia a James Shamus de Good Machine, una productora independiente de Nueva York. Nada más ver la película me dijeron que había algo en ella que les gustaba, y me ayudaron a editar un nuevo montaje de 98 minutos de duración. También pensé que necesitaría a un abogado para manejar todo el marco jurídico de las cosas, y conocí a un gran tipo llamado John Sloss, que representaba a John Sayles, uno de mis héroes, así que le contratamos y la bola siguió rodando.

El 12 de Noviembre de 1994 recibí una llamada del Festival de Cine de Sundance para darme la mejor noticia de mi vida, Los Hermanos McMullen había sido seleccionada a concurso. Pero ahora teníamos un nuevo problema, el festival era dentro de dos meses y todavía necesitábamos algo más de dinero para acabar el nuevo montaje y pasar la película de 16mm a 35mm. Así que llamamos a nuestro amigo Tom Rothman de Fox Searchlight, que nos ayudó con todo para terminar la cinta definitiva justo dos días antes del estreno en Park City, Utah.

Puesto que habíamos acabado el nuevo montaje apenas 48 horas antes, aquella era la primera vez que veía el resultado final de principio a fin proyectado en una pantalla. Ninguna persona sentada en aquellas butacas había oído hablar nunca de mí ni de la película, así que supongo que fueron sin ninguna expectativa. Durante la primera secuencia, todos empezaron a reír de forma continuada, y cuando ya íbamos por la mitad, una señora que estaba sentada a mi lado se me acercó al oído y me dijo, "No te preocupes, les está encantando". Al finalizar, se podía sentir un entusiasmo general en toda la sala que jamás podría haber imaginado. En aquel momento supe que mi vida ya no volvería a ser la misma.

Inmediatamente después de la proyección fui asaltado por una horda de productores y agentes de Hollywood que me dejaron cerca de doscientas tarjetas de negocios en las manos. Por supuesto, primero teníamos que comer, y luego a lo mejor podríamos viajar a Los Angeles. Para este tipo de cosas siempre tienes que viajar a LA. Más tarde decidí coger todas esas tarjetas y las añadí voluntariamente a mi colección de cartas de rechazo. Fue una forma fácil de decicir que no firmaría ningún contrato con ninguno de ellos. Aquella noche le vendimos la película a Tom Rothman y a Fox Searchlight, y un mes después ellos mismos nos dieron luz verde para empezar a rodar She's the One.

Nice Guy Johnny, su nueva película, estará disponible el próximo 26 de Octubre en todo el mundo.
http://www.edwardburns.net/

Los comienzos de Edward Burns (II)

2010-10-09T14:01:00.005+02:00

Continúa de la entrada anterior...

Al salir de la escuela de cine comencé a buscar trabajo en el negocio del entretenimiento. Durante cuatro años trabajé como asistente de producción en las oficinas de Entertainment Tonight en Nueva York. Mis principales responsabilidades eran conducir un coche alrededor de Manhattan, llevar las luces y trípodes, y conseguir café para cualquiera que lo pidiera. La gran ventaja era que durante las filmaciones, tenía bastante tiempo libre para hacer lo que me diera la gana, así que me metía en alguna oficina vacía y empezaba a escribir guiones. En los primeros dos años escribí cuatro guiones y los envié a varias productoras y agentes que yo mismo me encargaba de localizar.

Si os dedicais a esto deberíais saber que la parte más complicada de escribir un guión no es escribirlo en sí, sino encontrar a alguien del negocio que pueda leerlo después. Así que todos los días escribía, llamaba y buscaba a alguien que me pudiera ayudar, pero no hacía más que recibir cartas de rechazo, unas doscientas tenía ya en mi colección, lo que me hizo sentir como un auténtico perdedor. Habían pasado ya tres años desde que hice Hey Sco, y no conseguía llegar a ninguna parte como guionista, de hecho, John Tesh, el presentador principal de Entertainment Tonight ni siquiera conocía mi nombre, aunque como el plató principal estaba en Los Angeles no había ninguna razón para que lo supiera.

Un día mi padre decidió llevarme a comer fuera. Quedamos en la taberna White Horse, en el West Village, y nos tomamos unas hamburguesas y varias cervezas. Yo empecé a contarle sobre el asco que me producía Hollywood por no darme una oportunidad. Entonces él me miró y me dijo: "si eres cineasta, ¿por qué simplemente no haces una película? ¿por qué necesitas a Hollywood?" Intenté convencerle de que eso no era precisamente una tarea fácil, y que para conseguirlo necesitaría al menos un millón de dólares. Él me contestó que eso eran gilipolleces y me preguntó que cuánto me había costado hacer Hey Sco. Le dije que cerca de tres mil dólares. Después él me volvió a preguntar que cuánto duraba aquella película, yo le dije que quince minutos, hasta que finalmente dedujo, si Hey Sco te costó tres mil dólares y duraba quince minutos, ¿por qué no puedes hacer una película de noventa minutos con dieciocho mil dólares? Le dije que no lo había pensado nunca de esa manera. Mi padre me sugirió que dejara de lloriquear y escribiera un guión que costara unos dieciocho mil dólares. Al día siguiente, entre los descansos en el trabajo, me senté y comencé a escribir el guión de Los Hermanos McMullen.

Por aquellos años se acababan de estrenar películas como Laws of Gravity de Nick Gomez y Metropolitan, de Whit Stillman. El presupuesto de la primera fue de cuarenta mil dólares, y el de la segunda de doscientos mil. Ellos me sirvieron de motivación y también como inspiración para lo que yo estaba intentado hacer. Lo primero en lo que pensé a la hora de escribir el guión fue en localizaciones en las pudiera rodar gratis. Aquello incluía la casa de mis padres, los apartamentos de mis amigos, Central Park, y las calles de Nueva York. Pero sabía por experiencia que lo que más me costaría sería conseguir un buen casting con tan poco dinero, así que por ese motivo también decidí incluirme yo mismo en el reparto.

Pertenezco a una familia católico-irlandesa, y mis amigos y yo siempre nos preguntábamos por qué no había películas que contaran la vida de personas como nosotros. Hemos visto a los italo-americanos con Scorsese y Coppola, a los judíos americanos con Woody Allen y Barry Levinson, y a los afroamericanos con Spike Lee y John Singleton. Por lo tanto, yo quería hacer algo que retratara cómo es la vida en Nueva York de una familia católico-irlandesa. También me interesaba explorar la relación que hay entre los hermanos, que es completamente diferente a la que puedes tener con tus amigos, padres, hermanas o novias. Tres meses después terminé un primer borrador del guión y elaboré un presupuesto que se elevaba hasta los veinticinco mil dólares. Entre mi padre y algunos de sus amigos conseguí diez mil, un dinero que al menos me dejaría comenzar el rodaje. Mi idea para después era cortar varias escenas y montar un primer tráiler que usaríamos para conseguir el resto del presupuesto.

Dick Fisher, uno de los cámaras con los que estaba trabajando en Entertainment Tonight, aceptó filmar la película y nos prestó de todo: la cámara, el equipo de sonido, su coche, su apartamento y varias cosillas más. El resto del equipo lo formaban buenos amigos míos que se prestaron a darme su tiempo sin cobrar un duro. Si no conseguíamos vender la película ya me veía pagando favores durante el resto de mi vida. Lo siguiente fue conseguir el casting, así que publiqué un anuncio en la revista Back Stage: "Película sin presupuesto busca actores irlandeses - Sin Remuneración - Comidas Incluidas". Recibí cerca de quince mil respuestas en apenas tres semanas, y pensé, bueno, esto va a ser fácil. No resultó ser el caso.

Empezamos a rodar en Octubre de 1993 y fue muy duro. No os podéis ni hacer una idea de lo complicado que es coordinar un rodaje en localizaciones públicas y sin haber pagado un centavo por ellas, ni por el equipo, ni por el material de rodaje, y conseguir un reparto de actores durante sólo un día cuando lo único con lo que les puedes pagar es con la promesa de dos porciones de pizza para comer. Durante los tres siguientes meses tan sólo habíamos podido rodar seis días, sin embargo, ya teníamos algo más de la mitad de la película. Con mucho esfuerzo conseguíamos rodar cerca de doce páginas de guión cada día, y a pesar de todos los contratiempos, tengo que admitir que esos seis días han sido los seis días más grandes de toda mi vida.

Entonces comenzó el desastre. Los diez mil dólares volaron cuando me vi obligado a ingresar en el hospital para una apendectomía de emergencia. El día que salí del hospital, a Dick Fisher le diagnosticaron una hernia discal que le mantuvo fuera más de un mes, y a todo esto hay que añadirle dos de las peores tormentas de nieve que la ciudad de Nueva York ha vivido en años. El rodaje se pospuso hasta Marzo, cuando nos reunimos todos en el apartamento de uno de mis actores principales, Jack Mulcahy (Porky's), para discutir qué iba suceder con todo. Allí me aseguraron que el equipo seguiría conmigo hasta el final. Mi padre me prestó otros cinco mil dólares, y después, Irving Young, de DuArt Film Labs, nos salvó el día concediéndonos el resto del presupuesto para terminar la película. El rodaje se puso en marcha de nuevo en Saint Patrick's Day, un buen augurio. Filmamos doce días durante las siguientes seis semanas, y acabamos a finales de Abril, ocho meses después del comienzo.

Después, Dick y yo editamos la película durante los siguientes meses. Hicimos un montaje de dos horas en VHS y enviamos copias a todas las compañias de distribución del país, grandes y pequeñas, incluyendo Miramax, New Line, Paramount, Sony Classics y Sam Goldwyn. Lo único que recibí fueron más cartas de rechazo para añadir a mi colección, y todas decían exactamente lo mismo: "Aunque su película promete, por el momento no se ajusta a nuestras necesidades de distribución". Así que probé a enviarla a festivales, pero nada, todos me rechazaron, incluyendo el Festival de Cine de Hampton, y eso que yo soy de Long Island ¡por Dios Santo!

Volví a quedar con mi padre para tomar unas cervezas en la taberna White Horse y hablar sobre mi futuro en el cine. Mi viejo me escuchó atentamente cuando le conté lo injustos y sucios que son los festivales y las compañías de distribución. Estaba en el filo de la navaja y sin saber qué hacer en la vida. Él me preguntó entonces si quería hacer el examen para la academia de policía a finales de mes, yo, por supuesto, le dije que no, que lo que quería era ser cineasta. Él me contestó, bueno, has hecho una película hijo, ya eres cineasta. Yo no opinaba lo mismo, después mi padre me dijo que cerrara el pico, y que si realmente había disfrutado tanto escribiendo y dirigiendo no tenía que importarme una mierda lo que pensaran esos capullos de Hollywood sobre mi trabajo, me dijo que si lo había disfrutado tanto, que dejara de lloriquear de nuevo y que volviera a hacer otra película, y que si ésa tampoco les gustaba, que hiciera otra, y otra, y otra, pero que si hacía esto por ser un pez gordo de Hollywood y asistir a fiestas con famosos que me olvidara del tema. Esa misma noche comencé a escribir el guión de She's the One.

continuará... (en tres días la tercera y última parte)

Los comienzos de Edward Burns (I)

2010-10-01T18:40:00.010+02:00

Aunque quizás os suene más su cara como actor (Salvar al soldado Ryan, The Holiday, Confidence), Edward Burns es sobre todo un buen guionista y director de cine que empezó su carrera con una película llamada 'Los hermanos McMullen', ganadora del Premio Especial del Jurado en el Festival de Sundance del 95. Después le seguirían otras como She's the One, con Cameron Diaz y Jennifer Aniston, No Looking Back, o mi favorita de toda su filmografía: Las aceras de Nueva York, con Heather Graham, Rosario Dawson, Stanley Tucci, Dennis Farina y la desaparecida Brittany Murphy. Ahora está a punto de estrenar 'Nice Guy Johnny' en iTunes, una película de muy bajo presupuesto, y desde aquí se le desea toda la suerte del mundo en su personal batalla contra Hollywood, la que lleva librando desde hace años.

Para mí, Ed Burns es todo un referente a la hora de escribir y creo honestamente que sus comienzos en el cine y su continuación en esta industria son todo un ejemplo de lucha y superación. Sin duda un modelo a tener en cuenta. Éste es su propio testimonio:

Cuando tenía doce años, todo lo que siempre había querido hacer en la vida era jugar con los New York Knicks. Me pasaba cerca de seis horas al día entrenando y trabajando mi tiro en suspensión. Mis amigos y yo incluso quitábamos la nieve de las canchas de Grant Park para tener nuestra dosis diaria de baloncesto. Creía que así podría seguir los pasos de mi héroe, Chris Mullin. Desafortunadamente, ningún ojeador vino a verme jugar en el instituto y mi sueño de ser profesional quedó en nada.

Al año siguiente me fui a estudiar periodismo deportivo en Albany. Pensaba que si no podía jugar con los Knicks, al menos sí que podría escribir sobre ellos, lo que ocurría es que yo no era precisamente un estudiante modelo y apenas me pasaba por el campus una vez a la semana hasta que oí hablar de una clase llamada Apreciación Cinematográfica, a la cual me apunté. He de decir que en ese momento de mi vida no tenía mucho interés en el cine, de hecho mi idea de una gran película era aquella que mostrara cualquier desnudo frontal. Así que, como os podréis imaginar, mi voto para la mejor película del año 1982 fue para Porky's. Pero aquello cambió pronto, durante el primer semestre estudié las películas de Hitchcock, Welles, Ford, Wilder y otros maestros, y un nuevo sueño nació en mi interior.

Aquel año ya escribí mi primer guión, titulado 'Apple Pie'. Como la mayoría de primeros guiones, era una historia semiautobiográfica acerca de mi adolescencia. Pensaba que era brillante, tanto, que se me pasó por la cabeza enviar mi obra maestra a algún estudio de Hollywood que quizá malinterpretara y masacrara mi visión. Así que llamé a mi padre y le conté sobre mi nuevo sueño. Le dije que dejaría la universidad de Albany a final de año y que me matricularía en algún curso de la NYU Film. Mi padre me escuchó atentamente, pero me dijo que le echara un vistazo a su salario y reconsiderara lo de la NYU. Lo hice y encontré el Hunter College, cuya matrícula costaba mucho menos, cerca de 600 dólares por semestre.

Conocía a un montón de chicos que querían estudiar cine al salir del instituto, y querían hacerlo en alguna de las grandes escuelas de cine como NYU, UCLA o USC, pero lo que no sabían es que ninguna escuela te puede enseñar a apasionarte, ni a darte una visión personal, ni a tener agallas para seguir escribiendo guiones cuando las cartas de rechazo se te acumulen en casa, y dejadme deciros por experiencia que las cartas de rechazo se os acumularán a montones. Lo que necesitas es amar el cine, el deseo de poder aprender todo cuanto te sea posible, y con suerte, unos cuantos profesores que se preocupen por sus estudiantes. Eso era precisamente lo que yo tenía en Hunter College.

La primera clase que dí fue con el profesor Everett Aison. El primer día nos preguntó quién de nosotros estaba interesado en ser director de cine. La clase entera levantó las manos. Después nos preguntó si alguno de nosotros tenía experiencia en el mundo de la interpretación. Cuatro estudiantes levantaron la mano. Yo no fui uno de ellos. A continuación, el profesor Aison nos dijo que si no sabíamos nada de interpretación cómo demonios les íbamos a contar a los actores lo que queríamos que hicieran. De esa forma, en cada clase, cada uno de los estudiantes nos fuimos distribuyendo los roles en grupos de cuatro, uno era el guionista, otro el director, y el resto los actores. Así fue como empecé a escribir, a dirigir y a actuar.

Llegué a rodar tres cortometrajes en Hunter College, dos de ellos fueron horribles, pero el primero, titulado Hey Sco, no estaba mal. Era una comedia negra de quince minutos sobre un par de perdedores de Long Island que matan a su mejor amigo y lo entierran en la yarda cincuenta del campo de fútbol del instituto. Rodamos las quince páginas de guión en seis horas, y supongo que ése fue el comienzo de mi carrera en el cine. Después envié el corto a todos los festivales del país, y no fue aceptado en ninguno.

En Septiembre también envié Hey Sco al Mercado de Cine Independiente, que aunque no es un festival en sí, suelen coger a casi todo el que inscribe su película. Por lo menos ellos me dieron la oportunidad de poder mostrar mi obra en un teatro, que es una de las experiencias más excitantes y aterradoras de las que podréis disfrutar en la vida. Os asegro que ver por primera vez en la pantalla las imágenes y los diálogos que yo había escrito fue uno de los momentos más increíbles que he vivido. Después pensé, "mi sueño se ha hecho realidad, ya soy cineasta".

continuará...

Coming Soon

2010-09-15T12:33:00.006+02:00

A continuación hago una breve lista de algunas películas que me interesan y que espero ver próximamente o a largo plazo en los cines o en la tele. Quizás a vosotros también os pueda atraer alguna.

127 Horas
Presentada esta semana en el Festival de Toronto, '127 Horas' está basada en un acontecimiento real que el alpinista Aaron Ralston sufríó en las montañas de Utah al quedar atrapado por una roca. Dirige el enorme Danny Boyle (Trainspotting, 28 días después, Sunshine, Slumdog Millionaire), y escribe el guión junto a su fiel escudero Simon Beaufoy. Ya se ha empezado a hablar sobre todo de la gran interpretación de James Franco, que puede optar a premios importantes.

Hereafter
'Hereafter' es la última película dirigida por Clint Eastwood, sinónimo de buena calidad. En esta ocasión nos trae un thriller sobre la vida y la muerte que se centra en tres personajes principales: un americano con la habilidad de comunicarse con el más allá, una periodista francesa que ha tenido una experiencia cercana a la muerte y un niño londinense que busca respuestas. El guión se lo ha escrito el reconocido Peter Morgan, creador de los guiones de The Queen o Frost/Nixon. Su fecha de estreno en España está prevista para Enero del 2011.

Nice Guy Johnny
Probablemente 'Nice Guy Johnny' no llegue a ser una gran película, pero yo tengo una predilección especial por Edward Burns como guionista y director (Los hermanos McMullen, She's the One, Las aceras de Nueva York). Burns fue además la primera persona en estrenar una película en iTunes antes que en los cines, un pionero en toda regla. El tráiler de su nueva película no aclara demasiado sobre el argumento, pero a mí me entraron ganas de verla. En cualquier caso habrá que esperar hasta finales de Octubre, cuando de nuevo estará disponible en la red.

Kisses
Película irlandesa del 2008 que se ha estrenado este verano en Estados Unidos y de la cual tengo mis dudas sobre su futura disponibilidad en España. 'Kisses' cuenta la historia de dos niños que se escapan de casa en Navidad para compartir una noche única por las calles de Dublín. 72 minutos de metraje escritos y dirigidos por Lance Daly.

Blue Valentine
Ya he hablado de esta película aquí. 'Blue Valentine', de Derek Cianfrance fue presentada en Sundance y en Cannes, y tardó doce años en ver la luz. Con la fabulosa Michelle Williams y el no menos extraordinario Ryan Gosling, Blue Valentine cuenta la evolución de un pareja rota desde el momento en que se conocieron hasta el día de hoy, cuando ambos intentan darse una última oportunidad, una última noche para salvar su amor.

Los comienzos de... Noah Baumbach

2010-09-08T13:46:00.003+02:00

Sabemos muchas cosas sobre sus películas o sobre los actores que aparecen en ellas, pero considero más que interesante conocer cómo fueron los comienzos en el cine de gente a la que admiro y sigo con frecuencia. Hoy, como no podía ser de otra manera, os contaré cómo hizo su primera película Noah Baumbach, aquella a la que empezaría llamando Fifth Year para terminar como Kicking & Screaming, una de las comedias independientes más elogiadas de los 90.

Pues bien, todo comenzó en el año 1991, Noah Baumbach había escrito y dirigido algunas obras de teatro como estudiante en Vassar College, y fue en esa época cuando se le ocurrieron dos ideas para hacer una película. Una de ellas trataba sobre la estrecha amistad que él mismo había compartido con tres compañeros de instituto, y la otra, sobre gente que se gradua en la universidad pero nunca se atreve a abandonarla. Sólo con eso, Noah y su gran amigo Oliver "Bo" Berkman empezaron a tomar notas para una futura historia.

Tras abandonar Vassar College, Noah se trasladó a Chicago, donde empezó a desarrollar el verdadero guión a la vez que improsivaba alguna de las escenas con su otro amigo y actor Carlos Jacott. Ninguno de ellos tenía la menor idea de si algún estudio de cine estaría interesado en producirlo, pero al menos había que intentarlo, y Baumbach se fue a vender la historia acompañado por sus dos compañeros de piso Jason Blum y Jeremy Kramer, que más tarde aparecerían como productores asociados. Tras una larga búsqueda, la única productora que se interesó en el proyecto fue la diminuta Trimark Pictures, que les impuso dos condiciones. La primera, que la película se debía rodar en Los Angeles y de ninguna manera en alguna universidad del este como Vassar, y la segunda condición, que Eric Stoltz apareciera en ella. Por lo tanto, como Baumbach no tenía ningún papel para él, se vio obligado a reescribir el guión para introducir a su personaje. Personalmente, el papel de Chet creo que fue uno de sus mayores aciertos aunque no estuviera pensado desde el principio.

Con todo listo y un presupuesto de poco más de un millón de dólares, Noah rodó su película en apenas 24 días, los mismos que tardaría en rodar su futura obra maestra, The Squid and the Whale. Antes de que Fifth Year llegara al mercado en el año 1995, también le obligaron a cambiar su título por el de Kicking & Screaming, y llegó a recaudar unos 700.000 dólares, no demasiado. Sin embargo, los críticos la alabaron por su "sofisticado e inteligente guión", y en poco tiempo se convirtió en uno de los grandes clásicos para la Generación X.

I Love Sarah Jane

2010-09-01T11:57:00.002+02:00

Empieza Septiembre y empezamos con un cortometraje del año 2008, I Love Sarah Jane, dirigido por el australiano Spencer Susser, que cuenta la historia de Jimbo, un niño enamorado de una chica en un mundo desolador y apocalíptico. A mí me recuerda muchísimo al mundo de la extraordinaria 28 días después del siempre original Danny Boyle, ya veréis. Los intérpretes principales son Brad Ashby y Mia Wasikowska, a la que no debemos perder de vista y a la que ya hemos visto en la serie En Terapia, además de protagonizar Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton y de The Kids Are All Right, la próxima peli indie de Lisa Chodolenko, que ha acaparado ya buenas críticas en USA.

Make The Girl Dance - Baby Baby Baby

2010-08-13T16:46:00.003+02:00

Punch-Drunk Love / The Troggs

2010-07-29T12:38:00.008+02:00

A pesar de este relajante periodo vacacional, hoy voy a actualizar para hablar un poco de amor, porque las dos recomendaciones que os traigo son ejemplares en este tema. Lo primero una película, 'Punch-Drunk Love', posiblemente la gran obra maestra de Paul Thomas Anderson hasta el día de hoy, aunque es difícil de decir puesto que también ha parido 'Boogie Nights', 'Magnolia' o 'There Will Be Blood', y por otra parte, una joya de grupo musical de los 60, The Troggs, autores de temas muy conocidos que seguramente ni sabíais que fueran suyos.

Punch-Drunk Love
Protagonizada por el único y sublime Adam Sandler en uno de los mejores papeles de toda su carrera cinematográfica, cuenta la historia de Barry, un hombre tímido, con mucha ira contenida dentro y estresado hasta la saciedad por sus siete hermanas. Un día Barry conoce a Lena, una mujer interesada mucho en él y dispuesta a intentar iniciar una relación que despierte todos los sentidos y la personalidad que Barry lleva consigo. Conocida como Embriagado de amor en España, la película es visualmente extraordinaria, como todas las de PTA, con un argumento simple y bien desarrollado que nos muestra todo lo que podemos ser capaces de hacer cuando de verdad amamos a alguien. Una delicia y una sorpresa de solamente hora y veinte minutos de duración, tiempo suficiente para crear una auténtica masterpiece. También aparecen en el reparto Emily Watson, Luis Guzman y Philip Seymour Hoffman.

The Troggs
Inicialmente conocidos como The Troglodytes, la banda se formó en la década de los 60, y aunque a día de hoy aún continúan tocando, sus mayores éxitos siguen siendo de esa época. Sus mayores bazas eran la voz y las composiciones del genial Reg Presley unidos a los inmensos riffs de sus guitarras, únicamente comparables a los de The Kinks, con quienes guardan cierto parecido. Algunas de sus canciones más famosas son Wild Thing y With a Girl Like You:

The Troggs - Wild Thing

The Troggs - With a Girl Like You

Pero mi favorita es indiscutiblemente Love is All Around, escrita por Presley en el 67 y popularizada en los 90 por el grupo Wet Wet Wet, un tema cien por cien Troggs.

Anna y Alex

2010-07-15T11:58:00.002+02:00

Lo que vais a ver a continuación es para mí el mejor fragmento de la irregular New York, I Love You. Lo dirige Yvan Attal, un tipo que me cae bastante bien, y lo protagonizan Chris Cooper y la maravillosa Robin Wright, una mujer que al igual que el vino, mejora con los años. Enjoy yourself.

Conociendo a Liz Meriwether

2010-07-09T12:15:00.005+02:00

Y os estaréis preguntando, ¿quién demonios es Liz Meriwether? Pues Liz Meriwether es una dramaturga y guionista de 28 años que está empezando a causar sensación en Los Ángeles. Una más de ese nuevo imperio femenino que se está forjando en la ciudad. Graduada en la universidad de Yale, empezó escribiendo y actuando en obras de teatro en Nueva York. Ha estrenado recientemente en Broadway una nueva obra llamada Oliver Parker!, que cuenta la relación entre un suicida de 17 años y su mentor, un alcohólico de 60 interpretado por John Larroquette, y tiene ya varios proyectos a los que dar salida, el más inmediato se titula 'Friends with Benefits', que ya está dirigiendo Ivan Reitman (Los Cazafantasmas), padre de Jason Reitman (Juno, Up in the Air), y que contará con Ashton Kutcher, Natalie Portman, Kevin Kline y la sensacional Greta Gerwig como protagonistas.

Por lo que he podido descubrir, Liz cuenta sus historias desde un punto de vista que tira a lo cómico, aprovechando circunstancias de lo más bizarras. También dice que se ha visto inspirada por Woody Allen, por las screwball comedies y por los guionistas de la serie '30 Rock'.
En este último guión nos habla sobre dos amigos que tratan de mantener una relación puramente sexual y alejada de cualquier tipo de romanticismo. Ah, por cierto, Friends with Benefits, anteriormente conocida como Fuckbuddies, estuvo en la famosa y ya nombrada aquí Lista Negra de mejores guiones sin producir del año 2008. Sobre sus siguientes trabajos, hay otro que parece que ya va tomando forma: 'Maynard & Jennica', que producirá el tío con mayor olfato para la calidad en los últimos años, Scott Rudin. A continuación os dejo con una pequeña recopilación de preguntas y respuestas a Elizabeth Meriwether.

¿Cómo de diferente es el mundo del cine al del teatro?

En uno es más difícil desconectar que en otro. En el cine, cuando has terminado de rodar la escena, se acabó, ya no puedes mejorar el resultado. En el teatro sin embargo puedes volver atrás y ensayar y mejorar día tras día. Es diferente, pero espero no verme nunca en la situación de tener que decidir por elegir uno u otro.

Con Friends with Benefits parece que le vas a dar una vuelta de hoja a la comedia romántica explorándola más a fondo desde la experiencia femenina.

La gente tiende a encasillar los papeles femeninos, pero lo cierto es que las mujeres pueden ser todo al mismo tiempo. Por ejemplo, la chica puede ser una prostituta que quiere enamorarse, o que quiere divertirse, pero al mismo tiempo, su condición no quiere decir que tenga que dejar de ser una persona inteligente.

¿Con qué género te sientes más cómoda escribiendo, con el drama o con la comedia?

Me gustan ambos, pero sobre todo me gustan esos trabajos donde no sabes muy bien si reírte o no. Generalmente suelo escribir sobre personajes que están en el filo de la navaja, sobre gente que trata de conectar entre sí sin demasiado éxito. Me empujan esos momentos donde la vida real de las personas pasa a ser de lo más absurda. Momentos de dolor, de aburrimiento o de furia extrema, pero sin llegar a perder la comicidad.

¿Y cómo llevas eso de estar volando todo el día de un lado a otro del país?

Es un momento único en mi vida y estoy realmente cansada, pero me lo estoy pasando bien. De hecho, el otro día pude ver 'Hachiko', esa película de Richard Gere que va sobre un perro, algo que jamás habría visto de no haber estado en pleno vuelo.

Tengo que hablar de lo de "The Fempire", vuestro grupo de guionistas chicas compuesto por Dana Fox (What Happens in Vegas), Diablo Cody (Juno), y Lorene Scafaria (Nick and Norah's Infinite Playlist).

Aquello fue una broma que se nos fue de las manos. Nosotras no somos de ésas que se sientan alrededor y comentan lo maravillosas que son, aunque nos llamáramos a nosotras mismas "The Fempire". Lo cierto es que hay muchas otras mujeres que también son guionistas a pesar de verse sobrepasadas en número por hombres. La industria del cine sigue siendo una industria que está mayoritariamente dominada por hombres, así que supongo que para nosotras puede ser fácil sentir celos en algunos momentos, aunque no es un sentimiento únicamente nuestro.

Fuentes:
Kate Blanch (Interview Magazine, 2010)
Steffie Nelson (Variety, 2009)
David Rooney (The New York Times, 2010)

Lejos de ella / Metric

2010-06-29T12:40:00.004+02:00

Hoy os voy a hablar de un par de descubrimientos que para mí son relativamente recientes. Lo primero, 'Away From Her', una película que la jovencísima, talentosa y polifacética Sarah Polley escribió y dirigió en el año 2006. Lo segundo, Metric, un gran grupo de música que descubrí hace unos cuatro años.

Away From Her

Lejos de ella cuenta la historia de un hombre que ve cómo su matrimonio va quedando distanciado a causa del Alzheimer de su mujer. Un guión absolutamente conmovedor y perfectamente escrito por Sarah Polley, que recibió una nominación al Oscar por dicho libreto. La película está protagonizada por la magnífica y genial Julie Christie, que recibió también su cuarta nominación a un Oscar por este trabajo, por este pedazo de papel que borda a las mil maravillas. Le acompañan en el reparto Gordon Pinsent y Olympia Dukakis, a los que no hay que desmerecer en ningún momento porque están francamente convincentes. Si no te llega directa al corazón es porque no tienes sentimientos o porque no sabes lo que es el amor. De verdad, de las mejores películas que he visto en un tiempo. Sarah Polley (actriz fetiche de nuestra Isabel Coixet) parece que tiene un futuro brillante también como autora, y estoy deseando leer y ver ya su próximo guión, Take this Waltz, con Seth Rogen, Michelle Williams y Sarah Silverman. Un guión que por cierto estuvo en la famosa lista negra de mejores guiones sin producir del año pasado. Ni qué decir tiene que de esta lista han salido trabajos como Little Miss Sunshine o Juno.

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Metric

Lo dicho, les descubrí hace relativamente poco tiempo, pero Metric, banda formada en Toronto, lleva tocando desde 1998. Lo que más me atrajo desde el principio fue la dedicación y el compromiso que tiene esta gente por su cuidado trabajo, y desde luego, la maravillosa voz de Emily Haines. Sus canciones han sido utilizadas en series como Anatomía de Grey, CSI, Gossip Girl y Entourage. Curiosamente, aunque su fuerte es el rock en vivo, a mí me gustan especialmente cuando tocan versiones de sus temas en acústico.

En algún lugar

2010-06-21T11:44:00.003+02:00

La semana pasada por fin salió a la luz el esperado tráiler de la nueva película de Sofia Coppola: Somewhere. Fiel a su estilo, puede ser el trabajo que relance la carrera del actor Stephen Dorff y también el que nos haga ver que quizás Elle Fanning puede ser mejor actriz que su hermana Dakota. A mi parecer todo resulta muy pero que MUY similar a Lost in Translation, por las imágenes se podría decir que es casi una segunda parte, pero qué queréis que os diga, yo ya estoy deseando verla. Música de Phoenix y The Strokes en la BSO. Lo que está claro es que a Sofia le gustan bastante los hoteles.

Coppola/Anderson

2010-06-12T13:12:00.006+02:00

Todos hemos sido influenciados en menor o mayor grado de alguna manera. Wes Anderson también, y además él es un director que utiliza esas referencias de un modo probablemente más visual y reconocible que otros. Aquí os traigo un ejemplo de ello. En la fotografía que veis debajo, podemos observar al grandísimo Francis Ford Coppola con su hija Sofia a hombros en el Festival de Cannes. Eran los años 70.

Treinta años después, Anderson y Baumbach escribieron el guión de The Life Aquatic, una película dedicada a Jacques Cousteau, en la que veíamos una secuencia casi calcada a la de Cannes. ¿Coincidencia? Ninguna en absoluto. Conociendo las constantes colaboraciones y el buen ambiente entre los Coppola y Wes Anderson, se me antoja algo más que premeditado.

Preguntas y Respuestas: Sidney Lumet

2010-06-08T11:27:00.006+02:00

Cuando se nombra a Sidney Lumet, todo el mundo sabe que estamos ante uno de los más grandes, por eso sobran las presentaciones. Toda una vida dedicada al cine, al trabajo, al compromiso. Este gran hombre ha parido obras maestras como 12 hombres sin piedad (visión obligatoria), Serpico, Tarde de Perros, Asesinato en el Orient Express, Network, El príncipe de la ciudad, Veredicto final o su última película del año 2007, Antes que el diablo sepa que has muerto. Yo he recogido algunas preguntas que le han realizado en los últimos años, pero a los verdaderos fanáticos de su obra, les recomendaría que se leyeran su libro Así se hacen las películas, un acercamiento total a la figura del director y al oficio del cine.

Usted lleva toda la vida trabajando en la industria del cine. ¿Ha cambiado mucho?

No demasiado. Cuando todo estaba en manos de los estudios era una pesadilla porque estabas a su merced. Ahora es parecido, sólo que los que ponen el dinero son inversores privados. Y en cierto modo son incluso peor porque no entienden nada de cine y gastas un montón de energía en convencerles de cosas obvias.

En muchas películas de Hollywood se presenta a la familia como un reducto de seguridad que debe actuar como escudo protector contra la violencia del mundo exterior. ¿Por qué muestra usted con tanta frecuencia a la familia como el ámbito donde surge la violencia?

Pues porque es así. Es más habitual que la familia sea una fuente de violencia que un refugio contra la violencia; terremotos y guerras al margen, claro. Al menos es así en Estados Unidos. Y va a peor, sobre todo porque ya no hay cohesión ni armonía en las familias. Y son precisamente los adelantos tecnológicos, como el ordenador o el móvil, los que la están destruyendo.

¿Los nuevos medios de comunicación ya no conectan a las personas?

A larga distancia, quizá sí. Pero nos aíslan de las personas que nos rodean. Hay chicos que se sientan a comer en casa y se pasan el rato viendo una película en la pantalla de su móvil, ignorando a quienes están sentados a su lado. Todo esto genera tensiones. Es algo especialmente peligroso ahora que muchos jóvenes se ven obligados a volver a la casa de sus padres porque no consiguen encontrar un trabajo cuando terminan los estudios. Y todos se vuelven a sentar juntos a la mesa, en un espacio pequeño, cada uno a lo suyo, sin ningún tipo de unión entre ellos.

Se dice que usted ya leía a Karl Marx cuando tenía ocho años.

No es cierto, una vez leí cuatro páginas de Marx y me quedé dormido. No le he vuelto a dar otra oportunidad.

Usted creció en la época de la crisis económica. ¿Intensificó aquello su conciencia política?

Y mucho. Mi sentido de la justicia, sobre todo. Los ricos pueden descansar, los pobres no. Es algo que aprendí muy pronto. Y en aquellos años también comprendí que no hay que confiar demasiado en la ley y el orden, que no puedes fiarte de todos los policías. Cuando éramos jóvenes, pasábamos mucho tiempo jugando a lanzar centavos para que cayesen lo más cerca posible de un muro. El ganador se llevaba todas las monedas. Un día pasó un policía, nos echó de allí y se quedó con las monedas. Y era un dinero. Podías comprarte cigarrillos con él.

¿Es por eso por lo que habla de policías corruptos en películas como Serpico o El príncipe de la ciudad?

¡Eso sería simplificar demasiado! Pero muchos policías son corruptos. El motivo es, básicamente, el tráfico de drogas, que afecta a todos los aspectos de nuestras vidas. Unos policías entran en una casa y encuentran 200.000 dólares procedentes de la droga sobre una mesa... nadie se va a dar cuenta si me quedo con 20.000 dólares para mí. La policía y la justicia son dos instituciones muy frágiles en Estados Unidos. En aquellos ámbitos de nuestra sociedad donde la confianza es más necesaria es precisamente donde no suele existir ninguna.

Se le considera el director más rápido de Hollywood; además, todas sus películas se ruedan en el plazo y con el presupuesto previsto...

Es probable. He trabajado durante toda mi vida y no he llegado tarde al trabajo ni una sola vez. Lo afronto todo de la misma manera. Es la única forma de mantener la disciplina en un equipo de rodaje, de que cada uno asuma que debe subordinarse a la realización de la película. No admito que la gente ande perdiendo el tiempo.

¿Y lo consigue siempre? ¿Incluso con Dustin Hoffman, que tiene fama de mantener discusiones interminables sobre su papel, lo que se traduce en continuos retrasos en los rodajes?

Dustin Hoffman es un pesado. Su forma de actuar no es el problema, él es el problema. Siempre intenta ser el centro de todo, por eso habla tanto.

Una vez dijo: «La repetición acaba con la emoción». ¿Es un director impaciente?

Algunas estrellas, como Marlon Brando o Katharine Hepburn, eran muy inteligentes. Eran conscientes de que algo no iba bien si teníamos que repetir una toma cuatro veces. Existía el peligro de perder impulso y de agotar al equipo. Hay que mantener alto el nivel de energía. Conmigo, los actores pueden hacer todas las pruebas que quieran, tengo mucha paciencia. Pero cuando dicen que están preparados, tienen que estarlo de verdad. Por eso suelo rodar las tomas una sola vez.

Paul Newman dijo de usted: «Sidney Lumet es el único hombre que conozco...»

«...que aparcaría en segunda fila delante de un burdel». Sí, lo único que no me gusta de Paul son sus malditos chistes.

Usted trabajó en televisión y en los años setenta dirigió la película Network, un mundo implacable, donde mostraba lo más aterrador de los entresijos de la tele. ¿Cómo ve ahora el rumbo de los medios de comunicación?

Es un desastre absoluto. Da miedo pensar que lo que triunfa sean los reality shows. Son increíblemente sádicos y lo que el público espera es humillación.

¿Cree que Internet puede mejorar la situación?

Se pueden crear contenidos diferentes. La gente se pasa 10 horas frente al ordenador y lo triste es que piensa que está comunicándose...

¿Por eso no tiene ordenador?

No lo necesito. Escribo a mano. Y no quiero que me impongan el estar siempre disponible. Si me buscan pueden llamarme por teléfono y dejar un mensaje en el contestador. Y en cuanto a Internet, creo que me queda poco tiempo de vida y prefiero invertirlo en aprender más sobre las personas que sobre las cosas.

Sin embargo, no se ha negado a abrazar las nuevas tecnologías para filmar.

Porque filmar en cine es carísimo, complicadísimo. Con la alta definición (HD) puedes utilizar más cámaras, tienes más luz y eso te permite darle más intensidad a las actuaciones, acercar el teatro al cine. Para mí la tecnología tiene que servir para mejorar la vida, no para complicarla. La HD es una bendición.

Nunca se ha mudado a Hollywood, alguna vez ha llegado a decir que es un sitio odioso. ¿No es algo exagerado?

Es una ciudad que no soporto. No es un lugar apto para la vida de los seres humanos. No puedes ir a ningún sitio andando, y yo no quiero pasarme el día subiendo y bajando de un coche. Aquí, en Nueva York, hay cuatro líneas de autobús y una de metro que pasan por delante de mi casa. Se llega antes a los sitios que con el coche.

Ningún director ha rodado tanto en Nueva York como usted. ¿Por qué le gusta tan poco rodar en otras ciudades?

Aquí puedo rodarlo todo. Rodé incluso una escena de una película ambientada en el sur, en la que una bandada de pájaros alzaba el vuelo desde un campo.

Fuentes:
Bárbara Celis (Diario El País, 23/05/2008)
Lars-Olav Beier (XL Semanal, 3/08/2009)

Mi Top 5 de Videoclips más Sensuales

2010-06-02T16:01:00.005+02:00

Ahora que llega el calor, qué mejor que publicar mi top5 de videoclips musicales más sensuales y sexies. También podéis añadir los vuestros.

1. Chris Isaak - Wicked Game
El número uno es indiscutible, y el que quiera discutirlo se las tendrá que ver conmigo. Chris Isaak siempre ha destacado por este tipo de composiciones musicales. Con Wicked Game, escrita en 1989, Isaak se convirtió en un ídolo musical de culto. Aquí os dejo con él y la bellísima top model danesa Helena Christensen.

2. Aerosmith - Crazy
Aquí me ha costado decidirme entre dos temazos de Aerosmith: Cryin' y Crazy, porque sinceramente, no hay nada más sexy y sensual que el final de Cryin' con Alicia Silverstone tirándose del puente, pero finalmente me he decantado por el segundo. La principal razón es que en Crazy, además de tener a Alicia Silverstone, también está la preciosa y conocida actriz Liv Tyler, la hija de Steven Tyler, el líder de la banda.

3. Chris Isaak - Baby Did a Bad Bad Thing
Y sí, de nuevo en la lista Chris Isaak con este archiconocido tema, Baby Did a Bad Bad Thing, que sirvió de banda sonora para la última película del gran Stanley Kubrick: 'Eyes Wide Shut'. Aunque mi canción favorita de Isaak siempre ha sido Graduation Day, es imposible no sucumbir a los encantos de Laetitia Casta en este clip.

4. Pereza - Margot
En el número cuatro, una incorporación nacional a la lista, Pereza y su Margot, que para ser sinceros deja muy poco a la imaginación, pero qué más podría decir, nada. Simplemente Sofía Valero montándose el fiestón sola en su casa.

5. Dean & Britta - Words You Used To Say
Como siempre suele pasar en las listas personales, la objetividad sobra, por eso yo elijo Words You Used To Say en el puesto cinco, porque Dean Wareham, aparte de tener talento es un tío con suerte, y porque ella, Britta Phillips, con 47 naturalísimos años está perfecta y sigue siendo hipnótica.

Mención Especial. Fiona Apple - Criminal
No me puedo morder la lengua, así que por eso incluyo esta merecida mención especial para Fiona Apple, por su voz, por ese toque de jazz alternativo y por supuesto, por el sugerente videoclip de Criminal. "I've been a bad bad girl..." comienza diciendo.

PD. Lo siento, pero no soy fanático ni de Madonna, ni de Christina Aguilera, ni de Britney Spears, ni de Kylie Minogue, etc, etc.

Blue Valentine

2010-05-21T11:32:00.004+02:00

La gente que me conoce o que lee este blog desde hace tiempo sabe bien de mi predilección por el cine independiente norteamericano y por todo lo que sale (o solía salir) del Festival de Sundance, la meca del cine indie. Yo siempre suelo hacer mis listas de las películas de Sundance más destacadas o las que más se asemejan a las características de mis gustos personales, porque allí se recoge una gran parte de la cosecha de lo que se verá en el próximo año. Pues bien, cuando el pasado mes de Enero concluyó el festival, apunté el título de una película en letras bien grandes, lo subrayé con colores llamativos y lo adorné con dibujitos a su alrededor. Esa película se llamaba 'Blue Valentine', como el disco de Tom Waits, y estaba interpretada por dos jóvenes genios a los que suelo seguir cercanamente, Ryan Gosling (Half Nelson, Lars y una chica de verdad) y Michelle Williams (The Station Agent, Wendy and Lucy, Land of Plenty)

La mayoría de estas películas que suelo apuntar en mi agenda nunca llegan a ser vistas, y con ésta tenía mucha ilusión pero muy pocas esperanzas hasta esta semana, cuando para mi sorpresa me entero de que Blue Valentine fue comprada en Sundance por Harvey y Bob Weinstein, ya sabéis, ese par de hermanos productores judíos que parecen tener un sexto sentido para adivinar qué puede triunfar y qué no. Y para mayor sorpresa, voy y descubro que han llevado el filme al Festival de Cannes para competir por la prestigiosa Caméra Do'r en la sección Un Certain Regard.

Me llamó la atención su historia, que se describe más adelante, la localización (Brooklyn), la pareja de protagonistas, algunas notables críticas, y que el autor tardara doce años en sacar adelante el proyecto. El guionista principal y director es Derek Cianfrance, que ganó en el año 2006 el concurso de guiones Chrysler Film Project por este trabajo. El premio fue un millón de dólares de presupuesto para rodar la película, sin embargo, cuando ya estaba todo listo para comenzar, ocurrió la trágica desaparición de Heath Ledger, la hasta entonces pareja de Michelle Williams, aun así, Derek no quiso reemplazar a la actriz y esperó a que ella se recuperara del mazazo para comenzar a grabar.

Ésta es la información que facilita el Festival de Cannes acerca de la película:
Con una narración en forma de flashback, entre pasado y presente, la película cuenta la historia de un amor perdido y de un amor encontrado, de una pareja que camina por la cornisa… Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams) recuerdan los mejores momentos de su historia y se conceden todavía el tiempo de una noche para salvar su matrimonio en la encrucijada.

"La película está construida sobre una serie de contrastes: hombre / mujer, amor / odio, luz / oscuridad, película / vídeo, etc. Encontramos esta dualidad en la estructura temporal de la película. Quería que la película funcionara como la memoria, con el pasado en forma de memoria a largo plazo, y el presente como memoria a corto plazo. Deseaba tratar estas transiciones y estas elipsis de tiempo de forma cinematográfica", explica el director.

Derek Cianfrance quiso ante todo que esta película fuera lo más honesta y realista posible, que mostrara personas y situaciones reales. Se cercioró de que así fuera tanto por el lado de la dirección de actores como en cuanto a los decorados y las localizaciones. Todo se rodó en lugares auténticos, como el geriátrico o el planning familiar. ¡Llegó hasta a contratar una auténtica empresa de mudanzas y son sus empleados los que aparecen en la película!

Disponer de 12 años para preparar la película le permitió al mismo tiempo pulir su proyecto, repasando la construcción del guión, manteniendo presente la voluntad de mantenerse abierto al instante presente y a la espontaneidad durante el rodaje. Una larga espera de la que Derek Cianfrance se muestra satisfecho, una vez concluida la aventura: "Finalmente, estoy contento de haber tenido que esperar. La película se ha visto beneficiada".

Así que ya estáis advertidos. Apuntad 'Blue Valentine' en vuestra agenda personal y soñemos todos con un próximo estreno en España. A continuación os dejo la dirección de la página oficial de la película, donde se puede ver un nuevo clip de la misma: http://bluevalentine-movie.com/

Cannes Photocall

Campions!

2010-05-18T12:42:00.003+02:00

Antes del partido crucial contra el Valladolid para ganar la Liga, Guardiola le encargó este montaje a Santi Padró de TV3 para motivar a sus jugadores. Esto fue lo que vio la plantilla antes de salir al terreno de juego. Puro arte.

El graduado / Simon & Garfunkel

2010-05-17T12:20:00.012+02:00

Con las dos recomendaciones de hoy viajamos hasta los años 60.

El graduado
Del año 1967, 'El graduado' es una de mis veinte (quizás diez) películas favoritas de la historia. Dirigida por el oscarizado Mike Nichols e interpretada por un emergente Dustin Hoffman, Katharine Ross, y uno de los sueños eróticos de toda una generación, esa preciosa mujer llamada Anne Bancroft, o lo que es lo mismo, Mrs. Robinson. El graduado trata sobre un chico, Ben, que tras volver a casa para celebrar su graduación, es seducido por la señora Robinson, la mujer de uno de los mejores amigos de su padre. Poco después, Ben se enamora de Elaine, la hija de Mrs. Robinson, un amor prohibido para él. El guión fue escrito por Calder Willingham y Buck Henry, y la banda sonora compuesta por Paul Simon y su fiel compañero Art Garfunkel.

Simon & Garfunkel
¿Quién no conoce a Simon y Garfunkel? Posiblemente uno de los dúos musicales más sonados. Crecieron juntos, fueron al mismo colegio, formaron un grupo y comenzaron a ganar fama con el estreno de 'El graduado'. Desde entonces, sus canciones han sido utilizadas una y otra vez en todos los medios audiovisuales. A destacar, The Sound of Silence, Mrs. Robinson, Bridge Over Troubled Water o April Come She Will. Sus dos voces unidas son un regalo para los oídos, una música fácil de escuchar y placentera.

Fantástico Sr. Fox: increíblemente fantástica

2010-05-14T14:13:00.003+02:00

Fantástico es el mejor adjetivo para definir el último trabajo de Wes Anderson junto a Noah Baumbach como coguionista. 'Fantástico Sr. Fox' se estrenó en España a finales del pasado mes de Abril y al fin he podido disfrutar de ella. El resultado es impagable, una auténtica delicia. Es el primer trabajo de Anderson en la animación y sin embargo parece que lo llevara haciendo toda la vida.

Como siempre, Wes mima a cada uno de sus personajes por igual, desde el primero hasta el último detalle, por no mencionar su asombroso diseño de vestuario, no dejéis de prestar atención a los modelitos de los animales. Además, quién mejor que él y Baumbach para contarnos una historia sobre la unidad de la familia. Nadie. He de decir que no he leído el cuento del reconocido Roald Dahl (Charlie y la fábrica de chocolate, Matilda, James y el Melocotón Gigante...), pero con un trabajo así, estoy seguro de que se sentiría muy orgulloso.

La historia es simple, el señor Fox trata de alimentar a su familia robándole a tres malvados granjeros que habitan en el mismo valle, hasta que un día, éstos preparan su venganza poniendo a prueba la gran astucia del zorro, que hará todo lo posible para que él y los suyos consigan sobrevivir. En la versión original escuchamos las voces de George Clooney, Meryl Streep, Bill Murray, Jason Schwartzman, Willem Dafoe, Owen Wilson y hasta la del cantante Jarvis Cocker, que tiene su propio personaje.

Debe ser una de las pocas películas de Wes Anderson que no incluye un tema de los Kinks en su banda sonora. Esta vez nos trae temas de los Beach Boys, Rolling Stones (otra vez), Burl Ives y The Bobby Fuller Four. En definitiva, una película para adultos y niños visualmente perfecta. Si debo elegir entre el 3D y esto, la decisión la tengo clara, yo me quedo con lo tradicional.
Por último, me gustaría resaltar una frase de la señora Fox: Todos somos diferentes, pero al mismo tiempo, eso nos hace fantásticos. Sin duda, le va al pelo tanto a Anderson como a Baumbach, uno de mis duetos favoritos de hoy en día.

Top Secret! / Robert Palmer

2010-05-10T11:36:00.008+02:00

Con las dos recomendaciones de esta semana nos vamos hasta los 80. Comenzamos por lo cinematográfico:

Top Secret!
Una de las parodias con las que personalmente yo más me he reído. De los creadores de 'Aterriza como puedas', los inigualables en la materia Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker. Esta vez se dejaron fuera a Leslie Nielsen, pero nos descubrieron la tremenda vis cómica de un jovencísimo Val Kilmer en el papel de una estrella del rock que se traslada a Alemania del Este y que acaba involucrado en el rescate de un científico. Es una de esas películas que me gusta recomendar porque no podrás dejar de reír con su ingente cantidad de gags. Realmente extraordinaria.

Robert Palmer
La elegancia hecha música. Robert Palmer ha sido una de las grandes pérdidas de la última década musicalmente hablando. Aunque empezó a cantar desde muy joven, alcanzó cierta fama sobre todo durante la década de los 80 con canciones como Johnny and Mary, Looking for Clues, Addicted to Love o una de mis favoritas: Simply Irresistible. No tienen desperdicio sus vistosos videoclips, la mayoría de las veces siempre rodeado de su habitual séquito de mujeres. Incluso Shania Twain llegó a parodiar el videoclip de Addicted to Love con su famoso tema Man, I Feel Like a Woman, sólo que en lugar de estar rodeada de mujeres, ella hizo lo mismo pero con hombres. En definitiva, para mí Robert Palmer ha sido uno de los grandes, por eso recomiendo no dejar de escucharle.

Que lo de Joaquin Phoenix era broma...

2010-05-09T12:20:00.007+02:00

Hoy Gregorio Belinchón escribe esta entrada en el blog Versión Muy Original de El País. Hace unos días, cuando escribía la entrada sobre Two Lovers, yo ya me temía que esto pudiera ocurrir, aunque sinceramente, tenía muchas dudas al respecto...

¿Quién no se acuerda de la aparición de Joaquin Phoenix en el show de David Letterman completamente colgado? Aquel video mostraba a un actor perdido, a un tipo que sólo balbuceaba que se iba a dedicar al hip-hop y que para él Hollywood había muerto. La semana pasada una proyección en las oficinas de WME (William Morris Endeavour), la todopoderosa agencia de representantes, levantó la liebre: Phoenix ha estado actuando todo este año para un mockumentary, un falso documental, I'm still here: the last year of Joaquin Phoenix, dirigido por su cuñado, el también actor Casey Affleck. Todo aquel extraño comportamiento era broma... ¿O no?

Recapitulación. Joaquin Phoenix va a al show de Letterman y la lía parda: una teórica entrevista de promoción de Two lovers (que por cierto, se estrena en España este próximo viernes) se convierte en uno de los vídeos más vistos e hilarantes en YouTube. Letterman -y el público asistente a su programa televisivo- flipan con el colgado que tienen delante. Phoenix ya había anunciado que dejaba el cine y que se lanzaba a conseguir la fama como estrella del hip-hop. Meses después, una bochornosa actuación en Las Vegas confirmaba su descontrol.

Pero la semana pasada comenzaron los visionados de I'm still here: the last year of Joaquin Phoenix, un documental dirigido por Casey Affleck, y la cosa se iba aclarando. Desde luego, siempre resultó sospechoso que Affleck apareciera constantemente con una cámara al lado de su cuñado cada vez que éste hacia una barbaridad. Los posibles compradores ya han desvelado varias sorpresas, como que Sean Diddy Combs (en la foto, entre los cuñadísimos) sale encarnando a un productor de hip-hop -vamos, él mismo- que apoya a Phoenix. Más aún, los que lo han visto aseguran que al final no se aclara si todo es broma o no, pero que es flipante: un enemigo de Phoenix se caga en él mientras éste duerme, Joaquin aparece esnifando coca y teniendo sexo oral con una publicista, por supuesto el ex actor desprecia a sus asistentes y ataca a todo el que se le cruza... Incluido Ben Stiller, que le ofrece un papel en Greenberg, la película de Noah Baumbach. Y hay un desnudo frontal muy subido de tono. Si el mockumentary encuentra distribuidor, va a provocar sudores muy fríos en los censores. Ahora bien, ¿volverá Joaquin Phoenix a actuar?

Las Vírgenes Suicidas / Air

2010-05-03T13:13:00.016+02:00

Para intentar mantener más actualizado el blog, he decidido hacer semanalmente una recomendación de cine y otra musical. Esta semana el turno es para 'Las vírgenes suicidas' en lo cinematográfico y para Air en lo musical.

Las Vírgenes Suicidas
El debut en la dirección de largometrajes para Sofia Coppola, que aprobó con nota seduciendo a la crítica y con el paso de los años, también al público. En ella se cuenta la historia de cinco hermanas que en plena adolescencia no tienen la libertad deseada por parte de sus estrictos padres. Ellas son la obsesión de un grupo de chicos que no pueden hacer otra cosa más que intentar averiguar la causa de su amargura. La banda sonora estuvo compuesta con temas del grupo francés de electropop Air. Mientras seguimos esperando avances de su nueva película rodada en Los Angeles, no estaría mal echarle un vistazo de nuevo a sus anteriores trabajos.

Air
Esta semana las recomendaciones están conectadas entre sí. Como acabo de decir, Air compuso la bso de 'Las vírgenes suicidas'. La banda está formada por Jean-Benoit Dunckel y Nicolas Godin, y como vuestro oído quizás pueda percibir, veréis una clara influencia en ellos de gente como Vangelis. No fue la última vez que Sofia Coppola se interesaría por grupos con este estilo de música o similar. De hecho, ella ahora sale con Thomas Mars, el músico francés líder de Phoenix (ya les tocará su turno aquí). Pues bien, Air alcanzó un gran éxito sobre todo a finales de los 90 con su famoso LP "Moon Safari", que incluía temas como Kelly, Watch the Stars!, mi favorito.

Directed by Romain Gavras

2010-04-27T14:03:00.006+02:00

El hijo del conocido y gran realizador franco-griego Costa-Gavras vuelve a la acción para promocionar el nuevo disco de la artista y rapera de Londres conocida como M.I.A. Romain Gavras ya tiene experiencia en la realización de clips musicales, y ha trabajado con anterioridad para bandas como Justice, uno de los pocos conjuntos de música techno que me gusta escuchar en la actualidad. Su colaboración con ellos ya estuvo rodeada de una fuerte controversia.

El cortometraje/videoclip que ahora presenta, 'Born Free' está siendo de lo más sonado y visto en la red en estos momentos a pesar de haber sido retirado ya de varios portales web. Personalmente creo que el trabajo es todo un prodigio en cuanto a dirección, fotografía y edición, sin embargo, la polémica vuelve a estar servida en cuanto a su contenido, ¿vosotros qué opináis?

M.I.A, Born Free from ROMAIN-GAVRAS on Vimeo.

21 Gramos (Transición Emocional)

2010-04-24T15:59:00.005+02:00

A continuación pasaré a transcribir una secuencia del guión de la película '21 gramos', escrita por Guillermo Arriaga y dirigida por Alejandro González Iñárritu. El texto está extraído directamente del guión original, así que no os penséis que de la noche a la mañana me he vuelto mexicano. En la escena se puede reconocer claramente una transición emocional que comienza con un valor más o menos positivo entre los personajes, y que a través de un golpe de efecto se convierte en negativo. Esto es a grandes rasgos lo que cualquier buena secuencia cinematográfica debería comprender. Debe haber un cambio de valores, bien de positivo a negativo como veremos ahora, o bien a la inversa.

EXT. CASA CRISTINA - NOCHE

Paul toca el timbre. Abre Cristina, se le nota medio borracha. Paul se saca un poco de onda al verla así.

INT. VESTÍBULO CASA CRISTINA - NOCHE

Paul entra al vestíbulo y cierra. Se quedan viendo un momento sin hablarse. A ella se le percibe muy ansiosa.

PAUL: Hola...

Cristina no le contesta. En su cabeza parecen bullir las palabras y no encuentra el modo de decirlas.

PAUL: ¿Estás bien?

Ella lo mira a los ojos, baja por un momento la mirada y vuelve a mirarlo.

CRISTINA: Me dejaste pensando todo el día, ¿sabes? Desde hace meses no he querido hablar con nadie y a ti casi no te conozco y ya necesito hablar contigo. (pausa) Y hay una cosa que por más vueltas que le doy no entiendo: ¿por qué me dijiste que te gustaba?

Paul se acerca y le acaricia el cabello. Ella se quita.

CRISTINA: Respóndeme, porque no me pareció nada que me lo hayas dicho. Nada.

Cristina parece a punto de quebrarse. Sus movimientos son atropellados. Cambia su mirada de un lugar a otro.

CRISTINA: No puedes llegar a una mujer sin conocerla y decirle que te gusta. N-o p-u-e-d-e-s. No sabes lo que ella vive, lo que ella siente.

Cristina se detiene y cierra los ojos. Farfulla algunas frases ininteligibles en voz baja. Paul se acerca y vuelve a acariciarle el cabello. Cristina se deja. Abre los ojos y lo mira fijamente.

CRISTINA: No estoy casada, ¿sabes? No estoy nada en este mundo. Simplemente no estoy...

Cristina no puede más y abatida se abraza a él. Paul le acaricia la cabeza tratando de tranquilizarla. Ella alza la cara y se separa ligeramente de él. Lo mira unos segundos, levanta las manos y empieza a besarlo en la boca.

Paul no sabe si responder o no al beso, pero se deja llevar. Los besos pasan a un faje y sin dejar acariciarse se recargan en la pared.

Cristina lo besa con desesperación, un poco descontrolada. Paul se aparta de ella y le coge las manos. Cristina trata de volver a besarlo, pero él la detiene.

PAUL: Cristina, quiero que sepas algo.

Cristina, aún agitada por la excitación, trata de acercarse, pero Paul le vuelve a marcar el alto

PAUL: Cristina, escúchame.

Cristina se hace hacia atrás, dispuesta a escuchar.

PAUL: A mí me trasplantaron el corazón de Michael.

Cristina lo mira, desconcertada.

PAUL: Me lo trasplantaron el dos de mayo en el
hospital San Jorge...

El rostro de Cristina empieza a endurecerse.

CRISTINA (en voz baja): Lárgate de mi casa.

Paul trata de tomarle la mano y ella se zafa.

PAUL: Cristina... yo traté de...

Ella lo mira con rabia.

CRISTINA: Cómo te atreviste a venir... Lárgate.

Paul trata de decir algo más, pero Cristina le suelta un derechazo en la quijada que él no puede esquivar. Ella trata de volver a golpearlo, peor él le detiene las manos.

PAUL: Estoy aquí por algo, ¿no entiendes?

Cristina se suelta con violencia.

CRISTINA: ¿Por qué no me lo dijiste antes? ¡Carajo! ¿Por qué?

Paul se pone de pie también y la confronta.

PAUL: Cristina... tú...

Ella lo empuja hacia la puerta.

CRISTINA: Lárgate pendejo... Lárgate... Me das asco.

Lo sigue empujando. Paul alza las manos dándose por rendido. Abre la puerta y sale.

Cristina cierra con un portazo, se recarga en la pared y comienza a llorar desconsolada.

Dirección: Alejandro González Iñárritu
Guión: Guillermo Arriaga
Intérpretes: Sean Penn, Naomi Watts

Death Cab For Cutie - A Movie Script Ending

2010-04-17T13:34:00.003+02:00

Intros de cine

2010-04-09T23:20:00.008+02:00

Éste no es un post sobre grandes comienzos de películas en el sentido pleno de la palabra, más bien se trata de secuencias de apertura en su mayoría durante los títulos de crédito iniciales, aunque bien es cierto que todos ellos también son un ejemplo perfecto de cómo empezar una película.

Harold y Maude
Película escrita por Colin Higgins y dirigida por Hal Ashby. Todo un clásico con una secuencia introductoria que me encanta. Su banda sonora está compuesta plenamente con temas del genio Cat Stevens (Yusuf Islam). Su primer diálogo ya es toda una declaración de intenciones: "Supongo que eso te parecerá gracioso, Harold". Una maravilla.

Midnight Cowboy
Mítico comienzo con Jon Voight abandonando su actual vida para empezar otra en Nueva York. Enorme película, una de ésas que nunca te cansas de ver. Escrita por el reconocido guionista Waldo Salt, uno de los marcados en la lista negra del senador McCarthy. Waldo ganó uno de sus dos Oscars por este trabajo. Suena "Everybody's Talking" de Harry Nilsson.

Jackie Brown
Dirigida por Quentin Tarantino y adaptada de la novela "Rum Punch" de Elmore Leonard. Muchos la ven como la verdadera obra maestra del director (posiblemente lo sea). En esta secuencia, Pam Grier, famosa actriz de los 70, recorre el aeropuerto internacional de Los Ángeles acompañada del tema "Across the 110th Street" de Bobby Womack.

Easy Rider
Dirigida por Dennis Hopper, 'Easy Rider' es una película clave en la historia del cine norteamericano y un icono de la contracultura. En ella, Peter Fonda y el propio Dennis Hopper se embarcan en un viaje en sus motocicletas chopper para conseguir iniciar una nueva vida en Florida con todo el dinero que acaban de ganar en un intercambio de droga. Soberbia también es la aparición de Jack Nicholson y el viaje psicodélico hacia el final. Suena "Born to Be Wild" de Steppenwolf.

Toro Salvaje
Dirigida por Martin Scorsese, con Robert De Niro en el papel principal interpretando a Jake LaMotta, el famoso boxeador nacido en el Bronx. Sobran todas las palabras cuando se menciona el título de esta película. Su escena de apertura es simple: De Niro preparándose para el combate en el inmenso ring, pero hay algo en ella tremendamente bello.

Apocalypse Now
Si hablamos se secuencias de apertura, no podemos dejar de hablar de Apocalypse Now, de los helicópteros, del napalm, de esa pequeña habitación de hotel en Saigón con Martin Sheen, y por supuesto, del "The End" de The Doors. Dirige el maestro Francis Ford Coppola.

El naturalismo de Savides

2010-03-31T00:00:00.004+02:00

Éste es un extracto de una entrevista realizada al director de fotografía Harris Savides, para mí uno de los grandes genios tras una cámara que puede haber en la actualidad junto a Roger Deakins. A Savides creo haberle nombrado por aquí en alguna que otra ocasión. Ha trabajado con directores de la talla de James Gray, Gus Van Sant, Noah Baumbach, David Fincher, Woody Allen y en la próxima película de Sofia Coppola, Somewhere. Se deselvuelve como nadie a la hora de conseguir looks setenteros (Milk, Zodiac, American Gangster), y utiliza unos colores que recuerdan ineludiblemente a otros grandes de este oficio como Gordon Willis, Néstor Almendros y Laszlo Kovacs.

Aparte de su trabajo en el cine, Harris tiene el honor de haber sido la única persona en ganar tres MTV Music Video Awards a la mejor fotografía, dos de ellos consecutivos por "Rain" de Madonna y "Everybody Hurts" de R.E.M. Su estilo es claro: imágenes puras y nada llamativas, un estilo simple, austero, naturalista y digno de ser contemplado.

Llevas ya un tiempo trabajando con Noah Baumbach; él parece un guionista y un director muy vital, pero en las películas Greenberg y Margot y la boda existe un tono muy orgánico y dinámico en cuanto a la calidad de imagen se refiere.

Cuando me invitaron a participar en Margot y la boda, Noah ya tenía en su cabeza una idea muy preconcebida de lo quería realizar. Me recomendó que viera algunas películas para que me metiera de lleno en su visión, y la primera que me mostró fue La Coleccionista, de Eric Rohmer.

Una película que por cierto tiene una dirección de fotografía estupenda de Néstor Almendros. ¿Había algo específico en ella en lo que tuvieras que fijarte?

Creo que era simplemente la calidad de imagen o su escasez de resolución. Noah tan sólo quería tener algo en su película que recordara a aquellas que Néstor filmó durante los años 70. En especial ésta de la que hablamos.

¿Y cómo consigues ese toque? ¿Es la mezcla de encontrar una determinada luz con grabar cámara en mano?

Nosotros intentamos usar toda la luz natural posible, y sí, también la cámara en mano, aunque ahora últimamente la gente tiende mucho a hacer este tipo de cosas, y en la mayoría de los casos parece un recurso demasiado estilizado.

Ahora mismo me viene una secuencia a la cabeza de Margot y la boda, cuando el personaje de John Turturro hace su aparición. En ella hay una enorme belleza en la luz del sol, sin embargo, no la vemos demasiado recalcada.

Recuerdo que grabamos con varias cámaras ese día simplemente para no perder detalle en ninguna de las interpretaciones. Puede que llegáramos a tres cámaras sólo para tratar de conseguir la mayor espontaneidad posible entre los actores en una sola toma. Cuando Noah está grabando se trata de focalizar la atención en el diálogo.

¿Cómo abordaste la iluminación de la película? Lo digo porque en cierto sentido parece algo desembellecida.

Precisamente lo que trato de hacer es mantener una iluminación natural y simple, no hacerla demasiado espectacular o demasiado bella. Para mí tiene que parecer real, y creo que eso también es importante para Noah. Creo que existe un cierto artificio en las fotografías demasiado finas o hechas con demasiado esmero. A veces funciona, bueno, de hecho funciona la mayoría de las veces, pero para mí un enfoque más natural me parece más interesante y no hace parecer la imagen tan postiza y premeditada.

¿Qué nos puedes contar de Greenberg? ¿Hubo alguna película de los años 70 en la que te fijaras? ¿Quizá alguna que estuviera rodada en Los Ángeles (lugar donde se desarrolla la película)?

Estuvimos ojeando El largo adiós, de Robert Altman y Five Easy Pieces (Mi vida es mi vida). Cuando Noah me mencionó esas dos peliculas yo ya sabía exactamente lo que quería, pero no se trata de imitar una película, sólo de tener referencias.

Entrevista realizada por David Schwartz para Museum of the Moving Image.

Joy Zipper

2010-03-25T00:25:00.010+01:00

Curioso y atractivo nombre para un grupo de música. Joy Zipper, a pesar de que llevan ya varios años sin sacar disco, siguen siendo uno de los que más me gusta escuchar. ¿No les conocéis? No pasa nada, para eso estamos.

Para empezar, más que un grupo, ellos son un dueto formado por Vincent Cafino y Tabitha Tindale, residentes en un pequeño estudio de Long Island. Su nombre en realidad proviene del verdadero nombre de la madre de Tabitha, que aparece con ella en la portada de su primer disco. Joy Zipper hacen una música a la que se viene denominando como dream pop, caracterizada por una serie de sonidos placenteros para los oídos, pero ellos además le añaden un toque a veces más eléctrico, y a pequeñas dosis incluso rockero. Para mí, Tabitha a los teclados y Vincent a la guitarra hacen una mezcla melódica de lo más agradable. ¿Sus influencias? Desde los Beach Boys, pasando por Velvet Underground, hasta My Bloody Valentine. También se les ha llegado a comparar con el dúo danés The Raveonettes.
Vinny Cafino me resulta además uno de los mejores guitarristas norteamericanos no reconocidos popularmente junto a Dean Wareham, Glenn Mercer, Bill Million y quizás James Murphy.

En el año 2000 sacaron a la luz su primer disco, llamado Joy Zipper, un disco para mi gusto demasiado experimental y arriesgado para tratarse de un debut. Sin embargo, el atrevimiento tuvo su premio y como consecuencia el reconocimiento. Las canciones más destacables de este primer trabajo son a mi parecer Check Out My New Jesus, Everyday y The Power of Alan Watts. Un disco, repito, tremendamente osado.

Joy Zipper - "The Power of Alan Watts"

En el 2003 publican su segundo álbum, American Whip, que obtuvo buenas críticas y una gran repercusión sobre todo en el Reino Unido. En él no dejan los experimentos de lado, pero también aparecen grandes temas y sus primeros éxitos como Out of the Sun y Baby You Should Know. Buenos sonidos a los que acompañaban de forma inmejorable otras canciones como Ron, Dosed and Became Invisible y la genial Christmas Song, una de las dos únicas canciones con la palabra Navidad en el título que me gustan.

Por aquellas mismas fechas también podíamos encontrar en el mercado The Stereo and God, un EP (Extended Play) con nuevas canciones que servía como aperitivo para su siguiente y último disco hasta ahora: The Heartlight Set, lanzado en el año 2005. Mi favorito junto a American Whip. En él se pueden escuchar temazos como Go Tell The World, 1, o la genialmente escrita For Lenny's Own Pleasure.

Joy Zipper - "1"

Algunas de sus canciones han sido utilizadas como banda sonora en diversas series de televisión como 'The O.C' (que ha tenido una de las mejores bso de nuestra caja tonta) y 'Anatomía de Grey'. Tampoco faltan en su discografía versiones de otros grupos como el fantástico Wave of Mutilation de los Pixies o la maravillosa Just Like Heaven de The Cure. Temas que merecen la pena ser escuchados también con la voz de nuestros queridos Vinny y Tab (Joy Zipper).

Joy Zipper - "Just Like Heaven"

Durante los últimos años, el dúo ha aprovechado para participar en algunas colaboraciones especiales y homenajes. También para contraer matrimonio en una ceremonia celebrada por todo lo alto en la playa de Delray Beach, Florida, consolidando así una relación iniciada desde 1991, cuando Tabitha vio a Vinny tocar la guitarra en una batalla de bandas en Long Island. Ella se interesó por él, y éste le contestó que ella tenía la nariz de Bob Hope, probablemente un insulto para cualquier mujer, pero poco después descubrieron que estaban hechos para la música, el uno para el otro. Mientras se siguen demostrando su amor, yo espero que saquen un nuevo disco pronto.

Two Lovers. Cuando el cine es cine

2010-03-19T11:35:00.003+01:00

En estos días en los que el tiempo se me pasa volando y no siempre tengo un hueco para actualizar el blog, no puedo dejar de lado el cine, que es mi vida, así que intento seguir viendo un gran número de películas a lo largo de la semana, y a veces, entre ese gran número me encuentro con alguna grata sorpresa que merece ser mencionada aquí porque logra engancharme, divertirme, entretenerme, emocionarme, revolverme... En definitiva, porque logra hacerme sentir cosas. La última que lo ha conseguido ha sido 'Two Lovers', de James Gray. Una auténtica obra de arte que desde ya mismo os recomiendo que veáis, porque cuando el cine es cine, éste merece ser compartido.

James Gray, por si no le conocéis, debutó en los 90 con una película titulada 'Little Odessa', que contaba con actores de la talla de Tim Roth y Vanessa Redgrave. Aquí se llamó 'Cuestión de Sangre'. Gray tenía solamente 24 años cuando se estrenó, y aunque pasó muy desapercibido, ya consiguió cautivar la mirada y el interés de mucha gente. Desde entonces se ha querido ver a este guionista y director como uno de los sucesores del cine de Francis Ford Coppola, y algo de ello hay, aunque no sé si llega a tanto. En cualquier caso, en esta nueva década debería confirmar su enorme talento ahora que ya ha conseguido hacerse un nombre importante en la industria.

Hasta el momento sus historias siempre han hablado acerca del hogar y de la familia, pero no de una forma usual, sino desde un punto de vista muy negro, con mafiosos, asesinos, policías. Sus dos siguientes películas ya dentro del nuevo milenio son una clara muestra de ello. Ahí están 'The Yards' (La otra cara del crimen), y quizás su película más conocida de momento, 'We Own the Night' (La noche es nuestra). Ambas protagonizadas por sus dos grandes amigos Mark Wahlberg y Joaquin Phoenix, a quien podríamos considerar como su actor fetiche. James Caan, Robert Duvall, Charlize Theron y Eva Mendes también han tenido el honor de trabajar con él.

En el 2008 realiza Two Lovers, película que increíblemente no se ha estrenado aún en España. Y yo me pregunto a qué esperan, o al menos a qué esperan para traérnosla en dvd. Curiosamente, la película se desarrolla en Brighton Beach, Brooklyn, el mismo lugar en el que transcurrían los hechos de Little Odessa. En éste, su último trabajo hasta la fecha, Gray deja de lado el tema criminal para acercarse al romance y abordarlo con un dramatismo tan abismal que te deja hecho polvo. Y por eso me resulta tan especial, por su tratamiento, por su guión (coescrito con Ric Mennello) sobrio y perfectamente amueblado, por sus sólidas interpretaciones y por la genial dirección ya no sólo a nivel de actores, también de estilo visual, con una inmejorable agilidad para la selección de planos.

Merece su propio apartado Joaquin Phoenix, que borda una interpretación que roza lo perfecto. Es una pena que después de esto dejara el cine por el rap, porque el mundo está perdiendo a un actorazo. Dicen algunos rumores que todo es un montaje para un documental que está rodando con Casey Affleck, y que Joaquin se está quedando con todos nosotros.

Two Lovers trata acerca de un hombre llamado Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix), un soltero con tendencias suicidas que vive en casa de sus padres y trabaja en un pequeño negocio familiar. Ese pequeño negocio podría prosperar si Leonard se casara con Sandra (Vinessa Shaw), la hija de un socio de su padre. Sin embargo, un día, Leonard conoce a la atractiva Michelle (Gwyneth Paltrow), su nueva vecina, de quien se enamora perdidamente desde su primer encuentro. Puede parecer un argumento simple o normal, pero no lo es. Completan el reparto Isabella Rosellini, Moni Moshonov y Elias Koteas.

Yo os vuelvo a recomendar encarecidamente que la veáis y opinéis, y si os llega a gustar tanto como a mí, al final no tendréis más remedio que dejar caer alguna lágrima y aplaudir, porque aunque James Gray todavía no lo es abiertamente, estoy seguro de que llegará a ser uno de los grandes.

Arctic Monkeys - Leave Before The Lights Come On

2010-03-15T17:26:00.003+01:00

Dirigido por John Hardwick.
Interpretado por Paddy Considine (Dead Man's Shoes, 24 Hour Party People, El ultimátum de Bourne) y Kate Ashfield (Zombies Party, The Diary of Anne Frank, Collision).

El análisis

2010-03-09T12:34:00.008+01:00

LA CAPATAZ DE UN MUNDO DE HOMBRES
por Carlos Boyero

Kathryn Bigelow es una mujer extremadamente alta y de anatomía espléndida, rostro atractivo, melena cuidada, curvilínea, con movimientos sugerentes. Tiene 58 años muy cuidados. Si no conocieras su profesión, podrías deducir con escaso margen de error que fue actriz, bailarina, modelo, chica de calendario. Su imagen se presta al estereotipo fácil. Pero es directora de cine, capitana de barcos en los que desde sus ancestros casi toda la marinería son machos. La temática que le atrae y en la que ha demostrado tanta vocación como virtuosismo no son las historias intimistas y líricas, retratos de la sensibilidad femenina, comedias sutiles y demostrativas de la eterna lucha de sexos, sino la acción pura y dura, aventuras broncas y violentas habitadas mayoritariamente por hombres, un cine que despide aroma masculino. Yo me la imagino haciendo su trabajo como la teniente Ripley en la nave Nostromo, como la existencialista y forzosamente épica doctora Cartwigh en 7 mujeres, como Viena en Johnny Guitar. Cuestión no sólo de talento. También de personalidad, de ovarios.

Si repasas su filmografía, poblada por una policía femenina a la caza de asesino psicópata, atracadores surferos, cine negro y virtualidad en Los Ángeles del futuro, soldados rusos en un submarino nuclear a punto de hecatombe y otras temáticas sobre las que inevitablemente planea la sangre, no es sorprendente que esta directora se haya sentido en su ambiente contando la espeluznante cotidianidad, el obligado heroísmo, la incalculable sangre fría de especialista del ejército cuyo trabajo consiste en rastrear y desactivar bombas, en convivir permanentemente con la muerte tratando de ahuyentarla. En tierra hostil retrata ejemplarmente esa tensión, la sobredosis de adrenalina, el miedo, la neurosis que puede acarrear. Posee la atmósfera y el tono de los buenos documentales bélicos, la transmisión de esa cosa que puede ser intolerable y llamada realidad.

El lenguaje realista de Bigellow se ha impuesto al imaginativo y apabullante despliegue de efectos especiales, de milagros por ordenador, de sorpresas visuales que ha creado su ex marido James Cameron, el hombre que nunca se equivoca en las demandas del gran público, en esa historia que me resulta tan entretenida a pesar de que su argumento sea escasamente original, de que Cameron plagie y se autoplagie contando la eterna batalla entre ángeles y depredadores. Avatar, además de su revolución técnica, disponía a su favor en los oscars con la hipnosis que acompaña a la rotura de taquillas, a haber saciado la demanda de todo tipo de espectadores, pero sorprendentemente esta vez no ha triunfado el poderío económico y se ha quedado a tres merecidas velas. No se puede tener todo.

Han existido cosas muy justas en la concesión de esas estatuillas que otorgan un perdurable lugar en el sol. El secreto de sus ojos, película con esa cualidad tan rara de alborotarte la cabeza y tocarte el corazón, ese mecanismo perfecto que logra absoluta armonía entre el cine negro, el cine político y el cine romántico, sin prescindir del humor y de situaciones de comedia en una geografía trágica, ha logrado que le reconozcan la trascendencia que le negó el jurado del Festival de San Sebastián o en la absurda identidad española que le adjudicaron los Goya a una película que desprende olor a Argentina por todos sus poros. El mérito es mayor al tener que competir con brillantes pesos pesados como la devastadora La cinta blanca y la claustrofóbica Un profeta.

Nadie dudaba de que al estoico y marginal El Nota, al tan sexy como infeliz pianista de aquellos fabulosos hermanos Baker, al siempre excelente Jeff Bridges, sus compañeros de profesión le debían el inaplazable reconocimiento oficial. Su cantante country en Corazón rebelde, borracho y perdedor, superviviente y cínico, más solo que la una aunque su vieja leyenda le sirva a éste para despertarse acompañado de vez en cuando en moteles casposos, es un personaje ideal para que Bridges le aporte cuerpo y alma, piedad e ironía, clase y machaqueo existencial. Él es lo incuestionablemente memorable de esta simpática película. Tampoco han aparecido absurdas discrepancias a la hora de reconocer el enorme talento de Christoph Waltz componiendo al único personaje inolvidable de Malditos bastardos, a ese nazi sinuoso y maquiavélico, teatral y cruel, embaucador y ladino, especializado en detectar y cazar judíos. También la Mo'Nique de Precious, esa madre sádica que se ensaña cotidianamente con su adiposa, desamparada y trágica hija, es un personaje al que no nos cuesta ningún trabajo odiar. No tengo opinión sobre el Oscar a Sandra Bullock (actriz que nunca me ha sugerido demasiadas cosas gratas) ya que no se ha estrenado aquí ni la distribuidora se ha molestado en proyectárnosla previamente. Y, como casi siempre, mi película favorita se ha quedado en blanco. Es esa inteligente y compleja comedia titulada Up in the air. El desdén de la Academia no afecta a su encanto.

PD: Coincido absolutamente en todo lo que comenta este señor en su análisis. Sobre todo en lo de 'Up in the Air'. Muchísimas felicidades también a Juan José Campanella por ese merecido premio y por ese peliculón que nos ha brindado, y por supuesto, felicidades al único, al imprescindible, al soberbio Jeff (The Dude) Bridges. Posiblemente el Oscar más justo de todos.

Guiones Nominados (Oscars y Spirit Awards)

2010-03-03T16:19:00.008+01:00

Ya llegan, ya están aquí, y un año más, otra noche de insomnio que acabará conmigo. A continuación os hago una lista de todos los guiones nominados y mis intuiciones con cada uno de ellos.

OSCARS.
(domingo 7 de Marzo)

Guión Original:

-The Hurt Locker (En tierra hostil) de Mark Boal (ganador)
-Inglorious Basterds (Malditos Bastardos) de Quentin Tarantino
-The Messenger de Alessandro Camon y Oren Moverman
-A Serious Man (Un tipo serio) de Joel Coen & Ethan Coen
-Up de Bob Peterson y Pete Docter

Por supuesto, yo se lo daría a los Coen, pero no sé, me da a mí que está difícil la cosa este año. Además ya tienen muchos de éstos en sus casas, así que, aunque creo que sin duda la gran triunfadora de la noche será The Hurt Locker, quizás los académicos opten por premiar a Tarantino en esta categoría (sería su segundo Oscar al mejor guión tras el de Pulp Fiction), e incluso por qué no, a The Messenger.

Guión Adaptado:

-District 9 de Neill Blomkamp y Terri Tatchell
-An Education de Nick Hornby
-In the Loop de Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci y Tony Roche
-Precious de Geoffrey Fletcher (ganador)
-Up in the Air de Jason Reitman y Sheldon Turner

Mi apuesta para esta categoría es claramente Up in the Air. Me gusta bastante el guión de In the Loop y aprecio mucho a Nick Hornby por sus increíbles novelas, pero sintiéndolo mucho, este Oscar creo que tiene un dueño claro.

SPIRIT AWARDS (premios del cine independiente).
(viernes 5 de Marzo)

Mejor Guión:

-The Vicious Kind de Lee Toland Krieger
-The Messenger de Alessandro Camon y Oren Moverman
-The Last Station de Michael Hoffman
-Adventureland de Greg Mottola
-(500) Days of Summer de Scott Neustader y Michael H. Weber (ganador)

Creo firmemente que se lo darán a Scott Neustader y Michael H. Weber por esta joya llamada (500) Days of Summer, aquí traducida como (500) Días juntos. A mí me engancharon desde las dos primeras páginas de guión, ésas en las que pone a modo de dedicatoria "Specially you Jenny Beckman. Bitch". Incomprensiblemente no está nominada en los Oscar, algo que no termino de entender my bien, pero bueno. Adventureland tiene también todos los ingredientes del buen cine independiente norteamericano de estos tiempos, pero no le llega a la anterior ni a la suela de los zapatos.

Mejor Primer Guión:

-Precious de Geoffrey Fletcher (ganador)
-Crazy Heart de Scott Cooper
-Cold Souls de Sophie Bartes
-Amreeka de Cherien Dabis
-A Single Man de Tom Ford y David Scearce

Seguramente le caiga a Geoffrey Fletcher por Precious. Nada más que añadir, así de simple.

P.D: Puede que Morgan Freeman haga un papelón interpretando a Nelson Mandela, pero este blog desea con toda su alma que el Oscar al mejor actor vaya para El Nota, quiero decir, para el grandísimo Jeff Bridges por Crazy Heart. Ánimo Jeff, a la quinta va la vencida.

ACTUALIZACIÓN
Bueno, en cuanto a los Spirit Awards perfecto, en los Oscar, que gane el premio al mejor guión original la que ha ganado a mejor película me parece bastante coherente. Respecto al guión adaptado, me sigue pareciendo mucho mejor el guión de Up In the Air que el de Precious, que también es muy bueno, pero no tanto.

The White Stripes - I Just Don't Know What To Do With Myself

2010-02-22T12:00:00.002+01:00

Dirigido por Sofia Coppola
Interpretado por Kate Moss

Greenberg desde Berlín

2010-02-17T11:55:00.020+01:00

Pasada ya la gran fiesta del cine español con esa nueva y refrescante gala organizada por el inmenso Álex de la Iglesia, yo decido cambiar a otros menesteres, por ejemplo, la Berlinale, porque hace unos días se estrenaba allí en competición oficial una de mis películas más esperadas, Greenberg, de Noah Baumbach. Al estreno asistió el propio director acompañado por Ben Stiller, Greta Gerwig y Rhys Ifans.

En palabras de Baumbach, su nueva película es como una visión cinematográfica de las novelas de Philip Roth, Saul Bellow y John Updike, es decir, una película de personajes que entran en crisis en un determinado punto de sus vidas. También es una película que muestra a la ciudad de Los Angeles como tal y no como una ciudad industrial, algo en lo que le ayudó su mujer Jennifer Jason Leigh a la hora de escribir el guión, puesto que ella se crió allí y Noah es cien por cien neoyorquino.

A continuación me gustaría mostraros un par de críticas que he recogido por ahí sobre la película. Una clara muestra de lo mucho que puede ser adorado a la vez que detestado el cine de Baumbach. Por supuesto, yo me incluyo en el primer grupo, aunque esta vez empezaremos por lo negativo, por la crítica de un hombre al que admiro mucho, Carlos Boyero, que escribía esto:

Hay actores y actrices de consumado éxito que tienen la capacidad para despertar la fobia irracional de espectadores maniáticos. A mí me ocurre con Jim Carrey. También con Ben Stiller. Este señor tan presuntamente gracioso es el protagonista de Greenberg, dirigida por Noah Baumbach. El arranque, con un interminable plano fijo de una mujer que va conduciendo ya te asegura que estás ante una muestra de cine independiente, de esas apuestas radicales que tanto valoran los festivales y la impostura autosatisfecha. Esa intimidante carta de presentación deriva afortunadamente en una película con cierto ritmo y en la que ocurren cosas, aunque ni ellas ni los personajes que las viven te provoquen algo más que una mueca de hastío. Stiller interpreta a un cuarentón existencialista que acaba de salir de un psiquiátrico y que retorna a la gente y el escenario en el que pasó su juventud. Resulta que en el pasado quiso ser músico pero acabó de carpintero en Nueva York. Ni sus sueños rotos, ni la sadomasoquista relación de este fulano insoportable con una joven fascinada, su antigua novia, su hermano y un amigo redimido de las drogas, tienen el menor enganche para un espectador con paladar. Greenberg pretende ser un retrato penetrante de una generación desencantada, pero tanto los integrados como los apocalípticos resultan insoportables. Y encima tienes que aguantar todo el rato el careto de Stiller haciendo de excéntrico atormentado.

Y ahora pasemos a lo positivo. Esto es lo que escribía Sergi Sánchez:

¿Ben Stiller con pelusilla blanca? ¿Ben Stiller más delgado que el espíritu de la golosina? ¿Es este el Ben Stiller de «Algo pasa con Mary»? Difícil reconocerle: quizá el cambio de imagen a su llegada a la Berlinale forma parte de una operación de descoloque, de quitarse etiquetas de cómico para todos los públicos. Quizá por eso en rueda de prensa confesó que, en la vida real, no se le da bien contar chistes. «Greenberg», la nueva película de Noah Baumbach, invierte parte de sus energías en enseñar qué hace Stiller cuando no cuenta chistes, o cuando intenta contarlos y sólo recibe un silencio sepulcral como respuesta. Alrededor de su personaje, un carpintero que se recupera de su crisis nerviosa volviendo a Los Ángeles, su ciudad natal, el director de la magnífica «Margot y la boda» dibuja el preciso retrato de un hombre que se niega a crecer, que vive en el pasado mientras el mundo avanza y que se resiste a admitir que es el único culpable de su amargura. El fino oído de Baumbach, co-guionista del cine de Wes Anderson, aplasta el egoísmo de su antihéroe en los morros de la pureza algo autista de Florence (Greta Gerwig), la chica para todo que trabaja para su hermano. En cierto modo, «Greenberg» también es una comedia romántica, pero la inteligencia de su planteamiento radica en examinar el género en negativo: desde el rechazo, desde el fracaso, desde el autoengaño. Y Baumbach triunfa en su estrategia: porque Stiller está magnífico, porque el personaje es a la vez insoportable y conmovedor.

Hace poco también se dio a conocer la banda sonora definitiva del filme. El score lo compone James Murphy, líder del grupo LCD Soundsystem, y la BSO incluye temas variados marca de la casa y típicos de Baumbach. No podía faltar Dean Wareham, claro, con su primer grupo Galaxie 500, además podemos encontrar temas de Duran Duran, Albert Hammond, Sonics, Nite Jewel, y The Steve Miller Band. El tema que os pongo a continuación también resultó ser una de las principales fuentes de inspiración mientras Baumbach escribía el guión. Así que mientras esperamos una fecha de estreno en España, os dejo con LCD Soundsystem y New York I Love You But You're Bringing Me Down:

Ver rueda de prensa de Greenberg en Berlín.

Mis 5 actrices favoritas

2010-02-12T19:02:00.005+01:00

Sin más demora, nos vamos directos a la número uno:

1. Veronica Lake
Nacida en Brooklyn en el año 1922, aunque otros datos señalan 1919. Probablemente su característica más emblemática fue su imitadísimo peinado, el mismo con el que Kim Basinger le rendía homenaje en L.A. Confidential. Su vida siempre ha estado rodeada de una controversia inquietante y digna de ser filmada en forma de biopic. Comenzó su carrera actuando como figurante hasta que empezó a despuntar en papeles secundarios (Vuelo de águilas). Su primer papel importante y el que a mí más me gusta le llegó de la mano del magnífico Preston Sturges en la soberbia comedia Los viajes de Sullivan (una de mis películas favoritas en la historia del cine). Veronica llegó a hacerse un hueco importante en la industria durante los años 40 gracias al género negro, actuando en tres películas casi consecutivas junto al actor Alan Ladd (El cuervo, La llave de cristal y La Dalia Azul). También es destacable su interpretación en Me casé con una bruja de René Clair. En los 50 su carrera se viene abajo, abandona el país y su afición al alcoholismo crece más cada día. Finalmente, Veronica fallece a la edad de 50 años en Vermont debido a una insuficiencia renal. Hoy en día es todo un ícono del cine clásico.

2. Jeanne Moreau
Nacida en París en 1928. Para mí es la figura más grande que ha dado el cine francés y la mejor actriz de su generación. Orson Welles, con quien rodó la adaptación de la obra de Shakespeare Campanadas a medianoche, dijo de ella que era "la mejor actriz del mundo". De enigmática mirada y sonrisa, dotada de una belleza natural, y unas cualidades innatas para la actuación, su primeros éxitos le llegan gracias al genial Louis Malle en películas como Les Amants y Ascensor para el cadalso. Más tarde trabajaría con muchos de los grandes directores de su época, con Truffaut en la elogiada Jules y Jim, con Antonioni en La noche (compartiendo cartel con Marcello Matroianni y Monica Vitti), con Demy en La bahía de los ángeles, con Luis Buñuel en Diario de una camarera, con Elia Kazan en El último magnate... En 1965 rompió las taquillas de cine dándole réplica a Brigitte Bardot en Viva María!, otra película de Louis Malle que resultó ser todo un éxito internacional en gran medida gracias a la aparición de estas dos mujeres. Actualmente, Jeanne continúa haciendo cine y la hemos podido ver recientemente en varios de los últimos trabajos del director israelí Amos Gitai.

3. Laura Linney
Hace ya algún tempo recuerdo que escribí una entrada sobre Laura Linney, pero como me gusta ser repetitivo con las cosas que me gustan, volveré a escribir un poco sobre ella. Nació en Nueva York en 1964, y comenzó su carrera actuando en Broadway. Su mejor cualidad es el trabajar duro con sus personajes. Laura mima absolutamente cada uno de sus papeles, y eso le hace meterse de lleno en la interpretación de los mismos para conseguir actuaciones prácticamente perfectas. Empezamos a ver a Laura en películas como Las dos caras de la verdad, junto a Edward Norton y Richard Gere, y también de la mano de Clint Eastwood en Poder Absoluto. Pero la gente comenzó a quedarse con su cara a raíz del éxito de El show de Truman. Dos años después con Puedes contar conmigo consiguió su primera de las tres nominaciones que tiene en los Oscars, aunque únicamente cobró 10.000 dólares por el trabajo. Sus otras nominaciones las consiguió gracias a sus papeles en Kinsey y en la magnífica La familia Savages. Otras de sus interpretaciones más memorables las encontramos en Una historia de Brooklyn, La vida de David Gale, Mystic River o Love Actually, y yo vuelvo a apostar por ella en esta nueva década.

4. Monica Vitti
Nacida en Roma en 1931 (otras fechas señalan 1933). Ingmar Bergman, a quien yo respeto mucho, dijo de ella que era una actriz pésima, seguramente inducido por sus continuos piques con Michelangelo Antonioni, que la acogió como una de sus musas. Comenzó actuando en papeles dramáticos, aunque es muy conocida por sus comedias. Sus primeras películas son cuatro clásicos del cine italiano y de Antonioni que la catapultan como actriz de talento: La noche, El eclipse, El desierto rojo y L'avventura, por la que ella y sus compañeros fueron abucheados en Cannes, sin embargo, el propio festival le rindió homenaje el pasado año y hoy en día es un filme de reconocida importancia. Más tarde, Monica se deja caer en manos de Mario Monicelli, con quien realiza La ragazza con la pistola y diversas comedias más a través de los 70 entre las que cabe destacar El demonio de los celos con Mastroianni y La otra mitad del cielo de Franco Rossi. En aquella época, Vitti también es dirigida por Luis Buñuel en una de las últimas películas del director, El fantasma de la libertad. En 1989, ella misma escribe, dirige y protagoniza Scandalo Segreto. Poco tiempo después, Monica escribe su biografía y abandona el mundo del cine.

5. Kate Winslet
Nacida hace 34 años en Reading, Inglaterra. Hasta el año pasado era conocida como la eterna nominada, ya que contaba con cinco nominaciones tanto en los Globos de Oro como en los Oscars y ninguna estatuilla. Lo único que había ganado hasta entonces era un BAFTA como actriz de reparto por uno de sus primeros papeles en el cine, Sentido y Sensibilidad, hasta que por fin, gracias a The Reader, consiguió alzarse con sendos premios, pero sobre todo con ese Oscar al que tanto había estado persiguiendo. Con esto y con decir la edad que tiene, qué duda cabe de que estamos ante una de las grandes actrices de nuestro tiempo, una de ésas que permanecerán en los libros para toda la eternidad. Seguro que todos estamos de acuerdo, y seguro que todos podemos nombrar varios títulos que ha protagonizado: Criaturas Celestiales, Titanic, Iris, Little Children, Descubriendo nunca jamás, Olvídate de mí, Revolutionary Road... Ahora sólo falta adivinar cuál será su próximo éxito.

Y en este momento es cuando a mí me entran las dudas y no sé dónde poner a otras grandes actrices que adoro como Julianne Moore, Hilary Swank, Barbara Stanwyck, Clotilde Hesme, Marion Cotillard, Isabelle Huppert, Kim Novak, Sophie Marceau, Maribel Verdú, Ariadna Gil, Marta Etura, Anna Karina, Jean Seberg, Chloë Sevigny, Catherine Keener, Ingrid Bergman, Nicole Kidman, Claudette Colbert, Diane Keaton, Naomi Watts, Bibi Andersson, Anjelica Huston, Cate Blanchett, Frances McDormand, Holly Hunter, Carmen Maura, Cecilia Roth, Marie Rivière, Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, Eva Marie Saint, Vanessa Redgrave, Michelle Pfeiffer y por qué no, Scarlett Johansson.

¿Qué pasaría si...

2010-02-07T11:37:00.002+01:00

Wes Anderson dirigiera el nuevo Spiderman? La noticia saltó hace unas semanas a la red, obviamente, la credibilidad es nula, simplemente es algo absurdo que no tendría ningún sentido, pero youtube está plagado de parodias sobre este singular cineasta, una de mis predilecciones, y ya hay valientes que han imaginado cómo sería este superhéroe al estilo Anderson. Lo increíble es que encima está bien trabajado y todo...

Up in the Air: maravilla absoluta

2010-01-27T11:12:00.015+01:00

Me encantó desde el primer plano hasta el último. Up in the Air es la nueva película de Jason Reitman, director de Gracias por fumar, y el mismo tipo que nos sorprendía hace un par de años con Juno, la comedia adolescente escrita por Diablo Cody. Pero sinceramente yo creo que ésta es mucho mejor que las anteriores, lo que significa que la carrera de este hombre continúa despegando y subiendo alto, muy alto.

Up in the Air trata sobre el desempleo en tiempos de crisis, sobre la soledad, sobre la familia, sobre la vida. Hay romance, hay comedia, y hay un drama y una tristeza enorme en todo lo que vemos. Todo sensacionalmente escrito por el propio Reitman y su coguionista Sheldon Turner, que adaptan la historia de la novela homónima de Walter Kim, una novela que no tardaré mucho en conseguir. Sobre las interpretaciones comentaré que cada día que pasa envidio más a George Clooney, un tío asquerosamente encantador (palabras de Vera Farmiga) que lo tiene todo y que encima continúa superándose más y más en sus actuaciones. Aquí vuelve a estar de Oscar, literalmente, igual que sus compañeras de reparto, la guapísima Vera Farmiga, que siempre que se pone delante de una cámara se mueve y habla con una naturalidad pasmosa, y Anna Kendrick, que ha resultado ser todo un descubrimiento. También agrada ver los cameos de Zach Galifianakis, J.K. Simmons y Sam Elliott entre otros.
No me olvido de su banda sonora, que es de las que acompañan a la imagen y no de las que adornan. Un disco digno de tener en nuestras estanterías. Os invito a que lo comprobéis.

Así que tenemos a Ryan Bingham (George Clooney), que se dedica a despedir a la gente de sus puestos de trabajo mientras acumula millas de vuelo por todo el país. La mayoría del tiempo lo pasa solo, en el aire, entre aeropuertos. Allí es donde está su casa, pero un día se cruza en su camino Alex (Vera Farmiga), con la que inicia una relación a través de varias ciudades en las que coinciden mientras trabajan volando de un lado a otro. Ésta sería una de las líneas principales del argumento, pero la película es mucho más compleja a mi parecer, de ésas que te dejan tocado cuando abandonas la sala de cine. Una película absolutamente maravillosa que merece el reconocimiento por mucho más que por ser la que gana el Oscar al mejor guión, un premio que ganará de calle. Así que hacedme el favor de ir ya mismo al cine a verla, no lo lamentaréis.

Epitaph for my Heart

2010-01-19T00:00:00.004+01:00

Cupido puso demasiado veneno en ese dardo... y ahora no hay suficiente alcohol en el mundo para curar esta herida. La primera parte de esta frase es de los Magnetic Fields, y la segunda es mía, aunque podría ser de cualquiera.

En High Fidelity, John Cusack grababa cintas recopilatorias en sus ratos libres, yo sin embargo, edito montajes musicales de películas. En esta ocasión traigo uno que para mí tal vez era necesario realizar ahora, no por la fabulosa Jeanne Moreau, probablemente la mejor actriz que ha dado Francia y quizás el mundo, protagonista absoluta del vídeo que veréis a continuación. Este montaje era necesario porque así lo sentía, pero no entraremos en eso. Las imágenes son de La bahía de los ángeles, de Jacques Demy, y de Ascensor para el Cadalso, de Louis Malle, dos películas que adoro. Ojalá que os guste.

Hasta la próxima, monsieur Rohmer

2010-01-12T00:00:00.009+01:00

Perdonad mi pequeño abandono, ya venía avisando el mes pasado que se aproximaban fechas difíciles en las que iba a tener que dejar un poco de lado las entradas del blog. Y si no lo avisé o no lo dejé claro lo digo ahora. Pido perdón por la ausencia y por los futuros días que puede que sean algo más desérticos de lo habitual, pero hoy no podía faltarle a este señor, Eric Rohmer. Me he enterado tarde de su muerte, y cuando lo he oído se me ha encogido el corazón por tantos ratos de buen cine que ha hecho pasar este hombre tan peculiar, a quien le dedicaba un post hace unas semanas recordando algunas de sus películas con las que más he disfrutado.

Bajo mi punto de vista, nos ha dejado uno de los mayores genios de la historia del cine. Vale, de acuerdo, puede que sus películas no gustaran a la mayoría, a esa mayoría que consideraban su cine aburrido, demasiado filosófico o directamente para intelectuales, algo que por cierto, es falso, sin embargo, sí que reconozco que su cine es sólo apto para cinéfilos con un paladar muy especial. Ya sabéis que yo nunca me he decantado por los productos preferidos por las grandes masas, quizá por eso, Eric Rohmer fuera también uno de mis directores y guionistas favoritos. Yo, que siempre me he identificado de vez en cuando con la idilia de sus personajes, sobre todo por el que interpretaba Patrick Bauchau en 'La coleccionista', mi película favorita de su filmografía junto a 'Mi noche con Maud', 'La rodilla de Clara', 'Las noches de la luna llena', 'El rayo verde', 'Cuento de Verano', 'Pauline en la playa'...

"No hacer nada de nada y pensar en ello es agotador. Es cierto, trabajar es más fácil, se sigue un patrón. En el trabajo hay algo de pereza. El trabajo es una huida hacia delante, una especie de buena conciencia que adquirimos [...]. Me parece menos deshonroso dormir en casa de un amigo que ser asistido por el estado. La mayoría de gente que trabaja hoy hace un trabajo superfluo. Las tres cuartas partes de las actividades son parasitarias. No soy yo el parásito, son los burócratas, y también los técnicos [...]. En la actualidad no cuenta el trabajo, sino la apariencia. Todo el mundo dice que el trabajo no es más que un medio. Se habla de la civilización del ocio, y cuando lleguemos a eso, no tendremos sentido del ocio. Hay gente que trabaja cuarenta años para poder descansar, y cuando por fin lo logran, no saben qué hacer y se mueren. Sinceramente, creo que sirvo mejor a la humanidad holgazaneando que trabajando [...]. Siempre he lamentado no ser rico, pero si fuera rico, lo que tú llamas mi dandismo, sería una ventaja. Estaría totalmente falto de heroísmo, y no puedo concebir un dandy sin heroísmo.

Estas palabras escritas por Rohmer y puestas en boca de Patrick Baucheau en La coleccionista, son probablemente el momento de mi mayor identificación con uno de sus personajes.

Para cinéfilos con un paladar muy especial. Siempre idílico, siempre introspectivo, lógico, analizador, siempre pausado, siempre Rohmer.